Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. 15-16 века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.
Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. На мгновение показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.
Они вспомнили о древних римлянах и греках. Которые тоже строили общество свободных граждан. Где главная ценность – человек (не считая рабов, конечно).
Возрождение – это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и красоты духовной.
Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.
Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.
Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до .
Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда человек – главный персонаж и герой). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…
Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. Которые в другие времена рождаются один на 1000 лет.
Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан – титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках. Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения бы и не было.
1. Джотто (1267-1337 гг.)
Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало 16 века. . 14 век. Проторенессанс. Главный ее герой – Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.
До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа – золотой фон. Как, например, на этой иконе.
Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275-1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия. И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Печальные. Скорбные. Удивленные. Старые и молодые. Разные.
Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302-1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.
Главное творение Джотто – это цикл его фресок в Капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Потому что такого они никогда не видели.
Ведь Джотто сделал небывалое. Он как бы перевёл библейские сюжеты на простой понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.
Джотто. Поклонение волхвов. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия. Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.
О фресках мастера читайте подробнее в статье.
Джотто восхищались. Но его новаторства развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.
Только через 100 лет появится мастер, достойный продолжатель Джотто.
2. Мазаччо (1401-1428 гг.)
Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия. Начало 15 века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.
Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура – в прошлом.
Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия. Он перенял реализм Джотто. Однако, в отличие от предшественника, уже хорошо знал анатомию.
Вместо глыбообразных персонажей Джотто – прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.
Мазаччо. Крещение неофитов. 1426-1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия. 
Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426-1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия. Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.
Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в Капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.
Так новаторства Мазаччо были подхвачены всеми великими титанами Высокого Возрождения.
3. Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)
Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия. Леонардо да Винчи – один из титанов Эпохи Возрождения. Который колоссальным образом повлиял на развитие живописи.
Именно он повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.
Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.
Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.
Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489-1490 гг. Музей Черторыйских, Краков. Главное же новаторство Леонардо – это то, что он нашёл способ, как сделать образы … живыми.
До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.
Но тут Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.
. 1503-1519 гг. Лувр, Париж. С тех пор сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.
Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений. Но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. И даже искусством сервировки одно время увлекался.
Однако, сами подумайте. 19 картин. И он – величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию. При этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.
О самой знаменитой картине мастера читайте в статье .
4. Микеланджело (1475-1564 гг.)
Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Микеланджело считал себя скульптором. Но он был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.
Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Потому что он изображал совершенного человека. В котором физическая красота означает красоту духовную.
Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.
Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.
Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.
Потолок Сикстинской капеллы он расписывал сам. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был одиночкой. Обладая крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.
Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан. Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережив угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.
Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы – это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях древней Греции. Как его Давид.
В последние годы жизни – это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма 20 века. Посмотрите на его “Пьету”.
Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.
Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до 20 века. Что же делать последующим поколениям? Что ж, идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.
5. Рафаэль (1483-1520 гг.)
. 1506 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия. Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда. И при жизни. И после смерти.
Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Их внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кроткость. Их жертвенность.
Рафаэль. . 1513 г. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия. Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о . Это была его самая любимая картина.
Однако чувственные образы – не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём он всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по другому и быть не может.
Рафаэль. Афинская школа. 1509-1511 гг. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан. Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. Множа его чувственные образы в тысячах своих полотен..
Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким и ярким новатором.
За такую яркость таланта его все любили. Называя “Королём живописцев и живописцем королей”.
Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.
Тициан. Вознесение Марии. 1515-1518 гг. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция. К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые. Густые. Пастозные. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого – образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты – ещё более динамичные и драматичные.
Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 г. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия. Ничего это вам не напоминает? Конечно, это техника . И техника художников 19 века: барбизонцев и . Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.
О знаменитом шедевре мастера читайте в статье.
Художники эпохи Возрождения – это художники больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень много знать. В области истории, астрологии, физики и так далее.
Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?
Поэтому они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Используя весь багаж своих знаний.
Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняющими нам мир с помощью живописи.
Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.
Культура Испании 15-16 веков складывалась в сложных условиях. С одной стороны, она унаследовала народные черты испанской традиции, сформировавшейся в период многовековой борьбы против арабов, решающую роль в которой играли широкие народные массы. Суровое и героическое прошлое страны оставило глубокий след в испанской культуре. Вся средневековая история Испании происходила в постоянной борьбе против ига чужеземцев.
