Музыка творит чудеса – она влияет на настроение, придает сил в трудную минуту и благотворно воздействует на самочувствие и мыслительные процессы. Можно смело сказать, что музыка – это не только прекрасное, но и терапевтическое искусство. Современные исследователи активно изучают роль музыки в развитии и воспитании ребенка и радеют за то, чтобы музыка заняла свое место среди обязательных наук, как это было в эпоху Возрождения. Американский ученый Мартин Гарднер путем проведения ряда экспериментов выяснил, что дети старшего дошкольного и младшего школьного возраста, которые учились хуже сверстников, после более углубленных занятий искусством, выровнялись в учебе и даже весьма преуспели в математике.

Более того, в Австрии провели любопытнейший эксперимент с младшими и старшими школьниками, во время которого в учебную программу были внесены некоторые изменения. Детям уменьшили нагрузку по математике и иностранным языкам и заменили учебные часы уроками музыки. И что бы вы думали? В течение трех лет дети, занимавшиеся по экспериментальной программе, показали идентичные знания со своими сверстниками, осваивавшими программу без изменений. Более того, оценки по иностранным языкам у детей из экспериментальных классов были значительно выше.

Занятия музыкой позволяют держать баланс в развитии полушарий головного мозга, в то время как занятия одними лишь точными науками больше задействуют лишь левое полушарие. Самое главное, чтобы ребенок сам тянулся к искусству, ведь превращение музыки в принудиловку могут закончиться лишь отвращением к предмету.

Если вы решили выбрать музыку в качестве хобби для ребенка, а, быть может, и в качестве будущей профессии, подумайте вместе с малышом – какой инструмент подойдет ему больше всего. На Рамблер/Семье читайте о том, как подобрать инструмент для малыша и какие положительные и отрицательные моменты существуют для тех, кто интенсивно занимается музыкой.

Пианино

Если вы – счастливый обладатель фортепиано, которое до сих пор в хорошем состоянии, не спешите усаживать ребенка за инструмент. Сначала поговорите с малышом о музыке, послушайте различные классические и современные произведения и выясните, какой из инструментов больше других привлекает вашего малыша. Возможно, он больше тяготеет к струнным.

Есть еще один действенный способ определить, как ребенок относится к музыке – отвести его на настоящий концерт и познакомить его с работой артистов. К счастью, сегодня постоянно появляются новые музыкальные мероприятия для детей, которые не утомляют, а увлекают малыша. Например, фестиваль «Тили мили джаз», включающий в себя исполнение детской музыки, авторских аранжировок песен из мультфильмов и выступление добрых и творческих выдумщиков-взрослых.

Если отпрыск все же хочет играть на пианино, обучение следует начинать в пяти-шестилетнем возрасте, поскольку более ранние занятия могут принести вред. До 5 лет мышцы ребенка еще не готовы к серьезным нагрузкам, поэтому постановка руки, выработка усидчивости в то время, когда ребенок сидит на краешке стула и с прямой спиной, – это серьезные испытания для детского организма. До 5 лет с сыном или дочкой можно играть: находить звуки на слух, изучить октавы и их тембровое звучание.

Если же начать обучение игре на пианино в подходящем возрасте и тщательно следить за правильной постановкой рук и звукоизвлечением, а также контролировать правильную посадку за инструментом во избежание развития сутулости и искривления позвоночника, ваш ребенок будет получать истинное удовольствие от занятий, его пальцы приобретут беглость и растяжку, его спина всегда будет ровной, а, ко всему прочему, малыш разовьет усидчивость и умение прекрасно воспринимать и запоминать большой объем информации на слух.

Скрипка

Мальчик со скрипкой

Говорят, что скрипка лучше других инструментов развивает слух. Но некоторые считают, что скрипка развивает сколиоз, ведь инструмент нужно придерживать подбородком, а значит, шея долгое время находится в напряженном и не совсем привычном положении. Кроме того, зажимать струны детскими пухлыми пальчиками довольно непросто, а иногда и болезненно.

Отказывать от идеи научиться игре на скрипке не стоит. Вдруг скрипка – это идеальный инструмент для вашего ребенка? Зачем же упускать шанс развить музыкальный талант отпрыска? Конечно же, первое время вам придется потерпеть неумелые пассажи и неприятные «мяукающие» звуки, но совсем скоро вы будете гордиться своим маленьким музыкантом.

Саксофон

Саксофон – один из самых романтичных инструментов, ведь его тембр считают наиболее проникновенным и идеально подходящим аккомпанементом для любовных свиданий. Считается, что саксофон – это инструмент для мальчиков, но это не совсем верно, ведь чтобы овладеть техникой игры, нужно иметь приличные легкие и хороший слух, а вовсе не сильные мышцы и крепкие кулаки. Самый распространенный вариант саксофона – альт. Обычно именно на нем обучают детей, а после окончания музыкальной школы и поступления в вуз или для участия в джазовом ансамбле выбирают другой тембр – баритон, сопрано или тенор – деление идентичное человеческому голосу по высоте.

Есть мнение, что игра на духовых инструментах помогает ребенку справиться с такими недугами как астма или тонзиллит на ранней стадии развития. К тому же, при игре на саксофоне развивается так называемое «абдоминальное дыхание», при котором работают мышцы живота. Такое дыхание пригодится на йоге и на уроках пения. Единственное, что нужно учесть – начинать учиться игре на саксофоне лучше в возрасте 10 – 12 лет, когда организм сформирован, а легкие окрепли.

Флейта

Если же ваша душа, а главное, интерес вашего ребенка больше лежит к легкому «порхающему» звучанию, попробуйте флейту. Самый сложный момент – приловчиться и извлечь из инструмента первый звук, ну а дальше все пойдет как по маслу. Если будущему флейтисту еще не исполнилось 10 лет, стоит приобрести специальный J-образный мундштук для инструмента, поскольку из-за прямого мундштука у ребенка могут начаться проблемы с плечами и спиной. Когда же малыш освоит азы звукоизвлечения, ему не составит труда перейти на флейту с прямым мундштуком без всякого ущерба для здоровья.

Флейту рекомендуют детей, в частности, испытывающих проблемы с дыхательной системой. Смысл в том, что флейта требует глубокого вдоха и медленного, предельного выдоха – а это ведь самая интенсивная аэрация легких, которая может пойти на пользу при склонности к затяжным бронхитам и простуде, при аллергических поражениях дыхательных путей, а также при апатии и плохом настроении.

Гитара

Большое количество мальчиков, да и девочек, мечтают стать рок-звездами и поразить публику невероятным соло на гитаре! Пожалуй, гитара частенько занимает лидерскую позицию при выборе инструмента для обучения музыке. И это неспроста, ведь гитара – это огромный простор для творчества. Ваш ребенок сможет играть классические произведения и любимые песни, а после освоения акустики вполне - попробовать себя в качестве рок-гитариста (хотя для этого придется приобрести электрогитару и пару-тройку базовых «примочек» для нее).

Еще один плюс гитары в том, что обучаться играть на ней легко как детям, так и взрослым, причем как в музыкальной школе, так и по интернету (хотя онлайн-вариант, конечно же, стоит оставить для детей от 12 лет, но в экстренных случаях, когда малыш не может посетить педагога, эта возможность вполне подойдет).

Начать уроки игры на гитаре можно, уже с 5 лет, ведь занятия развивают мелкую моторику.

А вообще, какой бы инструмент вы ни выбрали, главное, чтобы ваш малыш был счастлив и с каждым днем раскрывал свой талант!

Многие родители буквально помешаны на том, чтобы обучать своих детей музыке. Однако не у всех это получается легко и органично. Нередко сложности начинаются уже в момент выбора музыкального инструмента.

Скрипка представляется родителям лучшим вариантом. Легкая, доступная по цене (не Страдивари же, в самом деле), много места не занимает – чудо. Вот только на скрипку берут лишь тех, у кого . То есть далеко не всех.

На втором месте по популярности, безусловно, стоит фортепьяно. Устроиться на фортепьяно еще тоже надо уметь, да и сам инструмент не всем по зубам с материальной и пространственной точки зрения: уж больно он большой и дорогой. Тех детей, кого не взяли ни на скрипку, ни на фортепьяно, родители часто устраивают в группы духовых инструментов. И совершенно на думают о том, что игра на духовых инструментов показана далеко не всем по чисто медицинским показаниям.

Духовые музыкальные инструменты разделяются на деревянные, например, флейта, гобой, кларнет, фагот, и медные — труба, валторна, тромбон, туба. Чтобы извлечь звук, необходимы определенные усилия, к тому же некоторые инструменты достаточно тяжелы, вот почему учиться играть на них могут только здоровые дети.

С каких лет детям можно учиться игре на духовых музыкальных инструментах? Во многом это зависит от выбора инструмента. Так, на флейте ребенка можно обучать с 9-летнего возраста, на гобое — с 10 лет, на кларнете с 10-11. Причем для начального периода обучения следует приобретать кларнет в строе ми-бемоль (или es) — самый маленький по размерам. С 11-12 лет начинают учиться играть на трубе, с 12-13 лет — на валторне, с 14 — на фаготе, тромбоне и тубе. Разумеется, к каждому ребенку должен быть индивидуальный подход с учетом его физического развития, выносливости, состояния здоровья.

Наибольшее напряжение во время игры на духовых инструментах испытывают легкие. Ведь глубокий вдох перед вдуванием воздуха в инструмент вызывает сильное растяжение легочной ткани (эластичных волокон легочных пузырьков альвеол). После перенесенного рахита 2 и 3 степени, после неоднократных заболеваний воспалением легких эластичность легочной ткани обычно понижается. В таких случаях игра на духовых инструментах может вызвать необратимые изменения легочной ткани — разрыв стенок альвеол, эмфизему легких.

При извлечении музыкального звука сильно напрягается брюшной пресс, повышается внутрибрюшное давление. Поэтому детям и подросткам, у которых врачи обнаруживают грыжи (белой линии живота, паховую, пахово-мошоночную), расхождение мышц передней брюшной стенки, играть на духовых инструментах не разрешается. Категорически запрещается это при каких-либо хронических заболеваниях органов дыхания, сердечнососудистой системы, пищеварительного тракта.

