Любой, кому интересно русское искусство, не обойдется без изучения коллекции картин, собранной в Третьяковской галерее. В ней, правда, более 180 000 экспонатов, и фонды регулярно пополняются. Чтобы изучить все, жизни не хватит! А вот узнать самые интересные факты из истории нескольких десятков шедевров основной экспозиции можно, прочитав нашу статью.
Андрей Рублев. Троица (1411 или 1425-27)
Есть что-то общее между рублевской Троицей и Джокондой. То, что заставляет возвращаться к ней вновь и вновь, а уходить с подсознательным ощущением неразгаданной тайны. Многие исследователи считают, что эта икона вообще лучшая из созданных. Хотя написана совсем просто, без «лишних» фигур и деталей.
Ветхозаветный сюжет «Гостеприимство Авраама» из XVIII главы библейской книги Бытия рассказывает, как праотец встретил у дубравы Мамре троих странников. Пригласив их к трапезе в своем доме, Авраам услышал предсказание, что у него родится сын Исаак и их семья станет началом избранного народа. Так вот, на других иконах Троицы изображали Авраама, Сарру, домашних животных и прочие детали. Здесь же – только три фигуры, вписанные в круг.
Больше века не утихают споры, кто из трех изображенных вестников – Бог Отец, Бог Сын и кто Святой Дух. И еще удивительный факт в истории деревянной доски с уникальным изображением: около четырех веков икона тихо жила в храме, и только в начале XX века было доказано, что это работа одного из величайших иконописцев.
Владимир Боровиковский. Портрет М.И. Лопухиной (1797)
Павел Михайлович Третьяков однажды пришел в гости к московскому губернатору и уговорил хозяина продать ему портрет, который его поразил.
«Это моя тетя Мария Лопухина», – рассказала супруга губернатора.
Молодая женщина, которую запечатлел художник Боровиковский, была урожденной графиней Толстой, дочкой генерала в отставке Ивана Толстого. Совсем юной девочкой ее выдали замуж за егермейстера двора Степана Лопухина. Может показаться, что Мария позирует в парке, на самом деле работа над портретом шла в мастерской художника, а фон декоративный.
Всего через три года после этого героиня картины умерла в 21 год. Во времена Пушкина ходили слухи, что портрет приносит несчастья: стоит незамужней девушке посмотреть на картину, и она вскоре заболеет и умрет. И все-таки юной Лопухиной восхищались и посвящали ей стихи. А Третьяков, купив картину для своей галереи, положил конец шлейфу мистических историй.
Василий Тропинин. Кружевница (1823)
Бывший крепостной, получивший вольную в 47 лет, добился этим портретом официального признания. Точнее, представил он в Академию живописи три картины – «Кружевница», «Нищий старик» и «Портрет художника Е.О. Скотникова». И тут же был удостоен звания назначенного художника, а через год стал академиком. Более того, он вдруг стал популярным живописцем. Причем именно «Кружевница» сыграла в успехе ключевую роль. Простая девушка за работой была изображена с таким изяществом и очарованием, что к Тропинину буквально повалили заказчики.
Он написал более 3000 портретов: московских дворян, купцов, чиновников, артистов, писателей, коллег-художников. И знаете, в чем секрет? Героев своих картин он всегда изображал в наилучшем расположении духа, говоря при этом: «Кто же любит в жизни смотреть на сердитые, пасмурные лица?» Пусть, мол, любящие этого человека помнят его в лучшие минуты жизни.
Орест Кипренский. Портрет А.С. Пушкина (1827)
Самый известный портрет великого русского поэта заказал его друг Антон Дельвиг. А самому Александру Сергеевичу работа художника так понравилась, что он тут же сочинил строки:
«Себя как в зеркале я вижу,
Но это зеркало мне льстит,
Оно гласит, что не унижу
Пристрастья важных аонид.
Так Риму, Дрездену, Парижу
Известен впредь мой будет вид».
В Третьяковке портрет с 1916 года: галерея приобрела картину у внука поэта, Григория Александровича Пушкина.
Карл Брюллов. Всадница (1832)
Живописец довольно долго жил в Италии. Там он подружился с русской графиней Юлией Павловной Самойловой, и знаменитый конный портрет был создан как раз по ее заказу. В собрании графини полотно находилось четыре десятка лет, а когда было продано и затем оказалось в России, началась путаница. Многие считали, что на картине изображена сама красавица Самойлова. Затем выяснилось, что это не так, и обе девочки – воспитанницы графини. Старшую зовут Джованнина, младшую Амацилия, и считаются они дочками итальянского композитора Паччини. Опять же не факт: есть свидетельства, что дочкой Паччини была только крошка Амацилия, а Джованнина – племянница мужа Самойловой, оперного певца Перри.
Но и это еще не все: один миланский адвокат подарил гравюру с портрета музею знаменитого театра «Ла Скала», решив, что на нем изображена оперная дива Мария Малибран, трагически погибшая в 28 лет. Звезда оперы сильно разбилась, упав с лошади, и умерла от ушибов. И вот, представьте, «Всадница» из-за этой ошибки получает мрачную славу картины, способной приносить несчастья. Со временем, конечно, все это забылось, осталось только восхищение мастерством художника.