Враждебная позиция церкви препятствовала здесь распространению идей гуманизма и развитию естественных и точных наук, которые, за отдельными исключениями, не достигли значительных успехов. Дольше, чем в других странах, в Испании сохраняется религиозный характер культуры. Болезненная фантастика и черты мистической экзальтации присущи как литературе, так и изобразительному искусству Испании 15-16 веков.
Страна монастырей и религиозного фанатизма, Испания создала яркое и жизнерадостное светское искусство. Многочисленные романсы, вильянсико, танцы, сохранившиеся в собраниях 15-16 веков, свидетельствует об очень высоком уровне музыкальной жизни Испании в ту пору. Вильянсико, многоголосная песня с рефреном, - образец популярного стиля в испанской музыке 15-16 веков. На дружеской пирушке и во дворце, в скромном жилище горожанина и при дворе она имела одинаковый успех.
Переписанные вильянсико распространялись часто без указания имени автора. Богатство ритмики, своеобразие ладовых оборотов указывают на близость этого жанра к народным источникам. Расцвет вильянсико относится к концу 15 - началу 16 веков. Характер песен разнообразный: любовные, шуточные, пасторальные, религиозные, танцевальные. К концу 16 века вильянсико становится преимущественно рождественской песней, одновременно продолжая развиваться как светский жанр в рамках испанской драмы.
Среди немногих достоверно известных авторов вильянсико первое место принадлежит Хуану дель Энсинья (1468-1529) - музыканту, поэту драматургу, актеру. Энсинья считается основоположником испанской музыкальной драмы, сын сапожника, он очень быстро выдвинулся благодаря разносторонней одаренности. Назначенный церемониймейстером при дворе герцога Альбы, Энсинья писал и ставил там пьесы, к которым сам сочинял музыку. По собственному признанию композитора, большая часть его музыкальных работ создана в возрасте до двадцати лет.
Инструментальная музыка в Испании в 15 веке была новой областью. Не удивительно поэтому, что в репертуаре инструменталистов значительное место занимали переложения вокальных произведений. Искусство импровизации, техника варьирования, обработка многоголосных вокальных сочинений для исполнения на различных инструментах приобрели тогда значение важных художественных задач. Этим проблемам посвящен трактат крупного композитора и теоретика музыки Диего Ортиса (1510 - после 1570), вышедший в 1554 году. Книга Ортиса, снабженная многочисленными нотными примерами, является ценным источником сведений об испанской инструментальной музыке этого периода. Распространяется в то время метод использовать старое произведение (свое или чужое) как материал при сочинении нового.
Крупнейшие испанские композиторы-полифонисты 16 века - Кристобаль де Моралес и Томас Луис де Виктория. Кристобаль де Моралес (1500-1553) некоторое время служил в Риме в качестве певца папской капеллы. Возвратившись в Испанию, он стал maestro di cappella (руководил капеллой) сначала в Толедо, затем в Малаге. Томас Луис де Виктория (ок. 1548-1611) родом из Кастилии, учился у видного испанского композитора Эскобедо, затем продолжил свое образование в Италии, в течение продолжительного времени композитор работал в Риме. Высоко чтимый в Италии, Виктория, тем не менее, как в свое время Моралес, возвратился на родину и последние двадцать пять лет жизни провел во францисканском монастыре, где был священником, хормейстером и органистом.
Литература Особенно блестящего развития достигла в Испании литература. В плане прозы широкое распространение получили рыцарские романы, а также «плутовские романы». Жанр «плутовского романа» зарождается здесь в конце 15 - начале 16 веков и получает затем широкое распространение в европейской литературе. В произведениях этого жанра, одним из самых ранних образцов которого в Европе является анонимная повесть «Ласарильо с Тормеса» (первая половина 16 века), изображается реальная жизнь в её самых обыденных проявлениях, причем изображение это нередко носит сатирический характер. В этом жанре впервые выступил Фернандо де Рохас, автор известной трагикомедии «Селестина» (написана ок. 1492-1497 годов). Эту линию продолжил и развил великий испанский писатель-сатирик Франсиско де Кеведо (1580-1645), создавший знаменитый роман «История жизни пройдохи». Вершиной испанской литературы является творчество Мигеля де Сервантеса (1547-1616), воплотившего в своих произведениях лучшие традиции национальной культуры. Его «Дон Кихот» - гениальная сатира на современную Испанию. В этой книге, отразившей всю сложность обстановки в Испании во второй половине 16 века, одновременно осуждаются и высмеиваются и бесплодность мечтаний аристократии, еще жившей идеалами средневекового рыцарства, и новый культ денег и наживы, а с другой стороны, с большим сочувствием и красочностью рисуется широкая картина народной жизни.