Департамент образования г. Москвы

Северо-Восточное Окружное Управление Образования

ГБОУ Многопрофильная школа 1220

Корпус дополнительного образования (ДО №9)

Направление художественное

Комплексная образовательная программа объединения

«Детский духовой оркестр им.Г.М.Чертока»

Возраст детей 7 - 18 лет

Срок реализации - 12 лет

Педагоги дополнительного образования:

Дошлов Михаил Рудольфович - музыкальный

руководитель (дирижер)

Класс трубы, ударные инструменты

Класс деревянных духовых инструментов:

Ильченко Сергей Николаевич - класс кларнета, флейты

Класс медных духовых инструментов:

Кулик Александр Олегович - класс тромбона, валторы

Лисунов Владимир Владимирович - класс тубы, тенора, баритона

Москва 2016

Комплексная образовательная программа объединения

«Детский духовой оркестр им.Г.М.Чертока»

Возраст детей 7 - 18 лет

Срок реализации - 12 лет

Пояснительная записка

Музыка в исполнении духового оркестра является одним из самых массовых, любимых жанров музыкального искусства. Самодеятельные и профессиональные оркестры с давних времен сопровождают быт россиян. Придворные, военные и гражданские духовые оркестры являлись непременными участниками массовых государственных и общественных мероприятий. Духовой оркестр и в наши дни остается атрибутом воинской славы, своеобразной страницей в военной истории, а наши военные марши остаются самыми красивыми проявлениями патриотических чувств россиян, русского народа: красивыми в плане богатства мелодизма и аранжировок, красивыми в плане искренности и необыкновенной гордости чувств, заложенных в архитектонику общего звучания, красивыми по стилю исполнения.

Духовой оркестр им. Г.М. Чертока ЦРТДиЮ «Останкино» - стабильный коллектив, широко известный и популярный не только в районе Останкино и городе Москве, но и в других регионах России и ближнего зарубежья. Оркестр гордится своими воспитанниками - профессиональными музыкантами:

Валерий Березин - Доктор искусствоведения,Профессор Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского.
Вадим Шарапов - солист Московской государственной академической филармонии,ансамбля имени Игоря Моисеева.
Михаил Титов - заслуженный работник культуры РФ,преподаватель военно-дирижёрского факультета Военного университета МО РФ.
Сергей Мазаев - музыкант,актёр, руководитель и солист группы "Моральный кодекс".
Владимир Карпов - артист оркестра под управлением Г.Рождественского.
Владислав Мартынов - артист оркестра Большого театра.

Наши воспитанники успешно служат в военных оркестрах и профессиональных музыкальных коллективах города Москвы.

Хотя в задачу объединения не входит подготовка детей для поступления в музыкальные учебные заведения, очень многие ребята поступают учиться и связывают свою дальнейшую жизнь с музыкой.

С 1988 г. коллектив носит почетное звание «образцовый детский коллектив». Он является лауреатом различных конкурсов и фестивалей.

В коллективе работают квалифицированные педагоги по инструментам: деревянные духовые, медные духовые, ударные и по сольфеджио. Выбор инструмента осуществляется исходя из желания ребёнка играть на каком-либо инструменте и, обязательно, из его физиологических возможностей.

Образовательная программа адаптирована для её восприятия детьми младшего, среднего и старшего возраста, рассчитана на двенадцать лет обучения. Весь курс условно поделён на три ступени. Каждый год обучения представляет собой определённую ступень развития познавательных и интеллектуально-творческих способностей обучающихся. В тоже самое время, каждая ступень является самостоятельной, логически завершённой стадии обучения, воспитания и развития детей. Полученные на первом году обучения знания, умения и навыки закрепляются на втором,третьем и в дальнейшем совершенствуются в последующих годах.

Конкурсного отбора при приеме детей нет, существует обязательное собеседование с каждым кандидатом в оркестр, где педагоги определяют его стартовые возможности (слух, чувство ритма, дыхание и т. д.) Главным критерием приема в коллектив является желание ребенка овладеть игрой на духовом инструменте.

Актуальность программы

Мы живём в век информационных, компьютерных технологий, когда естественное исполнение музыки заменяется электроникой. Ребёнок становится изолированным от «живого» звучания музыки. Если раньше мы могли слышать духовые оркестры в парках, на праздниках и демонстрациях, то сейчас духовой оркестр скорее редкость. Занятия по программе «Духовой оркестр» даёт ребёнку возможность попробовать свои силы на любом духовом инструменте, познакомиться с произведениями мировой классики, почувствовать себя настоящим артистом.

Другая проблема современного общества - разобщенность людей. Многие дети не умеют общаться, заводить друзей. Придя в оркестр, ребёнок попадает в дружелюбно настроенный коллектив педагогов и воспитанников. В оркестре старшие воспитанники всегда помогут по товарищески начинающему музыканту в овладении инструментом. Совместные выступления, поездки на фестивали, регулярные занятия в оркестре сплачивают ребят на долгие годы.

Цель программы:

Привлечение детей к музыкальному искусству через практическое музицирование в самодеятельном оркестре.

Задачи:

Образовательные:

1. Способствовать формированию и развитию специальных умений и навыков (постановка амбушюра, звукоизвлечение, интонирование, чувство ритма).
2. Способствовать запоминанию музыкальной терминологии.
3. Развитие познавательного интереса к занятиям на музыкальном инструменте.
4. Отработать исполнительское мастерство каждого члена духового оркестра, исполнять музыкальные произведения на хорошем самодеятельном уровне. Подготовка участников коллектива к совместной коллективной деятельности.
5. Приобщить детей к лучшим образцам мировой музыкальной культуры.

Развивающие:

1. Способствовать развитию речи учащихся.
2. Учить анализировать, сравнивать, обобщать, доказывать.
3. Способствовать формированию и развитию познавательного интереса учащегося к музыке.
4. Способствовать овладению учащихся всеми видами памяти.
5. Способствовать формированию и развитию самостоятельности

Воспитательные:

1. Способствовать формированию и развитию нравственных, трудовых, эстетических, патриотических качеств личности.
2. Воспитать навыки взаимодействия в коллективе.

Особенности программы

1. Программа состоит из трёх ступеней:

Первая ступень: Ознакомительная.

Вторая ступень: Базовый уровень.

Третья ступень: Углублённая.

1. Обучающийся имеет возможность перейти с «подготовительного инструмента» на более сложный «родственный» инструмент. Например: блок-флейта - кларнет - саксофон, альт - тенор - баритон - тромбон, альт - труба, тенор - туба, альт - валторна.
2. Учебно-тематический план составлен по ступеням. Педагог самостоятельно определяет темы для конкретного года обучения.
3. Переход обучающегося с одной ступени на другую определяется на педагогическом совете объединения.
4. Педагоги применяют единые способы и принципы работы на всех духовых инструментах.
5. Дети, имеющие навыки игры на музыкальных инструментах могут включиться в образовательный процесс любой ступени обучения.
6. Одним из принципов развития коллектива является ротация (обновление коллектива новыми обучающимися).
7. В оркестровую группу объединения привлекаются дети разных возрастов и годов обучения, показавшие, хорошие результаты в обучении.
8. Допускается такая форма занятий, как группа со смешанным составом участников. На них более опытные воспитанники занимаются совместно с начинающими. Оркестровые (ансамблевые) партии для таких занятий подбираются с различными уровнями сложности. Это позволяет изменять состав группы.

Особенности возрастных групп

Исполнительство на духовых инструментах - это сложная психофизиологическая деятельность, требующая специальной музыкальной одаренности и, кроме того, предполагающая наличие крепкого здоровья и определенного телосложения. Практика показывает, что занятия на инструментах духового оркестра можно начинать в возрасте 10-12 лет, ибо, чем моложе ученик, тем более он восприимчив к обучению. Именно в этом возрасте становиться очевидной перспектива физического формирования человека. Однако начать обучение игре на духовом инструменте можно и раньше.

Детям 7 - 8 лет мы предлагаем освоить самый простой инструмент - блок-флейту. Этот инструмент не требует больших физических затрат, ученик получает основные навыки игры на духовых инструментах, знакомится с музыкальной грамотой. В этом возрасте происходит переход от игровой формы обучения к учебному процессу. На первый план выдвигается результат учебной деятельности - оценка. Поэтому мы стараемся всячески поощрить первые успехи ребёнка (похвала). К тому же надо учесть, что ребёнок уже ходит в школу, и что бы занятия сильно не утомляли, мы учим его играть мелодии, которые ему знакомы. Детям нравятся мелодии из мультфильмов, популярная, народная музыка.

В возрасте 9 - 11 лет ребёнку предлагается освоить новый инструмент - кларнет, корнет, альт, тенор. Это инструменты, входящие в состав духового оркестра. Занятия становятся более продолжительными по времени. Ребята увлекаются новым материалом - несложные пьесы и оркестровые партии.

Возраст 12-14 лет. Становятся очевидны физиологические возможности ребёнка. В этом возрасте происходит переход на более сложные инструменты - труба, валторна, тромбон, туба, саксофон. В психологическом развитии - это сложный период в обучении. У подростков наступает переходный возраст, или возраст бунта, как его называют психологи. Идёт активный поиск своих ценностей, критичное отношение к взрослым. В этот период у детей может возникнуть желание бросить обучение, возникнуть новые интересы. Здесь пример педагога, увлечённого своей профессией - музыканта, а так же обладающего твёрдым характером и опытом может оказать сильное влияние на учеников. Важен так же психологический климат в коллективе, как правило, ребята находят себе друзей с общими интересами, среди которых любовь к музыке и они продолжают свои занятия на инструменте.

Возраст 15-18 лет. Подросток встаёт перед выбором своего дальнейшего жизненного пути.

Некоторые ребята, выбравшие музыку своей профессией, поступают в музыкальный колледж, а некоторые учатся по другим специальностям, при этом они продолжают посещать занятия, в основном, общие репетиции оркестра. Как правило, они серьёзнее относятся к занятиям, помогают новичкам, являются для них примером.

Сводная репетиция оркестра проходит в воскресенье, так как в этот день дети могут совместить отдых с любимым занятием, пообщаться со сверстниками.

Методическое обоснование

Квалифицированное руководство со стороны педагогов придает процессу обучения системный, научно обоснованный характер и способствует развитию творческой активности, художественных способностей детей.

Среди методов, направленных на стимулирование музыкально-творческой деятельности, можно выделить методы, связанные непосредственно с содержанием этой деятельности. К ним можно отнести подбор увлекательных и посильных ребенку творческих заданий, а так же разнообразие форм урочной деятельности, внимательное и бережное отношение к детскому творчеству, индивидуальный подход.