Павел Федотов. Завтрак аристократа (1850)
Картина маслом – своего рода карикатура, как и многие работы Федотова: сатирические зарисовки из современной жизни. В 1848 году художник прочитал в журнале «Современник» фельетон Ивана Гончарова «Письма столичного друга к провинциальному жениху». Автор «Обломова» прошелся по столичным франтам, которые готовы «два месяца дурно обедать», чтобы надеть в свет «привезенные только третьего дня панталоны известного цвета с лампасами». Ключевым был вопрос: «А пробовал ли ты нечаянно приезжать к таким людям домой и заставать их врасплох?»
Что из этого вышло бы, наглядно продемонстрировал Федотов. Сам он, кстати, называл картину «Не ко времени гость». Этот самый утренний гость и вызвал панику хозяина, который в спешке прикрывает кусок черного хлеба – свой скудный завтрак. Очень это неприлично для светской особы – есть черный хлеб. Аристократам полагался только дорогой, белый, но у молодого человека, судя по вывернутому наизнанку кошельку, совершенно нет денег. При этом он явно любит пускать пыль в глаза: одет в модном восточном стиле, окружил себя предметами роскоши вроде затертого уже персидского ковра, и даже пудель у него подстрижен по моде – «под льва».
Александр Иванов. Явление Христа народу (Явление Мессии) (1837–1857)
Двадцать лет на одну картину, можете себе представить! А фактически даже больше. Художника не случайно называют мастером одного шедевра. Задумав грандиозное полотно на евангельский сюжет, Иванов написал огромное количество этюдов с натуры. Только в Третьяковской галерее их больше 300. Идущий к людям Иисус, указывающий на него Иоанн Креститель, будущие апостолы Иоанн, Петр, Андрей и Нафанаил, множество других персонажей… Для одного из них художнику даже позировал Гоголь.
И вот долгожданную картину привозят из Италии в Россию и представляют публике. Вместо триумфа – странное разочарование. То ли ждали большего после впечатляющих этюдов, то ли российские умы были слишком заняты предстоящей отменой крепостного права. К тому же обнаружились «недоделки»: к примеру, старик слева одет в светлую повязку, а в отражении он красная.
Вскоре после презентации художник умер от холеры. Уже после его смерти император купил картину, дав указание построить для нее отдельный павильон в Румянцевском музее. Кстати, в Третьяковке, куда «Явление Мессии» попало в 1920-м, для нее тоже пристроили отдельный зал к зданию в Лаврушинском переулке.
Василий Пукирев. Неравный брак (1862)
Едва окончив Московское училище живописи, ваяния и зодчества, Пукирев написал картину, за которую ему сразу присвоили звание профессора. При том, что это не батальное полотно или масштабный исторический холст. Всего-то навсего зарисовка, скромная свадьба в небольшой церкви, но сколько в ней мастерства, смысла и настоящих чувств. Целая трагическая история в одном «кадре». Хрупкая юная девушка-невеста, титулованный старик-жених, с досадой реагирующий на ее слезы. И другие персонажи, каждый из которых настолько выразителен, что можно, кажется, снимать про их взаимоотношения целый сериал.
Есть, например, высказанное одним из ведущих искусствоведов Третьяковки предположение, что две старухи (слева от жениха и слева от священника) не случайно облачены в венчальные уборы и написаны в призрачной манере, в отличие от остальных людей на картине. Не тени ли это прошлых жен, который уморил своей жестокостью нынешний жених? Что касается молодого человека со скрещенными руками за спиной невесты, в его чертах есть сходство с самим художником, что заставило современников считать, что Василий Пукирев рассказал таким образом о собственной несчастной любви.
Константин Флавицкий. Княжна Тараканова (1864)
В истории Петербурга было несколько сильнейших наводнений, одно из которых случилось в сентябре 1777 года. Вода в Неве поднялась более чем на три метра от своего обычного уровня. По одной из легенд, во время этого наводнения погибла заточенная в Петропавловскую крепость княжна Тараканова. Эта версия стала основой лучшей работы Флавицкого, который прожил всего 36 лет.
История происхождения княжны покрыта тайной. Таракановыми называли самозванцев, якобы незаконнорожденных детей императрицы Елизаветы Петровны. Едва в России был подавлен бунт одного из таких «наследников», Емельяна Пугачева, как появилась красавица-авантюристка, которая сначала назвала себя мадмуазель Франк, затем мадам Тремуйль. Вдруг выяснилось, что она персиянка по имени Али-Эмете и, наконец, девушка объявила себя Елизаветой Владимирской, дочерью императрицы и ее последнего фаворита, генерала Алексея Разумовского.
Екатерина Вторая поручила заняться новоявленной претенденткой на престол графу Орлову, а тот, изобразив влюбленность и добившись взаимности, похитил княжну под предлогом тайного венчания на борту русского корабля. Вместо этого Тараканова была арестована и отправлена в крепость. Там, возможно, и закончилась ее жизнь. Хотя конец истории незнакомки так же загадочен, как и ее начало.
Василий Перов. Тройка (1866)
У картины есть второе название – «Ученики-мастеровые везут воду». Рассказывают, что художник никак не мог найти образ центрального из трех ребятишек, которые тянут тяжелую бочку. Крайние – девочка и мальчик – уже были написаны, когда Перов увидел на улице крестьянку с сыном, которые шли из Рязанской губернии в Троице-Сергиеву лавру. Лицо мальчика поразило художника. Но тетушка Марья, у которой погибли муж и дети, долго не соглашалась, чтобы ее Вася, единственный оставшийся в живых, позировал.