Во второй половине 16 века расцветает и национальная испанская драма , представленная целым рядом писателей, среди которых первое место принадлежит Феликсу Лопе де Вега (1562 - 1635), основоположнику испанской национальной драмы, автору более чем 1800 литературных произведений, в том числе таких, как «Собака на сене», «Учитель танцев».
Архитектура Развитие ренессансных форм в архитектуре и изобразительном искусстве Испании протекает медленно. В 15 - начале 16 веков в испанской архитектуре ещё господствуют переходные формы от готики к Ренессансу. В это время и раньше в королевствах Испании, уже освободившихся от мавританского владычества, строились христианские готические церкви и дворцы. Их архитектура впитывала заманчивую сказочность зодчества и декоративного убранства злейших врагов - мусульман. Иногда церкви строились на месте мусульманских мечетей, и минареты переделывались в колокольни. Использовались мусульманские подковообразные арки, хрупкие аркады, плоскостный кружевной декор. Соединение всего этого с европейской готикой получило название стиля «мудехар».
Архитектура Испании второй половины 16 века развивалась под влиянием архитектуры итальянского Возрождения. Главным представителем её был Хуан де Эррера (1530-1579). По имени этого мастера сам стиль Высокого Возрождения в испанской архитектуре называют «эрререск». Аналитический, философский характер мышления Хуана де Эрреры, выдающегося теоретика архитектуры, не препятствовал тому, что в своей деятельности он обнаружил себя отличным и опытным практиком, обогатившим искусными изобретениями и новшествами технику строительства.
Живопись Испанская живопись 15 века была особенно сильно скована требованиями церкви. Инквизиция наложила запрет на изображение наготы, восставала против светской трактовки религиозных сюжетов, препятствовала проникновению в живопись сюжетов античной мифологии. Правда, в картинах некоторых испанских художников конца 15 века, например Хаима Уге (? - ок. 1500) или Педро Берругете (? - 1506), с большей силой проявляются реалистические устремления, сказывающиеся в разнообразии типажа, попытки социальной характеристики действующих лиц, блестящей передаче качества и фактуры предметов. Однако в произведениях этих художников еще мало развита перспектива, сохраняется условный золотой фон, фигуры располагаются на плоскости. Известное влияние на испанскую живопись 15 века оказало искусство североевропейских стран периода поздней готики и Раннего Ренессанса.
Санчес Коэльо (ок. 1532-1588) и Хуан Пантоха де ла Крус (1551-1609). В портретах этих художников всегда с поразительной правдивостью передаются черты лица и раскрывается внутренний мир портретируемого.
К иному направлению принадлежит один из первых мастеров того времени Луис де Моралес (1518-1582), прозванный Эль Дивино, то есть божественный. Его произведения не были одобрены при дворе, они грациозны и сентиментальны, но вместе с тем он слишком отдавался аффектации и манере. В творчестве Моралеса чувствуется влияние современных мистически-религиозных учений, распространенных в Испании, но не поощрявшийся официальной церковью. Хорошее представление об искусстве Моралеса дают картины «Скорбящая Богоматерь» и «Мадонна с младенцем». Холодный колорит, гладкая, как бы эмалевая поверхность живописи являются характерными чертами этого мастера.
Выдающимся художником надо назвать Франсиско де Сурбарана (1598-1664), которого называли испанским Карраджо. Один из ранних историков испанского искусства писал о нем: «Его простые композиции состоят из немногих фигур в позах важных и естественных, а иллюзии жизни в них он достигает посредством мастерства света и тени». И добавлял, что Сурбаран «изучал то, что видел вокруг себя», и «никогда ничего не выдумывал». Светотень Сурбарана, особенно в ранних его вещах, «караваджистская», то есть контрастная: сопоставление глубоких темных теней с освещенными выступающими объемами.