В значительной степени интерес к музыкальному творчеству формируется под влиянием различных музыкальных, художественных и жизненных впечатлений. В практике педагогов оркестра - оказание содействия в ознакомлении подростков с хорошей музыкой, прослушивание аудиозаписей, посещение концертов, спектаклей, художественных выставок, способствующих расширению кругозора.

Очень важно создать на занятиях доброжелательный психологический климат. Приветствуется взаимопомощь и поддержка старших воспитанников. В практике работы всячески поощрять концертные выступления детей, их участие в различных формах коллективной музыкальной самодеятельности, музицирование для себя.

Обучение игре на разных духовых инструментах строится педагогами на соблюдении принципов посильности, прочности овладения музыкальными навыками и осознанности действий. Выработанные всеми участниками педагогического процесса совместные технологии и межпредметные связи помогают успешно решать задачи обучения. Педагогический процесс организуется таким образом, что он совмещает получение теоретических музыкальных знаний и практических навыков и подготовки к игре в оркестре.

Начальное музыкальное обучение облегчено (первый год обучения) и усложняется по мере накопления знаний и роста мастерства исполнения, и к третьему году обучения ребята осваивают инструмент и овладевают навыками игры в оркестре. За всем этим стоит кропотливый труд педагогов по формированию музыканта. Это большая индивидуальная работа и строгий контроль над выполнением заданий педагогов.

При изучении оркестровых партий подбираются этюды и упражнения. Очень важно, чтобы они были яркими, сочными, соответствующими исполнению на данном музыкальном инструменте. Чаще всего на первой ступени обучения, когда ребенку трудно по физическим данным освоить выбранный им духовой инструмент, педагог предлагает ребенку освоить вначале более податливый медный духовой инструмент - альт, или у деревянных духовых — это блок флейта. На альте уже через 4 месяца ребенок может играть в оркестре, исполнять несложные партии в маршах. Параллельно он осваивает технику игры на выбранном инструменте.

Для развития музыкальных задатков детей, их гармонического слуха на занятиях по специальности присутствует фортепиано. В группах собираются дети с разным уровнем способностей, восприятия и подготовки (особенно это проявляется в первый год обучения), поэтому одно и то же упражнение выполняется разными детьми за разные промежутки времени, что влияет на перевод ребенка в оркестр.

Индивидуальные занятия направлены на развитие детей, на подготовку более слабых, подтягивание отстающих, гармонизацию группы в целом.

Описание основных способов и форм работы.

Курс обучения - 12 лет.

Первая ступень обучения.

Срок обучения - 3 года.

1-й год обучения - занятия проходят индивидуально 2 раза в неделю по 30-45 минут.

2, 3 год обучения - занятия проходят индивидуально 2 раза в неделю по 30-45 минут.

Со второго года обучение объединяем обучающихся в ансамбль блок флейт. Занятия проходят в группе по 3, 4 человека 1 раз в неделю по 45 мин.

С 3-го года обучения учащиеся, показавшие хорошие результаты в обучении, а так же дети, обучавшиеся ранее игре на духовых инструментах, могут объединяться в группу и привлекаться на сводную оркестровую репетицию.

Занятия проходят 2 раза в неделю по 2 часа.

Вторая ступень обучения.

Срок обучения - 5 лет.

Третья ступень обучения.

Срок обучения - 4 года.

Занятия проходят индивидуально 2 раза в неделю по 30-45 минут, а так же в ансамблевых группах 2 раза в неделю по 2 часа.

На занятиях практикуются различные формы обучения:

• индивидуальные занятия
• занятия по группам инструментов
• группа со смешанным составом участников
• занятия с аккомпаниатором
• ансамбли
• оркестровая репетиция
• работа с фонотекой
• анализ аудио и видеозаписей

Занятия строятся по определённому плану:

Занятия по группам инструментов:

1. Приветствие, составление плана занятия.
2. Проигрывание выдержанных звуков, разминок.
3. Небольшой перерыв в игре, беседа по теории музыки.
4. Гаммы и арпеджио в разных штрихах.
5. Небольшой перерыв в игре, беседа о художественном материале, композиторах, жанрах музыки, стилях, музыкальной форме.
6. Работа над художественным материалом (разбор и проигрывание пьес, концертов, ансамблей).

Оркестровая репетиция:

1. Приветствие, составление плана занятий.
2. Настройка оркестра.
3. Проигрывание коллективных упражнений.
4. Разучивание или усовершенствование музыкальных произведений.
5. Чтение нот с листа.
6. Подведение итогов репетиции.

Описание основных методов работы.

• Словесный (разговор, беседа, объяснение).
• Наглядный (педагог исполняет фрагменты произведений, оркестровые партии, играет в оркестре вместе с учениками).
• Практические (упражнения на инструменте).
• Аналитические (наблюдение, сравнение, самоконтроль, самоанализ).

Формы контроля

• Мониторинг. Занимаясь с ребёнком, педагог определяет для себя его стартовый уровень и составляет определенный план занятий на месяц, полугодие. Основные критерии наблюдения: внимание, музыкальная память, музыкальный слух, чувство ритма, самостоятельность, дисциплина.

• Выполнение самостоятельных заданий. Иногда педагог даёт ученику самостоятельно разобрать этюд или пьесу. Это стимулирует учащегося к занятиям, развивает дисциплину.

• Самоконтроль. После каждой оркестровой репетиции идет обмен впечатлениями. Сами ребята разбирают свои ошибки. Это делает образование гибким, отзывающимся на любые начинания, интересным и продуктивным.

• Просмотр, анализ, сравнение видеоматериалов разных концертных выступлений.

• Открытые занятия, выступления, концерты. Оценка зрителей, коллег исполнительского мастерства каждого музыканта и всего оркестра бывает самая объективная, поэтому руководитель духового оркестра настраивает коллектив на очень интенсивную концертную деятельность. Родители могут увидеть, каких результатов добился ребёнок

Прогнозируемый результат

I ступень обучения - Ознакомительная

• Простые понятия музыкальной грамоты

• Основные музыкальные штрихи (стаккато, легато)
• Обозначения динамики в музыке
• Основную музыкальную терминологию (обозначения темпов).
• Понятие «Родственный инструмент».
• Как осуществлять профилактику и уход за инструментом.

• Правильно держать инструмент
• Правильно брать дыхание
• Исполнить гаммы в одну октаву до одного знака.
• Исполнять простые этюды и пьесы с аккомпанементом.
• Выступать на сцене.

II ступень обучения - Базовый уровень.

По окончании обучения учащиеся должны знать:

• Основы музыкальной грамоты
• Основы сольфеджио
• Более сложные штрихи (деташе, маркато), артикуляция.
• Понятие о диапазоне инструмента.
• Строение голосов в группе духового оркестра.
• О мелодии и фразировке.
• О музыкальной фактуре и тембровой организации.
• О темпе и агогике в музыке.
• О культуре звука.
• О мелизмах и форшлагах и трелях.
• О творчестве русских и зарубежных композиторов-классиков.

• Исполнять гаммы и арпеджио до 3 знаков.

• Исполнять этюды и пьесы с аккомпаниатором в более широком диапазоне.
• Исполнять несложные партии на родственном инструменте.
• Читать с листа нотный текст.

• Исполнять простые оркестровые партии в составе оркестра.
• Исполнять разные голоса в составе оркестровой группы.
• Филировать звук.
• Написать несложный 8-ми тактовый диктант.

III ступень обучения - Углублённая

По окончании обучения учащиеся должны знать:

• Теорию музыки (углублённый уровень).
• О мелодии и фразировке (углублённый уровень).
• О музыкальной фактуре и тембровой организации (углублённый уровень).
• О творчестве русских и зарубежных композиторов-классиков (углублённый уровень).

• Комбинированные штрихи.
• Особенности игры в движении.

• Исполнять гаммы и арпеджио до 7 знаков.
• Исполнять этюды и пьесы с аккомпаниатором повышенной сложности.
• Бегло читать ноты с листа.
• Исполнять свою партию в оркестровом коллективе в соответствии с замыслом композитора и требованиями дирижёра.
• Играть в движении.

Условия реализации программы

Для реализации программы необходимы следующие кадровое и методическое обеспечение.

Педагоги по группам инструментов:

• блок-флейта, кларнет, саксофон
• труба, корнет, альт
• тромбон, тенор, баритон, валторна
• ударные инструменты
• концертмейстер (фортепьяно)

Методическое обеспечение: хрестоматии, сборники этюдов, пьес, школы для духовых и ударных инструментов.

Условия реализации программы

1. Звукоизолированное помещение 50-100 кв.м., чистый сухой воздух.
2. Наличие необходимого комплекта инструментов и соответствующего инвентаря

(пульты и т. д.)

1. Шкафы для хранения нот
2. Фортепьяно
3. Компьютер
4. Форма для оркестрантов
5. Видео- и аудиоаппаратура
6. Фоно- и видеотека