Остановиться им было негде, Перов предложил ночлег и показал неоконченную работу в мастерской. Женщина в конце концов дала согласие. Картина получилась такой выразительной и реалистичной, что была сразу приобретена Третьяковым и выставлена в галерее.
Спустя 4 года на пороге мастерской появилась Марья. Она рассказала, что год назад Вася заболел и умер. Мать продала все, что у нее было, чтобы купить картину. Узнав, что полотно продано, несколько часов простояла перед ним на коленях в зале галереи. Автор картины пообещал написать портрет мальчика и сдержал обещание, отправив его Марье в деревню в золоченой раме.
Василий Верещагин. Апофеоз войны (1871)
Необычная деталь – у этой картины есть надпись на раме: «Посвящается всем великим завоевателям – прошедшим, настоящим и будущим». Считается, что все остальные работы художника – репортажные, на них он изображал то, что видел в реальности, участвуя в военных кампаниях русской армии. И тольно на этой – события давней истории, а точнее – XIV века.
Жестокий полководец Тамерлан, завоевав и разграбив Дели, отдал приказ обезглавить более 100 тысяч мирных жителей и сложить из их голов огромные пирамиды, прославляющие его как полководца. Подобная гора черепов кисти Верещагина стала жутким символом бессмысленности жертв всех войн на земле.
Василий Перов. Охотники на привале (1871)
Самая популярная из целой охотничьей серии работ Перова. Он и сам был заядлым охотником, а в персонажах картины современники без труда узнали его знакомых. Одни восхищались и сравнивали «привал» с охотничьими рассказами Тургенева, другие ругали за неестественность и наигранную театральность. Художник применил интересный прием: «подсветил» руки и лица, придав тем самым жестам и мимике особую выразительность. А уж как выписана дичь! Можно сказать, отдельный натюрморт.
В советские времена «Охотники на привале» пользовались какой-то немыслимой популярностью: на каких только стенах не висели ее репродукции. Если человек увлекался охотой, хорошим тоном считалось непременно вручить ему экземпляр в рамочке.
Алексей Саврасов. Грачи прилетели (1871)
Вот загадка – вроде бы ничего особенного не изображено на этой небольшой картине, но именно она стала знаменитой настолько, что печаталась в школьных учебниках. Невзрачный пейзаж с покосившимися избами, голыми ветками деревьев и черными птицами был написан не в лучшее время. Саврасова с семьей выгнали с казенной квартиры в разгар учебного года: в училище живописи решили, что у него недостаточно учеников. Он поехал на Волгу, сделал множество этюдов в Костроме, Юрьевце, Нижнем Новгороде… В Ярославле начал «Грачей», а сложилась картина, когда он нашел церковь Вознесения Христова в селе Молвитино.
Картина была выставлена на первой выставке передвижников и как-то сразу стала классическим образцом нового жанра – лирический пейзаж. Хорошо сказал Иван Крамской: во всех пейзажах есть вода, деревья, воздух. А в «Грачах» – душа.
Виктор Васнецов. Аленушка (1881)
Девушку, ставшую сказочной Аленушкой на картине, Виктор Михайлович случайно встретил в Ахтырке – усадьбе в Подмосковье. И представил ее в образе сказочной героини, которая грустит о братце Иванушке. Потомки удивлялись, почему художник поначалу назвал полотно «Дурочка Аленушка». Но это вовсе не оскорбление. Дурочками называли и юродивых, и сирот. В сказке сестра и брат – как раз сироты. Но самое удивительное, что героиня картины – и сказочная, и очень реальная. Такое сочетание – «фирменная» особенность манеры Васнецова.
Василий Суриков. Утро стрелецкой казни (1881)
Реальные исторические события отражены на полотне: в 1698 году царевна Софья возглавила Стрелецкий бунт, который был жестоко подавлен. Петр I сам отрубил головы пятерым приговоренным, а всего было казнено более 2000 человек. Еще несколько сотен публично биты и сосланы. Суриков запечатлел самый трагичный момент – не саму гибель, а прощание с родными привезенных на место казни стрельцов.
Интересно, что художник сблизил исторические сооружения, сократив реальные расстояния между ними. При этом приговоренные (мученики) изображены на фоне храма Василия Блаженного, а Петр I и его приближенные (власть) – на фоне Кремлевской стены.
Иван Крамской. Неизвестная (1883)
Едва ли не самый скандальный и загадочный портрет в истории. Крамской представил «Неизвестную» публике на выставке передвижников в марте 1883 года. Написана она была вызывающе «не в духе» товарищества художников. Дама была вызывающе дорого одета: модный берет «франциск» с пером, пальто дорогого сукна и муфта, отделанные соболем, лайковые «шведские» перчатки. К тому же передвигаться одной в коляске даме высшего света было неприлично. Павел Третьяков отчего-то отказался покупать ее для галереи, и полотно долго кочевало от одного владельца к другому, принося им, по легенде, несчастья. Пока все-таки не оказалось в Третьяковке.
Но самой главной тайной стала сама героиня. Все видели в ее лице что-то смутно знакомое, но никто не мог сказать наверняка, что за женщину изобразил художник. Версий несколько. По одной, это простолюдинка Матрена Саввишна, на который женился, влюбившись, молодой граф Бестужев. Потом, впрочем, разочаровался и бросил ее, а девушка умерла по пути в услужение к прежней барыне. Другая, еще более скандальная версия, – на портрете княжна Екатерина Долгорукова, невенчанная супруга императора Александра II, которая пошла ради любви против света.