Современник Сурбарана Хусепе де Рибера (1591-1652) подобно Караваджо Рибера в качестве моделей для своих картин берет людей из народа. Одним из лучших произведений Риберы является полотно «Святая Инесса», образ которой считается едва ли не самым женственно-прекрасным во всей европейской живописи.
Шире и своеобразнее всего, с гениальной грацией и энергией развернулась испанская живопись в лице Диего Родригеса де Сильвы Веласкеса (1599 - 1660), который довел до высочайшего совершенства культуру живописного видения. У него всего несколько картин на религиозные и мифологические темы (и то больше по названию - «Кузница Вулкана», «Вакх», «Венера и Амур») и одно историческое полотно - «Сдача Бреды». Веласкес как портретист достиг такой грации в передачи натуры, так развил воздушную перспективу и светотень, что соперника ему не найдётся в целом мире.
Почти его современником был Бартоломе Эстебан Мурильо (1617-1682), который считается вершиной развития испанского искусства. Именем этого выдающегося живописца заканчивается расцвет испанского искусства. Художник мягкого лирического склада, очень щедро одаренный, не знавший трудностей ни в одном жанре живописи, он рано приобрел широкую известность не только в Испании, но и за ее пределами.
История эпохи Возрождения начинается в Еще этот период называют Ренессансом. Возрождение сменило в культуру и стало предшественником культуры Нового времени. А закончился Ренессанс в XVI-XVII столетиях, так как в каждом государстве он имеет свою дату начала и финала.
Немного общих сведений
Представителями эпохи Ренессанса являются Франческо Петрарка и Джованни Боккаччо. Они стали первыми поэтами, которые возвышенные образы и мысли начали излагать откровенным простонародным языком. Это новаторство было воспринято на ура и имело распространение в других странах.
Ренессанс и искусство
Особенности эпохи Возрождения - это то, что тело человека стало основным началом воодушевления и предметом исследования для художников этого времени. Так, делался акцент на похожести скульптуры и живописи с действительностью. К основным чертам искусства периода Возрождения относится сияние, утонченное владение кистью, игра тени и света, тщательность в процессе работы и непростые композиции. Для художников Ренессанса главными являлись образы из Библии и мифов.
В сходство реального человека с его изображением на том или ином полотне было настолько близко, что вымышленный персонаж казался живым. Об искусстве ХХ столетия этого сказать никак нельзя.
Эпоха Возрождения (кратко основные тенденции ее изложены выше) воспринимала тело человека как бесконечное начало. Ученые и художники регулярно улучшали свои умения и знания, изучая тела индивидуумов. Тогда преобладало мнение, что человек сотворен по подобию и образу Бога. Это утверждение отображало физическое совершенство. Главными и важными объектами искусства Ренессанса были боги.
Природа и красота человеческого тела
Искусство эпохи Возрождения большое внимание уделяло природе. Характерным элементом пейзажей была разнообразная и пышная растительность. Небеса сине-голубого оттенка, которые пронизывали солнечные лучи, что проникали сквозь облака белого цвета, являлись великолепным фоном для парящих существ. Искусство эпохи Возрождения преклонялось перед красотой человеческого тела. Эта особенность проявлялась в утонченных элементах мускулов и тела. Непростые позы, мимика и жесты, слаженная и четкая цветовая палитра свойственны творчеству скульпторов и ваятелей периода Ренессанса. К таковым относятся Тициан, Леонардо да Винчи, Рембрандт и другие.
В отличие от Англии, где победила Реформация, культура Испании развивалась на фоне усиления католической идеологии, выразившемся в небывалом распространении инквизиции.В первой трети XVI в. в испанской живописи столкнулись два влияния: нидерландское и новое итальянское, которое было представлено маньеризмом. О нем уже шла речь в связи с итальянским Возрождением. Однако к нему имеет смысл вернуться в связи с огромным влиянием маньеризма на испанскую живопись, прежде всего на Эль Греко. Хотя до XIX в. искусствоведы негативно относились к маньеризму, считая его насквозь подражательным, в XX веке они пересмотрели свои позиции и доказали стилистическую самостоятельность маньеристов.