Основные произведения оркестра

Название произведения				Название произведения
Московская парадная фанфара		А. Головин		Гренадер		Старинный марш
Государственный гимн РФ		А. Александров		Три танкиста		Д. Покрасс
Встречный марш				Пионерский Марш		М. Фрадкин
Преображенского полка		Старинный марш		Марш из к/ф Бриллиантовая рука		А. Зацепин
		М. Глинка		Подмосковные вечера		В.Соловьёв-Седой
Привет музыкантам		Старинный марш		Вальс из к/ф А зори здесь тихие		К. Молчанов
		Старинный марш		Вальс из к/ф На семи ветрах		К. Молчанов
Парадный		Старинный марш		Вальс Воспоминание
		Старинный марш		Вальс Севастопольский		К. Листов
Егерьский		Старинный марш				Е. Дрейзин
Марш «Южный»		Ю. Губарев		Вальс Майский		И. Лученок
Марш «Варяг»		А. Турищев		Вальс В лесу прифронтовом		М. Блантер
Прощание Славянки. Марш		В. Агапкин		Вальс В городском саду		М. Блантер
Гусарский Марш		А. Петров		Вальс На сопках Манчжурии		И. Шатров
Марш из к/ф «Жестокий романс»		А. Петров		Вальс Расставание		Я. Френкель
Название произведения					Название произведения
Марш из к/ф «Весёлые ребята»		И. Дунаевский		Вальс Школьный		И. Дунаевский
Моя Москва		И. Дунаевский		Вальс к/ф Московская сага		А. Журбин
Защитников Москвы. Марш		Б. Мокроусов				М. Блантер
Москва майская		Д. Покрасс		Синий платочек		Е. Петерсбурский
Москва - Марш		О. Газманов		Тёмная ночь		Н.Богословский
Балтийский берег		О. Газманов				А. Новиков
День Победы		Д. Тухманов		В землянке		К. Листов
Священная война		А. Александров		Московские окна		Т. Хренников
Марш из к/ф «Белорусский вокзал»		Б. Окуджава		Утомлённое солнце		Е. Петерсбурский
Пора в путь - дорогу		В.Соловьёв-Седой		Бременские музыканты		Г. Гладков
Герои спорта		А. Пахмутова		Чебурашка		В. Шаинский
Марш Нахимовцев		В.Соловьёв-Седой		Улыбка из м/ф Крошка енот		В. Шаинский
Марш Привет Сибири						Ю. Чичков
Марш Космонавтов		О. Фельцман		Кабы не было зимы		Е. Крылатов
Я — земля (марш космонавтов)		В. Мурадели		Пять минут
				Рождественские колокольчики		Народная песня
Марш «Первый шаг»		А. Коваль		Весёлая кадриль		В. Темнов
Бородино		Старинная песня		Песенка шофёра		К. Санторо
Служить России						О. Фельцман
Мы — армия народа		Г. Мовсесян		Попурри «Весёлый танец»		Обр. М. Дошлов
Песня о советской армии		А. Александров		Я встретил Вас		Стар русск романс
Марш «Тоска по Родине»		Н. Трофимов		Я люблю тебя, жизнь		Э. Колмановский
Турецкое рондо	В. Моцарт				Неаполитанская песня	П. Чайковский
Хор и марш из оперы Аида	Дж. Верди				Штраусиана (Попурри вальсов)	И. Штраус
Военный марш к повести Метель	П. Чайковский				Персидский марш	И. Штраус
Марш «Бой под Ляояном»	В. Ефанов				Старинный марш	С. Чернецкий
Карнавал в Венеции	А. Рангер				Старинная полька «Дедушка»	Д. Фурлано
Марш « Воздушный флот»					Вступление ко 2 акту из балета Лебединое озеро	П. Чайковский
Фантазия на тему рус нар песен	Инстр.А.Халилов				Интермеццо к драме Арлезианка
Фанфара «Спасская башня»	В.Халилов				Лошадка - жизнь
Увертюра из телефильма «Шерлок Холмс и доктор Ватсон»	В.Дашкевич				Марш «Жизнь за Победу»
					«Танец бюрократа» сюита из балета «Болт»	Д.Шостакович
Вальс «Школьные годы»	Д. Кабалевский				«Прощальный вальс» из к/ф «Розыгрыш»	А. Флярковский
	Старинный русский марш				Воспоминание о полковом оркестре	Ю. Гуляев

Введение

Методика обучения игре на духовых инструментах является составной частью музыкально педагогической науки рассматривающей общие закономерности процесса обучения на различных духовых инструментах. Российская педагогическая наука в области исполнительства на духовых инструментах насчитывает не более 80 - ти лет. Она достигла новых рубежей восприняв и развив дальше все лучшее что было свойственно русской школе игры на духовых инструментах. Ее успехи известны не только у нас в стране но и за рубежом.

Композитор Гедике писал: техника игры на духовых инструментах ушла вперед на столько что если бы лучшие исполнители особенно на медных жившие 50-70 лет назад услышали наших духовиков то не поверили бы своим ушам и сказали бы что это невозможно.

Следует признать что теория методики обучения на духовых инструментах как часть педагогической науки среди других методик является самой молодой. Каждое поколение духовиков вносит свой вклад в методику. Методика обучения на каком либо инструменте является частью педагогики.

Слово методика греческого происхождения в переводе на русский язык - путь к чему либо . Методика есть совокупность способов то есть приемов выполнения какой либо работы (исследовательской, воспитательной) . В узком смысле слова методика это способ преподавания того или иного предмета на основе анализа и обобщения лучших педагогов, музыкантов и исполнителей.

Методика изучает закономерности и приемы индивидуального обучения. Методика способствует воспитанию общей музыкальной культуры, расширяет кругозор исполнителей. Методика ближе со прикасает со специальностью. Выдающимся исполнителем и педагогом положившим начало развитию Советской методики был Розанов. Его работа Основы преподавания на духовых инструментах Москва 1935 год был первым трудом поставленным на научную основу.

В своем труде он сформулировал принципы которые стали основными в методической школе на духовых инструментах:

1. Развитие технических навыков у учащихся должно проходить тесно с художественным развитием.
2. В процессе работы учащегося над музыкальным произведением необходимо добиваться сознательного его усвоения и тогда будет прочнее.
3. В основу правильной постановки должно быть положено знание анотомии и физиологии органов участвующих во время игры.

Основные вопросы методики сформулированные Розановым получили развитие у профессоров Платонова, Усова, Пушечникова, Докшицера, Г. Уорвит.

Наличие солидной теоретической базы позволяет поднять преподавание игры на различных музыкальных инструментах на новую качественную ступень.

Психофизиологические основы исполнительского процесса на духовых инструментах.

Музыкальное исполнение - это активный творческий процесс в основе которого лежит сложная психофизиологическая деятельность музыканта.

Эту формулировку вы должны знать как отче наш. Прямо подчеркните эту формулировку. Играющий на любом инструменте должен координировать действия целого ряда компонентов:

• зрения,
• слуха,
• памяти,
• двигательного чувства,
• музыкально эстетических представлений,
• волевых усилий.

Это то тоже очень важный момент. Именно это разнообразие психофизиологических действий выполняемых музыкантом в процессе игры и определяет сложность музыкально-исполнительской техники.

Дальнейший путь научного обоснования музыкально-исполнительского процесса был связан с изучением физиологии высших отделов центральной нервной системы. Учение великого русского физиолога академика И.П.Павлова о высшей нервной деятельности, о неразрывной связи всех жизненных процессов, учении о коре головного мозга - как материальной основе психической деятельности помогло передовым музыкантам изменить подход к обоснованию исполнительской техники.

Педагоги и исполнители стали глубже интересоваться работой мозга в процессе игры. Стали обращать больше внимания на сознательное усвоение цели и задач. Основные принципы работы коры головного мозга - это координированная деятельность человека осуществляется посредством сложных и тонких нервных процессов непрерывно протекающих в корковых центрах мозга . В основе этих процессов лежит образование условного рефлекса.

Высшая нервная деятельность складывается из двух важнейших и физиологически равноценных процессов:

1. возбуждение которое лежит в основе образования условных рефлексов;
2. внутреннего торможения, обеспечивающего анализ явлений;

Оба этих процесса находятся в постоянном и сложном взаимодействии. Взаимно влияя друг на друга и в конечном итоге регулируют всю жизнедеятельность человека.

Процесс игры на музыкальном инструменте как один из видов трудовой деятельности человека.

Не забывайте что вы трудитесь - это ваш труд.

Учеба в музыкальном колледже - это как труд. Это целый ряд сложных координированных функций: (зрительных, слуховых, двигательных, волевых), осуществляемых на основе условных рефлексов второй сигнальной системы мозга.

Попробуем представить себе как это происходит практически в процессе игры на инструменте.

При взгляде на нотные знаки у исполнителя прежде всего возникает раздражение в зрительной области коры (мозга имеется ввиду). В следствии чего происходит мгновенное преобразование первичных сигналов в зрительное представление о нотном тексте. Посредством мышления музыкант определяет положение нот на нотоносце, продолжительность звуков их громкость и т.д. Зрительное восприятие звука у играющего обычно связывается со слуховыми представлениями. Возбуждение зрительных центров растекаясь захватывает слуховую область коры что и помогает музыканту не только увидеть звук но и услышать то есть ощутить его высоту, громкость, тембр и тому подобное. Возникшие внутри слуховые представления в тот час же вызывают у музыканта соответствующие исполнительские движения, необходимые для воспроизведения данных звуков на инструменте. Двигательные импульсы передаются исполнительскому аппарату: губы, язык, дыхание, движение пальцев, слух. И вследствие внутреннего торможения вызывают необходимые движения: губ, языка, пальцев.

Так осуществляется двигательная установка в результате которой рождается звук.

Звуковые колебания в свою очередь вызывают раздражение слухового нерва, которое благодаря возможности установления обратных физиологических связей передается в слуховую очередь коры и обеспечивает соответствующее восприятие исполняемых звуков т.е. слуховой анализ. Таким образом процесс звукообразования на духовых инструментах можно представить себе в виде нескольких взаимосвязанных звеньев единой цепи.

Нотный знак - представление о звуке - мышечно-двигательная установка - исполнительское движение - реальное звучание - слуховой анализ. В ходе этой сложной условно рефлекторной взаимосвязи центральное место принадлежит слуховым ощущениям и представлениям играющего.

Таковы психофизиологические основы звукоизвлечения применяемые к игре на любом музыкальном инструменте однако исполнение на духовых инструментах обладает еще целым рядом специфических особенностей.

Акустические основы звукообразования на духовых инструментах

В отличие от клавишных, смычковых и ударных инструментов, где в роли вибратора выступают твердые тела (у струнных - струны, особые пластины, кожа у ударных) все духовые инструменты принадлежат к инструментам с газообразным звучащим телом.

Причиной возникновения звука здесь служит колебания воздушного столба воздуха вызываемое особыми действиями возбудителей. Специфика звукообразования на духовых инструментах зависит от устройства инструментов. Современная музыкальная акустика все духовые инструменты разделяет на три группы:

• первая группа лабеальные от латинского слова laba (губа ) также называются они свистящими (относятся все виды свирелей, флейт, некоторые органные трубы),
• вторая группа язычковые, тростевые или лингвальные от латинского слова лингия (язык ) (все виды кларнетов, все виды гобоев, фаготов, все виды саксофонов и баситгорнов),
• третья группа с воронкообразным мундштуком обычно они называются медными (все виды корнетов, труб, валторны, тромбоны, тубы, горны, фанфары).

Как же образуется звук?

На флейте являющейся инструментом с газообразным возбудителем звук образуется в результате трения выдыхаемой струи воздуха об острый край отверстия ладиум находящуюся в головке у флейты. При этом периодически изменяется скорость движения воздушной струи что и обуславливает возникновение звуковых колебаний в канале флейты. Все язычковые принадлежащие к инструментам с твердым возбудителем образуют звуки при помощи колебаний особых тростниковых пластин (тростей). Колебательный процесс на этих инструментах регулируется действиями двух взаимодействующих сил: поступательным движением выдыхаемой струи воздуха и силой упругости трости.