И еще одна версия: Крамской увидел камею с портретом грузинской княжны Варвары Туркестановой и был поражен рассказом о судьбе фрейлины вдовы Павла I Марии Федоровны. Быть красивой и обладать острым умом – опасно для девушки при дворе. Император Александр I был покорен, но тайная связь не принесла княжне счастья. Она пыталась найти утешение в любви другого, родила дочку и покончила с собой, не выдержав позора.
Илья Репин. Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года (1885)
Редкий случай, когда картина пережила настоящее покушение. В 1913 году на нее с ножом и криками «Довольно крови!» кинулся один из посетителей Третьяковской галереи. Израненное полотно спасали реставраторы и сам художник, примчавшийся со своей дачи в Финляндии. Эмоции, которые запечатлел Репин, и в самом деле граничат с безумием.
Легенду о том, что царь Иван в приступе ярости убил своего сына, ударив жезлом в висок, пересказывали многие, а Николай Карамзин описал услышанное в «Истории государства Российского». Гнев был вызван то ли подозрением в предательстве, то ли просто тем, что жена царевича появилась на мужской половине терема простоволосой – с распущенными волосами и непокрытой головой. Взгляд Ивана Грозного, его лицо выглядят так, что даже самому художнику становилось страшно. Он признавался, что прятал картину, отворачивал ее к стене, но что-то заставляло его снова браться за кисть, и он работал как одержимый.
Многие историки, впрочем, считают историю убийства мифом. По некоторым свидетельствам, сын Грозного умер от тяжелой болезни.
Валентин Серов. Девочка с персиками (1887)
Девочка с картины – Вера Саввишна Мамонтова. Ей было 11 лет, когда в усадьбу ее отца, известного мецената, приехал погостить Валентин Серов. Художнику было всего 22 года, и он только что вернулся из Италии. И вот в какой-то момент Вера забежала в столовую я взяла со стола персик. А гость загорелся написать ее портрет, чтобы передать эту свежесть, легкость и ощущение простого счастья.
Веру вообще часто писали художники, приезжавшие в Абрамцево. Ее черты находят в «Снегурочке», «Египтянке» Врубеля, его же Тамаре в иллюстрациях к «Демону». Кисти Васнецова принадлежат ее портреты «Девушка с кленовой веткой», «Боярышня». Но жизнь, которая так красиво и благополучно начиналась, оборвалась неожиданно и трагично. В 27 лет Вера вышла замуж за Александра Самарина, предводителя московского дворянства, родила троих детей. А затем вдруг заболела воспалением легких и сгорела в считаные дни. Ей было всего 32 года. Самарин больше не женился, в 20-е годы был арестован и сослан в лагеря. Умер в ГУЛАГе в 1932 году.
Василий Суриков. Боярыня Морозова (1887)
Огромное полотно, 3,04 на 5,87 м, рассказывает о реальном событии: в ноябре 1674 года боярыню-староверку отправили в заточение в земляную тюрьму одного из монастырей, где она вскоре умерла.
Феодосия Морозова была приближенной царя Алексея Михайловича, носила при дворе чин верховной боярыни. В 30 лет осталась вдовой, но влияния и богастства не растеряла. Феодосия не приняла церковные реформы патриарха Никона, последовав в вопросах веры за протопопом Аввакумом. Даже приняла тайный постриг в монахини. За приверженность старообрядчеству она и пострадала.
Суриков рассказывал об этом образе так: «Раз ворону на снегу увидал. Сидит ворона на снегу и крыло одно отставила. Черным пятном на снегу сидит. Так вот этого пятна я много лет забыть не мог. Потом „Боярыню Морозову“ написал».
Илья Репин. Не ждали (1988)
Картину Репина «Не ждали» знают, наверное, все в России. Раньше по ней в школах полагалось писать сочинения. А в наше время по просторам интернета ходит множество мемов. Один из них припасен для вас в нашей небольшой галерее, после двух вариантов знаменитого холста (оба находятся в Третьяковке). В более раннем «не ждали» девушку-курсистку.
По сюжету политический ссыльный возвращается с каторги домой, и потерявшие надежду его увидеть близкие испытывают самые разные чувства. Вплоть до испуга младшей дочки, которая совсем не помнит отца. Позировали художнику его близкие – жена, дочь, теща, друзья. А главный герой написан с писателя Всеволода Гаршина. По совету Третьякова, кстати, который не хотел покупать картину и требовал переписать лицо ссыльного. Репин обиделся, но переписал. Правда, и цену поднял.
Иван Шишкин. Утро в сосновом лесу (1889)
Как только не называют эту картину – и «Утро в сосновом бору», и «Мишки в сосновом лесу», и просто «Мишки» Шишкина. Последние два варианта, пожалуй, оттого, что репродукцию печатали на фантиках советских конфет «Мишка косолапый». Правда, считается, что как раз медведей вписал в пейзаж не Шишкин, а его друг Константин Савицкий. А коллекционер Павел Третьяков будто бы распорядился стереть с купленного полотна подпись Савицкого.
Так или иначе, пейзаж великолепен. Рассказывают, что Шишкин три месяца жил в шалаше в брянских лесах, работая над своими картинами, а добавить к готовому пейзажу живых персонажей предложила жена художника. Причем кроме медведей кандидатами были кабаны и лоси.