Оказалось, что на самом деле маньеризм - оригинальное течение в живописи, основанное на собственных, а не заимствованных принципах. Представители маньеризма отошли от ренессансного гармонического восприятия мира. Внешне следуя мастерам Высокого Возрождения, маньеристы утверждали трагичность бытия. Острое восприятие жизни сочеталось со стремлением выразить «внутреннюю идею» художественного образа. Маньеристы, возможно, первыми занялись поиском чистого искусства - характерной чертой практически всех последующих поколений европейских художников.
Сюрреализм, экспрессионизм и абстракционизм XX века - творческое продолжение маньеризма с его уходом в субъективизм, драматизацию художественных образов. Концепция «maniera» сосредотачивается на поисках идеала формального совершенства и виртуозности, она выражает постоянную тенденцию человеческого духа.Сегодня истоки маньеризма искусствоведы видят уже в античности, неоготике, итальянском, немецком и нидерландском искусстве. Термин «маньеризм» вошел в моду и стал употребляться для обозначения всей живописи XVI столетия от смерти Рафаэля (1520) до начала классицизма и барокко, которые сами возникли как реакция на него. Многие исследователи предпочи-
Разщд г. Ширин «ржесшнш кумра
Пава i Европеист! Ренессанс
тают определять это искусство как период между Ренессансом и барокко.
После 1530 года маньеризм завоевал практически всю Европу. Испанцы, и в первую очередь великий Эль Греко (1541-1614), восхищались изящными творениями маньеристов. В детстве он учился у кандийских монахов на Крите иконописи, а с 1560 года продолжил занятия живописью в Венеции в школе Тинторетто. С 1577 года художник жил в Толедо, в Испании. Хотя смелая яркость его красок и вольная интерпретация библейских сюжетов вызывали критику, в частности со стороны короля Филиппа II, он тем не менее получал много заказов от церкви и частных лиц. В Испании окончательно сложился неповторимый индивидуальный стиль Эль Греко. Он идеализировал изображаемых им людей и, удлиняя их тела и лица, подчинял естественные пропорции выразительности образа. Византийская традиция плоскостной живописи сочеталась у него с контрастностью ярких и темных тонов, присущей венецианской школе. Испанское влияние отразилось в мистической манере письма. Им созданы религиозные, мифологические, жанровые картины, портреты, пейзажи («Погребение графа Оргаса», 1586-1588; «Вид Толедо», 1610-1614).
Если XVI век проходит в Испании под знаком итальянского Возрождения, то в XVII веке начинает доминировать нидерландская живопись. XVII век считается в Испании, как и в Нидерландах, «золотым веком». Термин «золотой век» прежде всего обозначает период расцвета испанской литературы эпохи Сервантеса, Гонгора и Лопе де Вега. Но его можно применить и к плеяде таких великих художников, как Сурбаран, Веласкес и Мурильо.
В первой половине XVII века еще сказывалось влияние итальянских художников, прежде всего венецианских мастеров. В этот период лидировали художественные школы Валенсии и Толедо. Однако во второй половине века творчество фламандцев, прежде всего Рубенса и Ван Дейка, вытеснило итальянскую живопись. Сложные темные композиции первой половины столетия уступили место динамичным произведениям с более однородным освещением. Крупными художественными центрами стали Мадрид и Севилья.
Франсиско де Сурбаран (1598-1664) был одним из тех мастеров, искусство которых выдвинуло испанскую живопись XVII века на одно из первых мест в Европе. Необыкновенно мощное чувство реальности определило характерную особенность художественного языка Сурбарана - приверженность натуре при предельно лаконичной, даже суровой монументальности. Его внимание было сосредоточено на двух областях - портрете и легендах, связанных с жизнью святых. Изображая строгих, захваченных созерцанием или экстатической молитвой монахов, Сурбаран охотно писал и детей, пользуясь ими как моделями для картин на темы детства Христа и Марии.
Диего Веласкеса (1599-1660) называют «портретистом испанского двора». Жизнь Веласкеса, бесспорного главы испанской школы, придворного живописца Филиппа IV, является ярким примером судьбы многих художников: потомок знатного рода, гений, человек, который благодаря своей прямоте, утонченности и галантности заслужил дружбу короля и уважение многочисленных завистников, он вел жизнь достойную и мудрую, почти не отягощенную событиями, которую не смогли поколебать даже придворные интриги.