Выдыхаемая струя воздуха отгибает утонченную часть трости к наружи, а сила ее упругости заставляет тростниковую пластинку возвратится в первоначальное положение. Этими движениями язычка (трости) обеспечивается прерывистое толчкообразное вхождение воздуха в канал инструмента где возникает ответное колебание воздушного столба поэтому рождается звук.

Еще большим своеобразием отличается возникновение звука на духовых инструментах с воронкообразным мундштуком. Здесь в роли твердого колеблещуюсего возбудителя звука выступают центральные участки губ охваченные мундштуком .

Как только выдыхаемая струя воздуха попадает в узкую губную щель она в тот час приводит в колебания губы. Эти колебания изменяя величину отверстия губной щели создают периодическое толчкообразное движение воздуха в мундштук инструмента. Результатом этого является поочередное сгущение или разряжение воздуха в канале инструмента обеспечивающее появление звука.

Рассмотрев акустические основы звукообразования мы находим одно общее явление: во всех случаях причиной образования звука является периодическое колебание воздушного столба заключенного в инструменте вызываемое специфическими движениями различных устройств и возбудителей звука.

При этом колебательные движения воздушной струи, тростниковых пластинок или губ возможно лишь при условии согласованных действий различных компонентов исполнительского аппарата.

Развитие музыкальных способностей в процессе воспитания музыканта профессионала

Несмотря на примерно равные умственные способности и физическое развитие учащихся мы имеем различные результаты их обучения. Анализ этих явлений свидетельствует о том что в подготовке исполнителя интуитивное начало то есть наличие природных способностей приобретает решающее значение. В.М. Теплов в своем труде "Психология музыкальных способностей" музыкальная литература 1947 год доказывает возможность развития всех музыкальных способностей на основе врожденных задатков. Не может быть способностей которые не развивались бы в процессе воспитания и обучения.

Что мы имеем в виду когда говорим о музыкальных способностях или музыкальных задатков?

Прежде всего мы подразумеваем музыкальность. Это удачное определение сделал Алексеев в своей методике обучение игре на фортепиано. "Музыкальным следует назвать человека чувствующего красоту и выразительность музыки способного воспринимать в звуках произведения определенное художественное содержание а если он исполнитель то и воспроизводить это содержание" . Музыкальность развивается в процессе правильной хорошо продуманной работы в течении которой педагог ярко и всесторонне раскрывает содержание изучаемых произведений иллюстрируя свои объяснения показом на инструменте или записью.

В комплекс понятия музыкальности входит ряд необходимых компонентов а именно:

1. музыкальный слух,
2. музыкальная память,
3. музыкально ритмическое чувство.

Музыкальный слух

Музыкальный слух - это сложное явление включающее в себя такие понятия, как:

• звуковысотный (интонационный),
• мелодический (ладовый),
• гармонический,
• внутренний слух.

Каждая из названных сторон музыкального слуха имеет в обучении и в исполнительской практике большое значение. Исполнителю совершенно необходимо наличие хорошо развитого относительного слуха, дающего возможность различать соотношение звуков по высоте взятых одновременно или последовательно.

Это качество чрезвычайно важное для оркестрового музыканта. В оркестре цениться исполнитель который хорошо слушает свою группу, активно в ней участвует не нарушая ансамбля. Способность слышать воображаемые звуки, записывать их на бумаге и оперировать ими называется внутренним слухом. Музыкальный слух развивается в процессе деятельности музыканта. Нужно добиваться чтобы вся работа с инструментом протекала при неустанном контроле слуха.

Недостаток учащихся в том , что они не контролируют свою игру на инструменте слухом. Это основной недостаток самостоятельной работы учащихся. Педагогу по специальности необходимо постоянно проявлять заботу о развитии всех компонентов музыкального слуха и прежде всего внутреннего мелодического слуха.

Развитие внутреннего слуха

По мимо уроков сольфеджио и выполнение домашних заданий по этому предмету педагог по специальности требует исполнение по памяти знакомых ранее или вновь услышанных музыкальных отрывков (подбирание по слуху ), транспонирование знакомых мелодий в другие тональности, импровизация, а так же сочинение музыки если есть достаточно данных для этого.

Полезно приучать учащихся анализировать свое или другое исполнение, критически их оценивая. Поэтому и надо ходить на концерты не только своей специальности: хор, камерный оркестр, духовой, эстрадный, ансамбли, солисты, скрипачи.

Для развития мелодического слуха необходимо систематически работать над кантиленой (медленной пьесой). Кантилена (медленная пьеса) так же развивает выдержку потому что идет большая нагрузка на губы, большое дыхание берешь. Совершенствую гармонический слух полезно анализировать фактуру изучаемого музыкального произведения, больше играть в ансамбле, в оркестре. Фактура латинское слово в переносном значении устройство, строение музыкальной ткани.

Хорошо развитый музыкальный слух - это важнейшее условие для развития музыкальной памяти.

Музыкальная память - это понятие синтетическое включающее в себя слуховую, зрительную, двигательную, логическую. Музыкальная память также поддается развитию. Важно для музыканта что б были развиты по крайней мере три вида памяти :

• первая слуховая служащая основой для успешной работы в любой области музыкального искусства,
• второе логическая связанная с пониманием содержания произведения и закономерностями развития музыкальной мысли,
• третий вид двигательная крайне важная для исполнителей инструменталистов.

У многих важную роль в процессе запоминания играет зрительная память. Работая над развитием памяти учащегося следует помнить: очень важна система запоминания музыки, учащийся должен учитывать что музыка протекает во времени, во создание произведения как чего то целого возможно при условии удержания в памяти его частей. В результате частого исполнения запоминание может быть преднамеренным. Запоминание может быть и преднамеренным когда специально заучивают отдельные отрывки, а затем и все произведение целиком.

Здесь необходимо знание формы произведения, его гармонической структуры. При разучивании важно осознавать сходность, повторность отдельных частей музыкальной формы, причем внимание фиксируется на том, что различает эти части, и что их объединяет. В преднамеренном запоминании участвует: зрительная, двигательная, а так же более сложная внутренняя слуховая память. Проверка правильности выученного музыкального произведения: запись заученной музыки без использования инструмента (нотами), транспонирование мелодии в другую тональность и умение начать исполнение с любого места. Умение начать исполнения с любого места свидетельствует о глубоком и тщательном знании исполнителем музыки произведения.

Выразительные средства при исполнении на духовых инструментах

Обычно к выразительным средствам исполнителя на духовых инструментах относят такие понятия: звук, тембр, интонация, штрихи, вибрато, ритм, метр, темп, агогика, артикуляция, фразировка, динамика, нюансировка.

Агогика - это небольшое отклонение от темпа. Вокалисты и исполнители на духовых инструментах относят сюда так же: исполнительское дыхание. Пианисты относят: педаль, туше.

Туше - это определенный способ исполнения. Струнники относят: штрихи, вибрато, аппликатуру, технику пальцев.

Исполнители на духовых инструментах к этим средствам причисляют так же: технику губ, языка, двойное стаккато, фрулято, глиссандо. Хотя двойное стаккато - это технический прием. А фрулято и глиссандо относится уже к штрихам. Все это говорит, что к понятиям исполнительские средства или выразительные средства нет единого четкого и ясного подхода их определения.

Исполнительские средства и выразительные средства - это две стороны единого творческого процесса. К исполнительским средствам причисляем все, что связано с технологической стороной исполнительства. Технологическая сторона - это состояние инструмента, мундштука, трости; постановка корпуса, головы, рук, амбушюра; техника исполнительского дыхания, техника языка (твердая, мягкая, вспомогательная атака); артикуляция - это произношение гласных, согласных во время игры; техника пальцев (беглость, четкость, согласованность); знание аппликатуры (основной, вспомогательной, дополнительной).

К выразительным средствам относиться все, что является художественным результатом применения перечисленных исполнительских средств. Одним из важнейших исполнительских средств является звук. Выразительность звучания как средство исполнительского воплощения мелодии полнее определяет силу эмоционального воздействия музыки.

Играющий должен овладеть красивым звуком то есть делать звучание инструмента чистым, сочным и динамически разнообразным.

При этом характер звуку должен быть неразрывно связан с содержанием исполняемой музыки. Для выразительности звучания особое важное значение приобретает чистота интонации. Чем тоньше и лучше будет развит слух музыканта тем меньше погрешностей он будет допускать при интонировании в процессе игры. Важным исполнительским средством является техническое мастерство.

У играющего на духовом инструменте технические навыки складываются из различных элементов: хорошо развитого исполнительского дыхания, эластичности и подвижности губ, подвижности языка, быстроты и согласованности движения пальцев. Для каждого из духовых инструментов существуют свои особые понятия о наиболее сложных элементов исполнительской техники.

Для группы деревянных духовых инструментов весьма сложной является техника движения пальцев. То для группы медных - это владение техникой работы губ. Исключительное важное значение имеет музыкальная фразировка характеризующая умение играющего правильно определять строение музыкального произведения (мотивы, фразы, предложения, периоды), верно устанавливать и выполнять цезуры, выявлять и воплощать кульминации, правильно передавать жанровые стилистические особенности музыки. Музыкальная фразировка отражая живое дыхание музыкальной мысли является средством выражения художественного содержания произведения.

Важной составной частью музыкальной фразировки является динамика.

Умелое использование при игре динамических оттенков значительно оживляет музыкальное исполнение, лишает его монотонности и однообразия. При игре на духовых инструментах используется обычно два вида динамики: первое ступенчатая или терратная динамика включающая постепенное усиление или ослабление звука (ppp, pp, mp, mf, f, ff ), второй вид динамики называется контрастная динамика заключающаяся в резком противопоставлении силы звука (пиано - резкое форте). Важно отметить что динамические оттенки имеют не абсолютный, а относительный характер (у одних это форте, а у других меццо форте), поэтому музыканту предоставляется право дополнять или расширять эти оттенки.

Весьма существенным элементом музыкальной фразировки является агогика - это мало заметное изменение скорости движения (отклонение от темпа). Агогические оттенки умело применяемые выявляют творческую природу музыкального исполнительства. Наиболее сложным и трудным агогическим нюансом является искусство игры рубато (ритмически свободное исполнение).