Михаил Врубель. Демон сидящий (1891)
Лермонтов писал поэму «Демон» 10 лет. Врубель работал над своими демонами двенадцать. «Демон сидящий», «Демон летящий», «Демон поверженный» и еще сотни эскизов. А в итоге лермонтовского падшего ангела уже трудно представить другим.
Можно, конечно, рассуждать об особой врубелевской манере письма, о том, что он искусственно сужает пространство, заставляя духа изгнания сутулиться и задыхаться, как в заточении. Но даже это не объясняет, почему подходишь к этой картине – и проваливаешься в потусторонний мир, где нет ни времени, ни рациональных категорий.
Илья Репин. Запорожцы (1891)
Чаще картину называют «Запорожцы пишут письмо турецкому султану». Идея возникла, когда Репин пришел в гости и услышал рассказ историка Дмитрия Яворницкого. Тому как раз передали найденную копию письма, написанного в 1676 году кошевым атаманом Иваном Серко и его казаками султану Османской империи Мехмеду IV в ответ на его ультиматум и требование к Запорожской Сечи подчиниться. Можно себе представить, как веселилась казачья вольница, придумывая ответ, который под диктовку выводил писарь. Гости на светской вечеринке тоже от души хохотали, когда Яворницкий зачитывал им: «Ты – шайтан турецький, проклятого чорта брат и товарыщ и самого люциперя секретарь!» А у художника тут же сложился замысел его будущего шедевра, где все персонажи настолько живые, что зритель словно оказывается внутри реальной исторической сцены.
В романе Ильфа и Петрова «Двенадцать стульев» Остап Бендер собирался написать по мотивам «Запорожцев» гениально задуманную картину «Большевики пишут письмо Чемберлену». А еще в Советском Союзе репродукцию картины печатали на пачке папирос «Запорожцы».
Виктор Васнецов. Богатыри (1898)
Картина стала настолько популярной, что все так и думают, что Илья Муромец, Добрыня Никитич и Алеша Попович разъезжали по полям втроем, дружно оберегая землю русскую от вероломных захватчиков. Фокус в том, что встреча этих героев русских былин могла случиться только на картине. Богатыри сильно различались по возрасту – по сути, жили в разное время. В тот момент, когда Илья выглядел примерно так, как на полотне, Добрыня должен был быть глубоким стариком, а Алеша – ребенком.
Но для художника богатыри были символом, и работе над полотном он отдал всю душу, множество сил и больше 20 лет жизни. Все это время гигантский холст неотступно следовал за художником и его семьей – из Москвы в Киев или, к примеру, на дачу летом. А то в поля близ конюшен Саввы Мамонтова, откуда приводили скакунов для позирования. А уж образы богатырей оказались настолько собирательными! Для этюдов позировали родные и друзья, известные люди и простые крестьяне. Добрыня Никитич, например, считается едва ли не фамильным портретом Васнецовых – для набросков не однажды позировали родственники художника, и есть даже сходство с ним самим.
Михаил Врубель. Царевна-лебедь (1900)
Фантастически красивый портрет любимой женщины. На картине жена художника, певица Надежда Забела, в сценическом костюме, созданном по его же рисункам. Врубель работал над эскизами декораций и костюмов к опере «Сказка о царе Салтане» Римского-Корсакова.
Но образ далек и от реальности, и от светлой сказки. В нем тайна сразу двух стихий – темной холодной воды и воздуха, в который уносятся птицы. И еще мистика невероятных глубоких глаз.
Кузьма Петров-Водкин. Купание красного коня (1912)
Говорят, начинал художник работу как обычную бытовую зарисовку – жил он в то время в Камышине, имении на Волге. А в итоге вышло и необычно, и символично, и видит каждый в этом свой особый смысл. Чаще всего говорят о предчувствии грядущих событий – революций, войн, надвигающейся катастрофы. А еще поразительно то, что работа, в чем-то даже опередившая время, созвучна русской иконописи – и цветами, и образом всадника, напоминающего о Георгии Победоносце, и особым приемом, когда совмещаются вид сверху и сбоку.
Весной 1914 года Петров-Водкин отправил свою картину в Швецию на международную выставку в городе Мальмё. И больше никогда не видел ее. «Красный конь» вернулся в Россию только в 1950 году, когда художника уже не было в живых.
Казимир Малевич. Черный супрематический квадрат (1915)
Скажите честно, приходило вам в голову, что значение этой картины сильно преувеличено? В самом деле, просто квадрат, что-то замазанное черной краской – и что здесь такого? К тому же Малевич, кажется, не слишком старался! Поверхность потрескалась, и сквозь черный просвечивают другие цвета. А ведь художник даже сам делал копию со своей картины в Третьяковке – еще в 1929 году специалисты сочли, что она неважно сохранилась. Но именно черный квадрат Малевича стал иконой супрематизма и символом современного искусства на много десятилетий вперед. И никакие желтые, красные, зеленые, разноцветные прямоугольники, полосы и прочие геометрические фигуры этого успеха не повторили.
Кстати, задумывалась картина как часть триптиха, и ее «соседи» – черные круг и крест. А вот и еще пара удивительных фактов. Во-первых, квадрат – вовсе не квадрат. У него есть сторона, строго говоря, не параллельная противоположной и не перпендикулярная прилегающим. А во-вторых, он вовсе не черный! Цвет получен смешением красок, среди которых как раз черной-то и не было.