Милостью короля он в 1659 году, после долгой проверки «чистоты» крови и отсутствия торговой деятельности, получает платье кавалера св. Иакова - беспримерная честь для художника. Веласкес создавал не только портреты членов королевской семьи, но также картины на религиозные и мифологические сюжеты («Бакх»), исторические полотна («Сдача Бреды»), постоянно обращался к жанровым сценам («Завтрак», «Пряхи»). Произведения позднего Веласкеса, поэтическому миру которых придан несколько таинственный характер, предвосхищают искусство импрессионистов. Один из них, Мане, назвал Веласкеса «живописцем живописцев».В литературной области получают широкое распространение рыцарские и плутовские романы. Наиболее крупным представителем этого жанра был великий Мигель де Сервантес (1547-1616), автор всемирно известного романа «Дон Кихот». В своей книге Сервантес пародирует рыцарские романы, наводнившие
Шва I. Европеист! Ренессанс
Раздел?. Mnpoeai щшствсш» цшура
испанский книжный рынок. Идеалы рыцарства к началу XVII века давно уже изжили себя. Тем не менее книга Сервантеса стала повествованием о двух началах человеческой природы - романтическом идеализме и трезвом практицизме. Сам Сервантес происходил из обедневшего рыцарского рода, долго служил в испанской армии, а затем зарабатывал на жизнь в интендантской службе. Роман Сервантеса повествует о приключениях рыцаря-идеалиста Дон-Кихота, который упрямо отстаивает рыцарские ценности в насквозь прагматическом мире. Он закрывает глаза на окружающую его реальность, воюет с ветряными мельницами. И часто не может выбраться из плена своих иллюзий, а противоречие между реальностью и идеалом объясняет происками злых сил. Хотя книга задумывалась автором как развлекательное чтение, она стала для мировой литературы образцом серьезной нравственной литературы.
Основоположником испанской национальной драмы был Лопе де Вега (1562-1635). Как и его младшие современники Тирсо де Молина (ок. 1583-1648) и Кальдерон де Ла Барка (1600-1681), драматург своим поистине необъятным творчеством (свыше 2000 произведений, известны 500) способствовал бурному расцвету испанской комедии, которой тогда считалась любая трехактная пьеса, написанная в стихах. Перу Лопе де Веги принадлежат^сторические и социально-политические драмы, комедии о любви (наиболее известны «Учитель танцев» и «Собака на сене»).
Литература Возрождения в Испании развивалась в сложных, противоречивых условиях. Одни из них благоприятствовали формированию своеобразных ренессансных явлений в литературе, другие препятствовали ему. Положительным было то, что в Испании, где долгое время велась борьба против иноземного (арабского) порабощения, где средневековые города довольно рано завоевали независимость, а крестьяне в ряде областей (в Кастилии и др.) не знали крепостного права, в народе издавна вырабатывалось высокое сознание собственного достоинства. Высокий уровень народного самосознания обусловил большую близость испанского гуманизма к фольклору, к художественному творчеству своего народа, чем к книжной античной культуре. Вместе с названным положительным фактором в Испании XVI - начала XVII в. действовал и другой - противоположный закон. Испания была в то время страной с очень реакционным политическим режимом, чей абсолютизм стал во враждебные отношения к городам, боровшимся за свои вольности. Он был враждебен буржуазному развитию, опирался на военную силу среднего дворянства ("кабальеро") и на союз с инквизицией, усиленно преследовавшей свободомыслие. Реакционной, авантюристической была и внешняя политика испанского правительства, втягивавшего страну в разорительные войны, которые обычно заканчивались поражением и вели к падению престижа Испании. Грабеж Испанией новооткрытых территорий Америки (с 1492 г.) тоже истощал экономику страны. И однако даже при таких неблагоприятных условиях испанский гуманизм развивался и выдвинул великих художников слова, особенно в области романа и драматургии.
Для испанской литературы раннего Возрождения (с XV до середины XVI в.) характерно прежде всего широкое развитие народного поэтического творчества в форме романса - лирического или лиро-эпического стихотворения, в котором отражались патриотизм, свободолюбие и поэтичность народа, - и гуманистическая поэзия И.-Л. де Мендоса-Сантильяна, Х.-Х. Манрике, Гарсиласо де ла Вега. В области прозы господствовал роман в трех его разновидностях: рыцарский, пасторальный и плутовской.