Музыкальная фразировка тесно связанна с применением штрихов. Штрихи помогают усилить выразительность исполнения. Разнообразные исполнительские средства можно разделить на три основные группы:

• первая средства относящие к качеству звука (тембр, интонация, вибрация),
• вторая группа средства технического порядка (пальцевая беглость, техника дыхания, техника языка),
• третия группа средства обще музыкального выражения (музыкальная фразировка, динамика, агогика, штрихи, аппликатура).

Подобное разделение носит условный характер так как между исполнительскими средствами в музыки существует очень тесная органическая взаимосвязь. Тем нимение выразительный звук служить показателем определенного технического мастерства.

Музыкальная фразировка - это одновременное владение и звуком и техническими навыками. Характерной особенностью всех исполнительских средств музыканта является не только их тесная взаимосвязь, но и полное подчинение их художественным целям, художественным задачам.

Исполнительский аппарат и техника звукоизвлечения на духовых инструментах

Анализируя технологию звукоизвлечения на духовых инструментах можем установить что она слагается:

1. зрительно-слуховых представлений: сначала вы видите ноту, внутренне услышали эту ноту;
2. исполнительское дыхание: после того как вы поняли что это за нота и где она звучит примерно (в голове), вы берете дыхание. Вот это исполнительское дыхание.
3. особая работа мускулатуры губ и лица: нужно поставить губы так и мышцы что бы взять эту ноту
4. специфические движения языка: то есть каким языком твердым, мягким или двойным;
5. координированное движение пальцев: аппликатура какая и прочее...
6. непрерывный слуховой анализ: вот эти все моменты до последнего они все подчиняются слуховому анализу (непрерывному)

Указанные компоненты неразрывно связанны между собой сложной нервно - мышечной деятельностью и составляют исполнительский аппарат музыканта.

Будет такой вопрос: из каких компонентов состоит технология звукоизвлечения? Вот эти компоненты 6 штук вы должны будете назвать.

Важнейшее значение принадлежит губному аппарату. Вопрос будет: что такое губной аппарат? Эти все формулировки надо знать как отче наш.

Губной аппарат - это система мышц губных и лицевых, слизистая оболочка губ и рта, слюнные железы. Совокупность этих элементов называется губной аппарат. Губной аппарат иначе называют иногда амбушюр .

Понятие амбушюр применяется в связи со всеми духовыми инструментами, но трактуется по разному: одни считают что это обозначает устье или мундштук, другие что это относиться к губной щели.

Согласно изданию Москва 1966 год энциклопедическому музыкальному словарю слово амбушюр французское и имеет два понятия:

• первое способ складывания губ и языка при игре на духовых инструментах. Таким образом можно точно определить это положение, степень упругости губных и лицевых мышц исполнителя, их натренированность, выносливость, сила, гибкость и подвижность при игре называется амбушюром.
• И второе определение в этом словаре: это то же самое что мундштук.

Систематическая тренировка для исполнителя приобретает первостепенное значение. Развитие губного аппарата должно вестись в двух плоскостях. Первая плоскость: это развитие губных мышц то есть развитие силы, выносливости губных, лицевых мышц. После того как вы развили появляется красота звучания, свой своеобразный тембр, интонационное качество звука. Для это цели нужно проигрывать на полное дыхание целые ноты в течении 20-30 минут.

Исполнительское дыхание. Его сущность. Значение. И методы развития

Техника дыхания исполнителя на духовых инструментах это прежде всего техника владения звуком включающее в себя все многообразие тембра, динамики, штрихов и артикуляции. Если хорошо поставлено дыхание по звуку можно судить сразу что у человека есть тембр, динамика, артикуляция. Культура звучания предполагает наличие определенной школы дыхания.

Если зарождению звука определяющая роль принадлежит языку то в ведению звука она принадлежит воздушной струе выдыхаемой исполнителем в инструмент. Характер воздушной струи корректируется кроме мышц дыхания губными мышцами, мышцами языка. А все они вместе контролируются слухом. Условно исполнительское дыхание можно сравнить со смычком у скрипачей.

Исполнительское дыхание является активным выразительным средством в арсенале музыканта духовика.

Профессиональное дыхание исполнителя на духовых инструментах определяется в первую очередь сознательным и целенаправленным управлением дыхательными мышцами в полной мере работающими при вдохе и выдохе. В дыхательном механизме участвуют мышцы вдоха и выдоха . От умелого использования этих мышц антогонистов зависит техника дыхания исполнителя.

К мышцам вдоха относится: диафрагма и наружные межреберные.

К мышцам выдоха относятся: брюшной пресс и внутренние межреберные мышцы.

Исполнитель должен научиться управлять активным вдохом и выдохом посредством развития и тренировки дыхательных мышц. Выдох во взаимодействии с губами, языком, пальцами играет первостепенную роль в образовании звука, в его ведении и в различных видах его проявления в техники.

Хорошо поставленный выдох не только влияет на качество звука и разносторонние технические возможности, но и открывает широкий простор для деятельности других компонентов исполнительского аппарата: губ, языка, пальцев. Две фазы дыхания (вдох и выдох) могут по разному использоваться в исполнительском процессе.

При естественном физиологическом дыхании человека вдох это активный акт при котором легкие расширяются, ребра поднимаются вверх, купол диафрагмы опускается вниз. Выдох наоборот пассивный акт: полость легких, грудная клетка и диафрагма возвращаются в свое первоначальное положение. При физиологическом дыхании цикл протекает: вдох, выдох, пауза. Профессиональное исполнительское дыхание подчиненно сознанию исполнителя и предполагает активный вдох и выдох. Вдох - короткий, выдох - долгий (продолжительный).

От правильного и полноценного вдоха зависит и качественный выдох.

Профессиональный вдох духовика должен быть коротким полным и без шумным . Он имеет ряд специфических отличий от обычного физиологического дыхания человека.

• Во первых он требует максимального использования объема легких (3500-4000 миллилитров воздуха). При физиологическом дыхании объем равен 500 миллилитров.
• Во вторых при профессиональном дыхании возрастает нагрузка на дыхательную мускулатуру. Она во много раз больше чем при спокойном жизненном дыхании.
• В третьих при обычном нормальном дыхании вдох и выдох примерно равны по времени то есть дыхание ритмичное.

Человек в спокойном состоянии делает 16-18 дыхательных циклов в одну минуту. Духовик сокращает число вдохов до 3-х, 8-ми в минуту. В естественных условиях человек дышит носом. При игре на духовых инструментах в основном ртом при незначительной помощи носом. Это обеспечивает полноту вдоха и его без шумность.

Дыхание при игре на духовых инструментах нужно брать через углы рта при незначительной помощи носа. Вдох через рот позволяет быстро и без шумно пополнить легкие воздухом. При вдохе участвуют наружные и межреберные мышцы грудной клетки и диафрагмы. Поэтому равномерное наполнение легких воздухом и расширение во всех направлениях грудной клетки зависит от развитости, силы и активности этих мышц.

Что касается диафрагмы то эта мышца одна из самых сильных в нашем организме. Вместе с дыханием она совершает 18 колебаний в минуту перемещаясь при этом на 4 сантиметра вверх и на 4 сантиметра вниз. Диафрагма выполняет грандиозную работу. Как совершенный нагнетательный насос диафрагма всей своей внушительной площадью опускается при вдохе сжимая печень, селезенку, кишки оживляя брюшное кровообращение.

Легкие при вдохе должны заполняться воздухом с низу до верху наподобие сосуда с водой в котором жидкость с начала покрывает дно и опираясь на него наполняет сосуд до верху. Таким образом в легких образуется так называемый воздушный столб опирающийся на дно легких, на его основание то есть на диафрагму.

Будет такой вопрос: в чем разница дыхания человеческого и исполнительского?

Вы будете говорить, что дыхание у исполнителя на духовом инструменте не ритмичное и второй вариант что дыхание опертое. Опертое дыхание - это правильное поставленное дыхание духовика.

Характерные недостатки постановки у начинающих музыкантов

Если представить процесс обучения музыканта в виде постепенно строящегося здания, то постановка будет играть роль фундамента. Правильная постановка служит основой на которой базируется развитие исполнительских навыков музыканта.

Практика обучения молодых, начинающих музыкантов показывает, что уделять внимание постановке следует с первых шагов. Наиболее типичными у начинающих музыкантов являются недостатки связанные с неправильным положением инструмента, рук, пальцев и головы.

Для исполнителей на флейте наиболее характерным является наклонное положение инструмента вместо необходимого прямого, что является следствием опускания правой руки. Для исправления этого недостатка педагог должен следит за тем что бы ученик во время игры держал слегка приподнятый локоть правой руки. В этом случае обе руки будут находиться на одном горизонтальном уровне и флейта будет лежать ровно.

Начинающие гобоисты нередко держат инструмент слишком приподнято что от части связанно у них с чрезмерным опусканием подбородка в низ. Исправить такой недостаток не трудно - необходимо лишь следить за правильным положением головы и рук, которые не следует сильно поднимать вверх.

Играющий на кларнете чаще всего сдвигает инструмент несколько в сторону причем чаще в право чем в лево, либо придают инструменту не правильное положение по вертикали (лишком близко держат его у туловища) или наоборот чрезмерно поднимают вверх. Подобные отклонения от нормы (если они не обусловлены какие-нибудь индивидуальными особенностями музыканта) не должны иметь место ибо это накладывает определенный отпечаток на характер звучания. Из практики известно, что при наклоне кларнета вниз звук делается жидким и тусклым, а при чрезмерным подъеме вверх более грубым.

Для играющих на медных неправильное положение инструмента является следующим: нажимают фалангами палцев, а нужно нажимать подушечками пальцев, при игре на корнете, трубе держатся за кольцо. При игре не нужно держаться за кольцо. За кольцо держатся только при перевороте нот, либо когда нужно вставить сурдину. Начинающие валторнисты часто неправильно держат раструб инструмента: либо слишком опускают его вниз, либо наоборот поворачивают сильно вверх. Тромбонисты нередко придают инструменту неправильное положение тем, что держат опущенной кулису вниз.

Недостатки постановки связанные с положением пальцев на инструменте могут быть довольно различны:

У исполнителей на деревянно-духовых очень часто пальцы при игре высоко поднимаются, отводятся без надобности в сторону, кроме того лежат на инструменте не в округленно согнутом, а в сугубо прямом положении, что вызывает излишнее их напряжение. Неправильное положение головы проявляется в том, что отдельные музыканты в момент игры опускают голову вниз вследствие чего подбородок так же опускается вызывая дополнительное напряжение шейных и подбородочных мышц.