Марк Шагал. Над городом (1918)
Вот она, главная любовь всей жизни художника – Белла (Берта) Розенфельд. Шагал прожил почти сто лет и после смерти своей первой супруги, эмигрировав и живя во Франции, был женат еще несколько раз. Но именно первая жена видится во всех женских образах на его полотнах, настоящая его половинка – как на этой картине, где Марк и Белла летят над родным городом Витебском.
Если присмотреться, двое влюбленных – как одно целое, перетекающие друг в друга тела и контуры: две руки на двоих, сливающиеся ноги… А характерный шагаловский полет – отражение целой истории о счастье. После знакомства в 1909 году, когда сын разнорабочего виделся совсем не парой богатой дочке ювелира, Шагал уехал в Париж, чтобы выучиться и прославиться. Четыре долгих года разлуки дались влюбленным непросто, но художник добился своего. В 1915 году они поженились. А картину, на которой две души парят в небесах, он начал в 1914-м, а завершил, уже прожив с любимой три счастливых семейных года.
Борис Кустодиев. Большевик (1920)
Кустодиев скорее ассоциируется с «Купчихой за чаем» или «Русской Венерой», но настоящий художник отражает время, в котором живет. А время было таким.
Огромный человек шагает по городу, заполненному людьми, с алым флагом. Полотнище полыхает, как огонь революции, а великан, кажется, готов перешагнуть и людей, и церковь, попавшуюся на его пути. Или наступить на них. Правда, большевики трактовали картину иначе – как праздничный дух революционной победы.
Федор Решетников. Опять двойка (1952)
Еще одна картинка из школьных учебников. На самом деле художник сначала написал другую работу – «Прибыл на каникулы». Юный суворовец приезжает в родной дом на Новый год, а дед встречает его по стойке смирно, демонстрируя военную выправку. И вот в продолжение серии положительных образов советских школьников Решетников задумал картину об отличнике. Отправился в школу на урок, сел с блокнотом на заднюю парту, а учительница вызвала к доске лучшего ученика. Но тот занервничал, приняв его за проверяющего, растерялся и не смог решить задачу. В набросках мальчишка получился грустным, виновато опустившим голову. В процессе работы автор «перенес» его из школьного класса в домашнюю обстановку. Теперь «Опять двойка» и напоминает о прежних методах школьного воспитания и о том, как последующие поколения вымучивали сочинения на заданную тему.
А знаете, что оказалось самым сложным в работе над картиной? Заставить собаку подольше постоять на задних лапах! Для этого ей скормили немыслимое количество бутербродов.
Павел Третьяков первый русский продюсер
Увлекательно об искусстве: 12 образовательных Instagram-аккаунтов
Опасная красота: 13 картин, которые приносят несчастья
«Явление Христа народу» А.А. Иванов
А.А. Иванова можно назвать «художником одной картины». Эпическое полотно «Явление Христа народу» он писал 20 лет. На картине изображен момент сошествия Христа к реке Иордан и встречи его с Иоанном Крестителем. Моделями для многих персонажей картины послужили реальные люди – в частности, сам художник и его друг Н.В. Гоголь.
Картина была выставлена в Санкт-Петербурге в мае 1858 года, а через полтора месяца художник скончался. Когда в 1925 году картину было решено переместить в Третьяковскую галерею, для громадного полотна размером 5,4 х 7,5 метров не нашлось подходящего по размеру помещения, и для нее к основному зданию галереи пришлось пристраивать отдельный зал.
☼ ☼ ☼«Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года» («Иван Грозный убивает своего сына»), И. Е. Репин
До сих пор точно не известно, действительно ли Иван Грозный убил своего сына в припадке ярости, или это историческая легенда. Но это и неважно. На картине И.Е. Репина изображено главное – глубинная сущность зла, выросшего из упоения властью, деспотизма и вседозволенности. Это не только ошеломляющее по силе воздействия полотно, но и яркий индикатор человеческой злобы и нетерпимости.
Картина «Иван Грозный» стала первым в истории России произведением живописи, которое подверглось цензуре. Император Александр III запретил П. Третьякову, который купил картину, выставлять ее либо показывать частным образом. Сам Третьяков испытывал настолько сильное негативное эмоциональное воздействие этого произведения, что ему пришлось переместить полотно в отдельное помещение. В 1913 году картина подверглась вандализму – была изрезана неуравновешенным старообрядцем-иконописцем. В 2013 г. группа агрессивных православных активистов попыталась организовать удаление картины из экспозиции музея.
☼ ☼ ☼«Апофеоз войны» В.В. Верещагин
«Апофеоз войны» - глубоко символичная картина знаменитого художника-баталиста Верещагина, которому довелось участвовать в военных действиях по всему миру, от Балкан до Туркестана, Индии и Китая. Это яркий и выразительный протест против войн и насилия.
Сам Верещагин с горькой иронией определял жанр своей картины так: «если не считать ворон, то это натюрморт, в переводе с французского "мертвая природа"». Действительно, огромная гора черепов, иссеченных саблями и пробитых пулями, в иссохшей каменной пустыне под ярко-синим небом – «мертвая природа», закономерный итог любых военных конфликтов. На раме картины сделана надпись: «Посвящается всем великим завоевателям - прошедшим, настоящим и будущим».