Литература зрелого Возрождения (до 30-х гг. XVII в.), несмотря на весьма тяжелые для гуманистов условия, породившие ее известную противоречивость, характеризуется в целом большой глубиной и реалистичностью. В поэзии этого времени новым явлением стало возникновение эпической поэмы (Л. Камоэнс, А. Эрсилья). Но наибольшие достижения в испанской литературе реализованы в области художественной прозы и драматургии, вершинами которых предстает творчество Сервантеса и Лопе де Вега.
Мигель де Сервантес Сааведра (1547-1616) - величайший испанский писатель, один из гигантов мировой литературы. Многое в его литературном наследии находит объяснение в его биографии, овеянной характерным для его эпохи духом смелых приключений (поездка в Италию, участие в войне против турок, плен у алжирских пиратов, заключение невиновным в тюрьму).
Богато и разнообразно литературное наследие Сервантеса: стихотворения ("Послание к Матео Васкесу" и др.), драматургия (трагедия "Нумансия" и др.), прозаические жанры - пасторальный и рыцарский романы, новеллистика.
Венцом творческой деятельности Сервантеса является его бессмертный роман "Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский" (1605-1615) - произведение сложное, глубокое, хотя его глубина, как и романа Рабле "Гаргантюа и Пантагрюэль", раскрывается перед читателем не сразу. Роман задуман как пародия на лишенные жизненного содержания рыцарские романы. Автор хотел показать, что неумеренное чтение таких романов может довести человека почти до невменяемого состояния. Однако превосходное знание Сервантесом жизни народа и его умение изображать типические характеры позволили ему создать по-настоящему реалистический ренессансный роман, в котором оказалась разоблаченной порочность не только рыцарских романов, но и всей испанской действительности, и вместе с тем воплощены светлые идеи гуманизма. По мнению В.Г. Белинского, своим "Дон Кихотом" Сервантес "нанес решительный удар идеальному [здесь: оторванному от жизни] направлению романа и обратил его к действительности".
Сложность и глубина, характерные для романа, присущи и его основным героям - Дон Кихоту и Санчо Пансе. Дон Кихот пародиен и смешон, когда под влиянием рыцарских романов воображает себя рыцарем, способным сокрушить окружающие его пороки, тогда как на самом деле совершает ряд нелепых поступков (сражение с принятыми за великанов ветряными мельницами и т.п.), расплачиваясь за призрачность своих фантазий вполне реальными побоями. Но Дон Кихот не только пародиен, он несет в себе утверждающее, ренессансное начало. Он - благородный, бескорыстный борец за справедливость, полный высокого воодушевления. Его гуманизм проявляется в глубокой человечности его поступков, направленных на помощь людям, терпящих несправедливость.
Глубокой гуманистической мудростью дышат суждения Дон Кихота о свободе, мире, достоинстве человека, любви. Об этом свидетельствуют советы, даваемые Дон Кихотом перед вступлением Санчо Пансы в "губернаторство", а также из его речений, сказанных по различным другим поводам ("Свобода есть одно из самых драгоценных благ, ради свободы, как и ради чести, можно и должно рискнуть жизнью"; "Мир - лучшее благо, какое существует на свете" и др.). Не скрывать, а выставлять на вид свое крестьянское происхождение советует Дон Кихот своему оруженосцу, потому что "большего уважения заслуживает человек скромного происхождения, но добродетельный, чем знатный, но порочный". По этой же причине Дон Кихот считает вполне естественной свою влюбленность в "весьма миловидную деревенскую девушку" Альдонсу Лоренсо, прозванную им Дульсинеей Тобосской. Незнатность этой девушки - не помеха для любви.
Противоречивость Дон Кихота в том, что за гуманистические идеалы, порожденные антифеодальным характером Возрождения, он борется, применяя архаичные средства, почерпнутые из обветшавшего арсенала странствующего рыцарства. Из этой противоречивости героя вытекает и сложное противоречивое отношение к нему автора. Сервантес всегда дает почувствовать благородство самой идеи этой борьбы, что было подмечено И.С. Тургеневым: "Дон Кихот - энтузиаст, служитель идеи, а потому обвеян ее сиянием". Не случайно иногда образы героя и автора сливаются воедино: это бывает, когда герой особенно выразительно выступает в роли носителя человеколюбивой мечты автора-гуманиста о лучшей жизни, построенной на началах справедливости.