Такое наклонное положение головы можно встретить у исполнителей на различных духовых инструментах, но чаще всего оно встречается: у трубачей, гобоистов, кларнетистов, валторнистов . Наклон головы в сторону (в право) особенно часто встречается у исполнителей на флейте для которых он стал традицией и вредной привычкой.

С началом обучения на инструменте необходимо неотступно следить за правильностью приемов постановки у играющего. При этом нужно добиваться чтобы учащийся не только знал те или иные приемы рациональной постановки, но и понимал целесообразность их практического применения.

Ослабить контроль за постановкой можно тогда когда правильные приемы постановки превратятся у учащихся в точно усвоенные и закрепленные навыки.

Библиотека
материалов

Истлеу Нурлан Кенжегалиевич

Введение.

газообразным звучащим телом laba (губа)

Как же образуется звук?

Музыкальный слух

Развитие внутреннего слуха.

(ppp, pp, mp, mf, f, ff)

Найдите материал к любому уроку,
указав свой предмет (категорию), класс, учебник и тему:

Все категории Алгебра Английский язык Астрономия Биология Всеобщая история География Геометрия Директору, завучу Доп. образование Дошкольное образование Естествознание ИЗО, МХК Иностранные языки Информатика История России Классному руководителю Коррекционное обучение Литература Литературное чтение Логопедия Математика Музыка Начальные классы Немецкий язык ОБЖ Обществознание Окружающий мир Природоведение Религиоведение Русский язык Социальному педагогу Технология Украинский язык Физика Физическая культура Философия Французский язык Химия Черчение Школьному психологу Экология Другое

Все классы Дошкольники 1 класс 2 класс 3 класс 4 класс 5 класс 6 класс 7 класс 8 класс 9 класс 10 класс 11 класс

Все учебники

Все темы

также Вы можете выбрать тип материала:

Краткое описание документа:

Истлеу Нурлан Кенжегалиевич

МЕТОДИКА ОБУЧЕНИЯ ИГРЕ НА ДУХОВЫХ ИНСТРУМЕНТАХ.

Введение.

Методика обучения игре на духовых инструментах является составной частью музыкально педагогической науки рассматривающей общие закономерности процесса обучения на различных духовых инструментах. Российская педагогическая наука в области исполнительства на духовых инструментах насчитывает не более 80 - ти лет. Она достигла новых рубежей восприняв и развив дальше все лучшее что было свойственно русской школе игры на духовых инструментах. Ее успехи известны не только у нас в стране но и за рубежом. Композитор Гедике писал: техника игры на духовых инструментах ушла вперед на столько что если бы лучшие исполнители особенно на медных жившие 50-70 лет назад услышали наших духовиков то не поверили бы своим ушам и сказали бы что это невозможно. Следует признать что теория методики обучения на духовых инструментах как часть педагогической науки среди других методик является самой молодой. Каждое поколение духовиков вносит свой вклад в методику. Методика обучения на каком либо инструменте является частью педагогики. Слово методика греческого происхождения в переводе на русский язык путь к чему либо. Методика есть совокупность способов то есть приемов выполнения какой либо работы(исследовательской, воспитательной). В узком смысле слова методика это способ преподавания того или иного предмета на основе анализа и обобщения лучших педагогов, музыкантов и исполнителей. Методика изучает закономерности и приемы индивидуального обучения. Методика способствует воспитанию общей музыкальной культуры, расширяет кругозор исполнителей. Методика ближе со прикасает со специальностью. Выдающимся исполнителем и педагогом положившим начало развитию Советской методики был Розанов. Его работа Основы преподавания на духовых инструментах Москва 1935 год был первым трудом поставленным на научную основу. В своем труде он сформулировал принципы которые стали основными в методической школе на духовых инструментах:

1. Развитие технических навыков у учащихся должно проходить тесно с художественным развитием.

2. В процессе работы учащегося над музыкальным произведением необходимо добиваться сознательного его усвоения и тогда будет прочнее.

3. В основу правильной постановки должно быть положено знание анотомии и физиологии органов участвующих во время игры.

Основные вопросы методики сформулированные Розановым получили развитие у профессоров Платонова, Усова, Пушечникова, Докшицера, Г. Уорвит.
Наличие солидной теоретической базы позволяет поднять преподавание игры на различных музыкальных инструментах на новую качественную ступень.

Психофизиологические основы исполнительского процесса на духовых инструментах.

Музыкальное исполнение - это активный творческий процесс в основе которого лежит сложная психофизиологическая деятельность музыканта. Эту формулировку вы должны знать как отче наш. Прямо подчеркните эту формулировку. Играющий на любом инструменте должен координировать действия целого ряда компонентов: зрения, слуха, памяти, двигательного чувства, музыкально эстетических представлений, волевых усилий. Это то тоже очень важный момент. Именно это разнообразие психофизиологических действий выполняемых музыкантом в процессе игры и определяет сложность музыкально-исполнительской техники. Дальнейший путь научного обоснования музыкально-исполнительского процесса был связан с изучением физиологии высших отделов центральной нервной системы. Учение великого русского физиолога академика И.П.Павлова о высшей нервной деятельности, о неразрывной связи всех жизненных процессов, учении о коре головного мозга - как материальной основе психической деятельности помогло передовым музыкантам изменить подход к обоснованию исполнительской техники. Педагоги и исполнители стали глубже интересоваться работой мозга в процессе игры. Стали обращать больше внимания на сознательное усвоение цели и задач. Основные принципы работы коры головного мозга - это координированная деятельность человека осуществляется посредством сложных и тонких нервных процессов непрерывно протекающих в корковых центрах мозга. В основе этих процессов лежит образование условного рефлекса. Высшая нервная деятельность складывается из двух важнейших и физиологически равноценных процессов:

1. возбуждение которое лежит в основе образования условных рефлексов;

2. внутреннего торможения, обеспечивающего анализ явлений;

Оба этих процесса находятся в постоянном и сложном взаимодействии. Взаимно влияя друг на друга и в конечном итоге регулируют всю жизнедеятельность человека.

Процесс игры на музыкальном инструменте как один из видов трудовой деятельности человека.

Не забывайте что вы трудитесь - это ваш труд. Учеба в музыкальном колледже - это как труд. Это целый ряд сложных координированных функций: (зрительных, слуховых, двигательных, волевых), осуществляемых на основе условных рефлексов второй сигнальной системы мозга. Попробуем представить себе как это происходит практически в процессе игры на инструменте. При взгляде на нотные знаки у исполнителя прежде всего возникает раздражение в зрительной области коры (мозга имеется ввиду). В следствии чего происходит мгновенное преобразование первичных сигналов в зрительное представление о нотном тексте. Посредством мышления музыкант определяет положение нот на нотоносце, продолжительность звуков их громкость и т.д. Зрительное восприятие звука у играющего обычно связывается со слуховыми представлениями. Возбуждение зрительных центров растекаясь захватывает слуховую область коры что и помогает музыканту не только увидеть звук но и услышать то есть ощутить его высоту, громкость, тембр и тому подобное. Возникшие внутри слуховые представления в тот час же вызывают у музыканта соответствующие исполнительские движения, необходимые для воспроизведения данных звуков на инструменте. Двигательные импульсы передаются исполнительскому аппарату: губы, язык, дыхание, движение пальцев, слух. И вследствие внутреннего торможения вызывают необходимые движения: губ, языка, пальцев. Так осуществляется двигательная установка в результате которой рождается звук. Звуковые колебания в свою очередь вызывают раздражение слухового нерва, которое благодаря возможности установления обратных физиологических связей передается в слуховую очередь коры и обеспечивает соответствующее восприятие исполняемых звуков т.е. слуховой анализ. Таким образом процесс звукообразования на духовых инструментах можно представить себе в виде нескольких взаимосвязанных звеньев единой цепи. Нотный знак - представление о звуке - мышечно-двигательная установка - исполнительское движение - реальное звучание - слуховой анализ. В ходе этой сложной условно рефлекторной взаимосвязи центральное место принадлежит слуховым ощущениям и представлениям играющего.

Таковы психофизиологические основы звукоизвлечения применяемые к игре на любом музыкальном инструменте однако исполнение на духовых инструментах обладает еще целым рядом специфических особенностей.

Акустические основы звукообразования на духовых инструментах.

В отличие от клавишных, смычковых и ударных инструментов, где в роли вибратора выступают твердые тела (у струнных - струны, особые пластины, кожа у ударных) все духовые инструменты принадлежат к инструментам с газообразным звучащим телом . Причиной возникновения звука здесь служит колебания воздушного столба воздуха вызываемое особыми действиями возбудителей. Специфика звукообразования на духовых инструментах зависит от устройства инструментов. Современная музыкальная акустика все духовые инструменты разделяет на три группы: первая группа лабеальные от латинского слова laba (губа) также называются они свистящими (относятся все виды свирелей, флейт, некоторые органные трубы), вторая группа язычковые, тростевые или лингвальные от латинского слова лингия (язык) (все виды кларнетов, все виды гобоев, фаготов, все виды саксофонов и баситгорнов), третья группа с воронкообразным мундштуком обычно они называются медными (все виды корнетов, труб, валторны, тромбоны, тубы, горны, фанфары).

Как же образуется звук?
На флейте являющейся инструментом с газообразным возбудителем звук образуется в результате трения выдыхаемой струи воздуха об острый край отверстия ладиум находящуюся в головке у флейты. При этом периодически изменяется скорость движения воздушной струи что и обуславливает возникновение звуковых колебаний в канале флейты. Все язычковые принадлежащие к инструментам с твердым возбудителем образуют звуки при помощи колебаний особых тростниковых пластин (тростей). Колебательный процесс на этих инструментах регулируется действиями двух взаимодействующих сил: поступательным движением выдыхаемой струи воздуха и силой упругости трости. Выдыхаемая струя воздуха отгибает утонченную часть трости к наружи а сила ее упругости заставляет тростниковую пластинку возвратится в первоначальное положение. Этими движениями язычка (трости) обеспечивается прерывистое толчкообразное вхождение воздуха в канал инструмента где возникает ответное колебание воздушного столба поэтому рождается звук. Еще большим своеобразием отличается возникновение звука на духовых инструментах с воронкообразным мундштуком. Здесь в роли твердого колеблещуюсего возбудителя звука выступают центральные участки губ охваченные мундштуком. Как только выдыхаемая струя воздуха попадает в узкую губную щель она в тот час приводит в колебания губы. Эти колебания изменяя величину отверстия губной щели создают периодическое толчкообразное движение воздуха в мундштук инструмента. Результатом этого является поочередное сгущение или разряжение воздуха в канале инструмента обеспечивающее появление звука.