☼ ☼ ☼«Боярыня Морозова» В. И. Суриков
Эпическое историческое полотно было написано В. Суриковым по мотивам «Повести о боярыне Морозовой» - жизнеописания героини старообрядческого движения, которое было популярно в его родных сибирских краях. Картина «Боярыня Морозова» до сих пор остается одной их центральных в экспозиции Третьяковской галереи. Критики того времени сравнивали ее с «персидским ковром» за изображение пестрой многоликой толпы, образующей своеобразный «узор». Примечательно, что лица всех изображенных персонажей, даже второстепенных, строго индивидуальны и тщательно выписаны. Для этой картины Суриков создал более сотни портретных этюдов!
☼ ☼ ☼«Кружевница» В. А.Тропинин
До 47-летнего возраста В.А. Тропинин был крепостным. Правда, его хозяин, граф Морков, заметил художественное дарование юноши и на несколько лет отправил его учиться в петербургскую Академию художеств, но позже Тропинину пришлось долгие годы совмещать обязанности придворного живописца и слуги. Он получил «вольную» лишь в 1823 г., и в этом же году написал картину «Кружевница», поразившую художественных критиков лиризмом и непосредственностью. Произведение пронизано духом интимности и радости повседневной жизни. Задушевные женские образы Тропинина стали классикой русской живописи, а его самого называли «Русским Рембрандтом».
☼ ☼ ☼«Утро в сосновом лесу» И. Шишкин, К. Савицкий
Картина «Утро в сосновом лесу» больше известна в России под народным названием «Три медведя». Во времена СССР выпускались популярные шоколадные конфеты «Мишка косолапый», на обертке которых была изображена репродукция этого произведения. На самом деле медведей на картине четыре, а не три. Затянутый утренним туманом вековой бор принадлежит кисти непревзойденного мастера пейзажа И. Шишкина, забавных медвежат написал художник Константин Савицкий. Но после приобретения картины П. Третьяков стер подпись Савицкого, поэтому ее авторство долго приписывали одному Шишкину.
☼ ☼ ☼«Демон сидящий» М. Врубель
Врубелевские образы демонов – уникальное явление в русской живописи. Они не имеют ничего общего с библейским воплощением зла. Демоны Врубеля олицетворяют силу и величие человеческого духа, обуреваемого сомнениями, скорбью и страданиями. Наиболее выразителен в этой галерее образов «Демон сидящий». Он воплощен в образе юноши, словно зажатого между верхней и нижней гранью картины на фоне пылающего заката. Эффект тревоги и смятения подчеркивает специфическая, неповторимая живописная манера Врубеля, - резкие вибрирующие мазки, напоминающие мозаику. Вопреки распространенному мнению, «Демон» написан еще до того, как Врубель начал иллюстрировать одноименную поэму Лермонтова.
☼ ☼ ☼«Богатыри» В. Васнецов
«Богатыри» - не только самая известная картина В. Васнецова, но и одно из самых популярных художественных произведений в России. Ее знают все от мала до велика, чаще под названием «Три богатыря». Богатырская тематика – основа народной мифологии Руси. Имена Ильи Муромца, Добрыни Никитича и Алеши Поповича, доблестных защитников русского народа, знакомы нам с детства.
В. Васнецов писал картину «Богатыри» более 20 лет, доводя до совершенства каждую деталь. Он считал эту работу своим «творческим долгом, обязательством перед родным народом». Меценат Савва Мамонтов построил в имении Абрамцево отдельный павильон, где Васнецов мог работать над огромным полотном. Прообразом Ильи Муромца стал кузнец из Абрамцева Иван Петров, Алеши Поповича – младший сын Мамонтова Андрей. А вот Добрыня Никитич – собирательный образ самого художника, его отца и деда.
☼ ☼ ☼«Девочка с персиками» В.А. Серов
«Девочка с персиками» - одно из самых радостных, свежих и лирических живописных полотен конца XIX века. Она была написана двадцатидвухлетним В. Серовым в Абрамцево – усадьбе мецената Саввы Мамонтова, где часто собирались известнейшие художники того времени. На портрете изображена дочь хозяина, 12-летняя Вера Мамонтова. Кстати, персики, разложенные на столе, вовсе не были привезены из теплых краев, их выращивал в оранжерее усадьбы садовник-виртуоз. Позже В. Серов стал одним из лучших портретистов Европы и увековечил многих знаменитых современников, но «Девочка с персиками» до сих пор остается самой известной его работой.
☼ ☼ ☼«Купание красного коня» К.П. Петров-Водкин
«Купание красного коня» К. Петрова-Водкина – одно из самых необычных и символичных живописных произведений начала ХХ века. Оригинальная сферическая перспектива и цветовая гамма картины созданы под влиянием традиций русской иконописи и итальянских фресок. Когда критики обвинили художника в том, что красных коней не бывает, он показал им древнерусские иконы, на которых кони были того же цвета. В русской иконописи красный цвет обозначает величие жизни, а иногда и жертву. Современники считали картину Петрова-Водкина пророческой и ассоциировали красного коня с Россией, которую не в силах удержать юный хрупкий всадник.
Если вы нашли опечатку или ошибку, выделите фрагмент текста, содержащий её, и нажмите Ctrl + ↵
Государственная Третьяковская галерея появилась на карте Москвы во второй половине 19 столетия. Ее основатель купец Павел Третьяков долгие годы посвятил коллекционированию разнообразных предметов искусства, скопил отличную коллекцию и в 1892 году передал ее во владение города. С тех пор запасники музея значительно обогатились, а коллекция многократно выросла. Сегодня трудно сказать, сколько всего картин в Третьяковской галерее в . Но их общее количество в экспозиции превышает цифру в 7 тысяч.