Не так прост и Санчо Панса - оруженосец Дон Кихота, типичный кастильский крестьянин, неимущий, но чуждый приниженности, знающий себе цену, настоящий носитель народной мудрости, часто прикрытой веселой шуткой. Он тоже энтузиаст, без долгих размышлений последовавший за Дон Кихотом и оставивший родную деревню сначала ради надежды на получение обещанного Дон Кихотом "острова", а позже - просто из человеколюбия по отношению к непрактичному идальго, которого ему уже жаль оставлять без своей помощи. Благотворное воздействие рыцаря-гуманиста дало возможность раскрыться в Санчо Пансе замечательным качествам народного мудреца. Ни в одном произведении ренессансной литературы крестьянин не ставится на такой пьедестал, на каком он находится в романе Сервантеса.
В отношениях главных героев осуществлено приближение к гуманистическому идеалу взаимоотношений между людьми. Писатель дает почувствовать, как душно было жить его тонко чувствующему герою в мире заносчивости и стяжательства. Сравнительно ранняя смерть Дон Кихота, которого, по словам Санчо Пансы, "сжигала со света тоска", не кажется неожиданной.
К большим достоинствам романа относится широкий показ в нем испанской действительности конца XVI - начала XVII в. со всеми ее противоречиями, с выражением симпатии к демократическим кругам общества. Велики художественные достоинства "Дон Кихота", особенно его замечательный язык, то архаичный и велеречивый у Рыцаря печального образа, то искрящийся всеми красками народной речи у Санчо Пансы, то выразительный и точный у самого автора. Сервантесу принадлежит большая заслуга в создании испанского литературного языка, в основу которого положено кастильское наречие.
Роман "Дон Кихот" - одно из величайших произведений мировой литературы, оказавшее огромное влияние на формирование последующего реализма.
Лопе де Бега (1562-1635) - великий испанский писатель Возрождения, драматургия которого принесла ему заслуженную славу одного из титанов эпохи. Обширное и разнообразное по содержанию драматургическое наследие Л. де Вега - им написано более двух тысяч пьес, из которых опубликовано около 500, - обычно принято делить на три группы. Первую из них составляют социально-политические драмы, построенные преимущественно на историческом материале. Вторая включает бытовые комедии семейно-любовного характера (иногда их называют комедиями "плаща и шпаги" - из-за характерного одеяния дворянской молодежи). В третью группу входят пьесы религиозного характера.
Для понимания особенностей драматургических произведений Л. де Вега большое значение имеет его теоретический трактат "Новое искусство сочинять комедии в наши дни" (1609). В нем сформулированы основные положения испанской национальной драматургии с ее ориентацией на традиции народного театра, с критическим отношением к строгому следованию пресловутым "правилам" аристотелевско-классицистской поэтики (где было более приписанного Аристотелю, чем действительно выдвинутого им), со стремлением удовлетворить запросы зрителей и правдоподобностью показываемого на сцене, и искусным построением интриги, крепко завязанной в узел, который не давал бы пьесе возможности распадаться на отдельные эпизоды. Драматургия Л. де Вега являлась осуществлением его теоретических воззрений.
В его бытовых комедиях большей частью показана борьба молодых людей, выходцев из среднего дворянства, за свое личное счастье. Они преодолевают различные препятствия, которые ставятся сословными предрассудками и деспотической властью родителей. Симпатии автора на стороне естественного человеческого чувства, не признающего сословных перегородок. Лучшие из его бытовых комедий - "Учитель танцев", "Собака на сене", "Девушка с кувшином" и другие. Это, как правило, комедии интриги, где психологической мотивировке действия уделяется мало внимания и преграды, стоящие на пути любящих, преодолеваются сравнительно легко. Глубокая по содержанию, яркая в художественном отношении драматургия Л. де Вега служила образцом для многих испанских писателей-драматургов. Лучшие из его пьес идут на сценах театров всего мира.