Рассмотрев акустические основы звукообразования мы находим одно общее явление: во всех случаях причиной образования звука является периодическое колебание воздушного столба заключенного в инструменте вызываемое специфическими движениями различных устройств и возбудителей звука. При этом колебательные движения воздушной струи, тростниковых пластинок или губ возможно лишь при условии согласованных действий различных компонентов исполнительского аппарата.

Развитие музыкальных способностей в процессе воспитания музыканта профессионала.

Несмотря на примерно равные умственные способности и физическое развитие учащихся мы имеем различные результаты их обучения. Анализ этих явлений свидетельствует о том что в подготовке исполнителя интуитивное начало то есть наличие природных способностей приобретает решающее значение. В.М. Теплов в своем труде " Психология музыкальных способностей" музыкальная литература 1947 год доказывает возможность развития всех музыкальных способностей на основе врожденных задатков. Не может быть способностей которые не развивались бы в процессе воспитания и обучения. Что мы имеем в виду когда говорим о музыкальных способностях или музыкальных задатков? Прежде всего мы подразумеваем музыкальность. Это удачное определение сделал Алексеев в своей методике обучение игре на фортепиано. "Музыкальным следует назвать человека чувствующего красоту и выразительность музыки способного воспринимать в звуках произведения определенное художественное содержание а если он исполнитель то и воспроизводить это содержание". Музыкальность развивается в процессе правильной хорошо продуманной работы в течении которой педагог ярко и всесторонне раскрывает содержание изучаемых произведений иллюстрируя свои объяснения показом на инструменте или записью. В комплекс понятия музыкальности входит ряд необходимых компонентов а именно: музыкальный слух, музыкальная память, музыкально ритмическое чувство.

Музыкальный слух - это сложное явление включающее в себя такие понятия как звуковысотный (интонационный) , мелодический (ладовый), гармонический, внутренний слух. Каждая из названных сторон музыкального слуха имеет в обучении и в исполнительской практике большое значение. Исполнителю совершенно необходимо наличие хорошо развитого относительного слуха, дающего возможность различать соотношение звуков по высоте взятых одновременно или последовательно. Это качество чрезвычайно важное для оркестрового музыканта. В оркестре цениться исполнитель который хорошо слушает свою группу, активно в ней участвует не нарушая ансамбля. Способность слышать воображаемые звуки, записывать их на бумаге и оперировать ими называется внутренним слухом. Музыкальный слух развивается в процессе деятельности музыканта. Нужно добиваться чтобы вся работа с инструментом протекала при неустанном контроле слуха. Недостаток учащихся в том, что они не контролируют свою игру на инструменте слухом. Это основной недостаток самостоятельной работы учащихся. Педагогу по специальности необходимо постоянно проявлять заботу о развитии всех компонентов музыкального слуха и прежде всего внутреннего мелодического слуха.

Развитие внутреннего слуха.

По мимо уроков сольфеджио и выполнение домашних заданий по этому предмету педагог по специальности требует исполнение по памяти знакомых ранее или вновь услышанных музыкальных отрывков (подбирание по слуху), транспонирование знакомых мелодий в другие тональности, импровизация, а так же сочинение музыки если есть достаточно данных для этого. Полезно приучать учащихся анализировать свое или другое исполнение, критически их оценивая. Поэтому и надо ходить на концерты не только своей специальности: хор, камерный оркестр, духовой, эстрадный, ансамбли, солисты, скрипачи. Для развития мелодического слуха необходимо систематически работать над кантиленой (медленной пьесой). Кантилена (медленная пьеса) так же развивает выдержку потому что идет большая нагрузка на губы, большое дыхание берешь. Совершенствую гармонический слух полезно анализировать фактуру изучаемого музыкального произведения, больше играть в ансамбле, в оркестре. Фактура латинское слово в переносном значении устройство, строение музыкальной ткани. Хорошо развитый музыкальный слух - это важнейшее условие для развития музыкальной памяти. Музыкальная память это понятие синтетическое включающее в себя слуховую, зрительную, двигательную, логическую. Музыкальная память также поддается развитию. Важно для музыканта что б были развиты по крайней мере три вида памяти: первая слуховая служащая основой для успешной работы в любой области музыкального искусства, второе логическая связанная с пониманием содержания произведения и закономерностями развития музыкальной мысли, третий вид двигательная крайне важная для исполнителей инструменталистов. У многих важную роль в процессе запоминания играет зрительная память. Работая над развитием памяти учащегося следует помнить: очень важна система запоминания музыки, учащийся должен учитывать что музыка протекает во времени, во создание произведения как чего то целого возможно при условии удержания в памяти его частей. В результате частого исполнения запоминание может быть преднамеренным. Запоминание может быть и преднамеренным когда специально заучивают отдельные отрывки, а затем и все произведение целиком. Здесь необходимо знание формы произведения, его гармонической структуры. При разучивании важно осознавать сходность, повторность отдельных частей музыкальной формы, причем внимание фиксируется на том, что различает эти части, и что их объединяет. В преднамеренном запоминании участвует: зрительная, двигательная, а так же более сложная внутренняя слуховая память. Проверка правильности выученного музыкального произведения: запись заученной музыки без использования инструмента (нотами), транспонирование мелодии в другую тональность и умение начать исполнение с любого места. Умение начать исполнения с любого места свидетельствует о глубоком и тщательном знании исполнителем музыки произведения.

Выразительные средства при исполнении на духовых инструментах.

Обычно к выразительным средствам исполнителя на духовых инструментах относят такие понятия: звук, тембр, интонация, штрихи, вибрато, ритм, метр, темп, агогика, артикуляция, фразировка, динамика, нюансировка. Агогика - это небольшое отклонение от темпа. Вокалисты и исполнители на духовых инструментах относят сюда так же: исполнительское дыхание. Пианисты относят: педаль, туше. Туше - это определенный способ исполнения. Струнники относят: штрихи, вибрато, аппликатуру, технику пальцев. Исполнители на духовых инструментах к этим средствам причисляют так же: технику губ, языка, двойное стаккато, фрулято, глиссандо. Хотя двойное стаккато - это технический прием. А фрулято и глиссандо относится уже к штрихам. Все это говорит, что к понятиям исполнительские средства или выразительные средства нет единого четкого и ясного подхода их определения. Исполнительские средства и выразительные средства - это две стороны единого творческого процесса. К исполнительским средствам причисляем все, что связано с технологической стороной исполнительства. Технологическая сторона - это состояние инструмента, мундштука, трости; постановка корпуса, головы, рук, амбушюра; техника исполнительского дыхания, техника языка (твердая, мягкая, вспомогательная атака); артикуляция - это произношение гласных, согласных во время игры; техника пальцев (беглость, четкость, согласованность); знание аппликатуры (основной, вспомогательной, дополнительной). К выразительным средствам относиться все, что является художественным результатом применения перечисленных исполнительских средств. Одним из важнейших исполнительских средств является звук. Выразительность звучания как средство исполнительского воплощения мелодии полнее определяет силу эмоционального воздействия музыки. Играющий должен овладеть красивым звуком то есть делать звучание инструмента чистым, сочным и динамически разнообразным. При этом характер звуку должен быть неразрывно связан с содержанием исполняемой музыки. Для выразительности звучания особое важное значение приобретает чистота интонации. Чем тоньше и лучше будет развит слух музыканта тем меньше погрешностей он будет допускать при интонировании в процессе игры. Важным исполнительским средством является техническое мастерство. У играющего на духовом инструменте технические навыки складываются из различных элементов: хорошо развитого исполнительского дыхания, эластичности и подвижности губ, подвижности языка, быстроты и согласованности движения пальцев. Для каждого из духовых инструментов существуют свои особые понятия о наиболее сложных элементов исполнительской техники. Для группы деревянных духовых инструментов весьма сложной является техника движения пальцев. То для группы медных - это владение техникой работы губ. Исключительное важное значение имеет музыкальная фразировка характеризующая умение играющего правильно определять строение музыкального произведения (мотивы, фразы, предложения, периоды) , верно устанавливать и выполнять цезуры, выявлять и воплощать кульминации, правильно передавать жанровые стилистические особенности музыки. Музыкальная фразировка отражая живое дыхание музыкальной мысли является средством выражения художественного содержания произведения. Важной составной частью музыкальной фразировки является динамика. Умелое использование при игре динамических оттенков значительно оживляет музыкальное исполнение, лишает его монотонности и однообразия. При игре на духовых инструментах используется обычно два вида динамики: первое ступенчатая или терратная динамика включающая постепенное усиление или ослабление звука (ppp, pp, mp, mf, f, ff) , второй вид динамики называется контрастная динамика заключающаяся в резком противопоставлении силы звука (пиано - резкое форте). Важно отметить что динамические оттенки имеют не абсолютный, а относительный характер (у одних это форте, а у других меццо форте) поэтому музыканту предоставляется право дополнять или расширять эти оттенки. Весьма существенным элементом музыкальной фразировки является агогика - это мало заметное изменение скорости движения (отклонение от темпа). Агогические оттенки умело применяемые выявляют творческую природу музыкального исполнительства. Наиболее сложным и трудным агогическим нюансом является искусство игры рубато (ритмически свободное исполнение). Музыкальная фразировка тесно связанна с применением штрихов. Штрихи помогают усилить выразительность исполнения. Разнообразные исполнительские средства можно разделить на три основные группы: первая средства относящие к качеству звука (тембр, интонация, вибрация), вторая группа средства технического порядка (пальцевая беглость, техника дыхания, техника языка), третия группа средства обще музыкального выражения (музыкальная фразировка, динамика, агогика, штрихи, аппликатура). Подобное разделение носит условный характер так как между исполнительскими средствами в музыки существует очень тесная органическая взаимосвязь. Тем нимение выразительный звук служить показателем определенного технического мастерства. Музыкальная фразировка - это одновременное владение и звуком и техническими навыками. Характерной особенностью всех исполнительских средств музыканта является не только их тесная взаимосвязь, но и полное подчинение их художественным целям, художественным задачам.

Оставьте свой комментарий

Чтобы задавать вопросы.