Первые картины Третьяковской галереи
Начало коллекции русской живописи Павла Третьякова было положено в 1856 году, когда ее основатель приобрел две первые картины: «Стычка с финляндскими контрабандистами» кисти В.Худякова и «Искушение» работы Н.Шильдера. Немногим позднее к двум первым прибавилось еще 4 картины российских художников. Ими стали «Разносчик» В.Якоби, «Больной музыкант» М.Клодта, «Сбор вишен» И.Соколова и «Вид в окрестностях Ораниенбаума» А.Саврасова.
Самые известные картины Третьяковской галереи
Коллекция картин Третьяковской галереи содержит множество шедевров всемирной живописи, но большая ее часть все же посвящена русскому искусству.
Картина Ивана Крамского «Русалки» стала первой сказочной картиной не только в Третьяковской галерее, но и в истории всей русской живописи. Обычный ночной пейзаж стал по-настоящему волшебным после того, как автор поселил на холсте .
Еще одна картина сказочной тематики принадлежит кисти Виктора Васнецова и называется «Богатыри» .
Картина Михаила Врубеля «Демон сидящий» создана в сложной объемной технике рисования мастихином.
Картину Ивана Шишкина «Утро в сосновом лесу» знают в нашей стране и взрослые, и маленькие дети. И это неудивительно, ведь именно она стала визитной карточкой конфет «Мишка косолапый».
Картина Александра Иванова «Явление Христа народу» стала настоящим событием в истории русской живописи. Основанная на библейском сюжете, она поначалу не была принята отечественной публикой, получив высшие похвалы от итальянских критиков.
Полотно Василия Верещагина «Апофеоз войны» поражает не только мастерством автора, но и своим глубинным смыслом. К любому, взглянувшему на эту картину, приходит осознание всего ужаса любой войны, какими бы благими целями она не оправдывалась.
Изучение картины Алексея Саврасова «Грачи прилетели» давно уже входит в школьную программу.
Картина Ильи Репина «Иван Грозный и сын его Иван» хотя и не безусловна в отношении исторической достоверности, поражает глубиной человеческих эмоций, на ней изображенных.
Не менее сильное впечатление производит и полотно «Утро стрелецкой казни» Василия Сурикова , посвященная одному из трагических событий в российской истории.
Еще одна картина Василия Сурикова , посвященная истории церковного раскола 17 столетия, называется «Боярыня Морозова» и является одной из основных в богатейшем собрании Третьяковской галереи.
Картина Василия Поленова «Московский дворик» приоткрывает зрителям окно в обычную московскую жизнь конца 19 века. Она написана с такой любовью к сюжету, что хочется возвращаться к ней снова и снова.
Портрет дочери известного мецената Саввы Мамонтова - Верочки - кисти Валентина Серова просто пронизан солнечным светом, и год за годом притягивает к себе тысячи посетителей галереи.
Портрет А.С.Пушкина кисти Ореста Кипренского занимает в Третьяковской галерее особое место.
Картина Карла Брюллова «Всадница» , написанная им в 1832 году, сразу же вызвала бурю восхищенных отзывов.
Сегодня в каждом музее можно послушать замечательных экскурсоводов, которые подробно расскажут и о собрании, и о художниках, в нем представленных. В то же время многие родители знают, что большинству детей сложно провести в музее даже час, а рассказы об истории живописи довольно быстро их утомляют. Чтобы дети в музее не заскучали, мы предлагаем «шпаргалку» для родителей - десять занимательных историй о картинах из Третьяковской галереи, которые будут интересны и детям, и взрослым.
1. Иван Крамской. «Русалки», 1871 г.
Иван Крамской в первую очередь известен как автор картины «Неизвестная» (ее часто ошибочно называют «Незнакомка»), а также целого ряда прекрасных портретов: Льва Толстого, Ивана Шишкина, Дмитрия Менделеева. Но детям лучше начинать знакомство с его творчеством с волшебной картины «Русалки», с которой связана вот какая история.
В августе 1871 года художник Иван Крамской гостил в загородном имении своего знакомого, любителя искусства и знаменитого мецената Павла Строганова. Гуляя по вечерам, он любовался луной и восхищался ее волшебным светом. Во время этих прогулок художник решил написать ночной пейзаж и постараться передать все очарование, все волшебство лунной ночи, «поймать луну» - по его собственному выражению.
Крамской приступил к работе над картиной. Появились берег реки в лунную ночь, пригорок и домик на нем, окруженный тополями. Пейзаж был прекрасен, но чего-то не хватало - волшебство на холсте не рождалось. На помощь художнику пришла книга Николая Гоголя «Вечера на хуторе близ Диканьки», точнее история под названием «Майская ночь, или Утопленница» - сказочная и немного жутковатая. И вот на картине появились девушки-русалки, освещенные лунным светом.
Художник так тщательно работал над картиной, что она стала ему сниться и ему постоянно хотелось что-то в ней доделать. Спустя год после того, как ее купил основатель Третьяковской галереи - Павел Третьяков, - Крамской в очередной раз захотел что-то в ней изменить и вносил небольшие правки прямо в выставочном зале.
Полотно Крамского стало первой «сказочной» картиной в истории русской живописи.
2. Василий Верещагин. «Апофеоз войны», 1871 г.
Так сложилось, что люди воевали всегда. Испокон веков отважные вожди и могущественные правители снаряжали свои армии и отправляли их на войну. Конечно же, они хотели, чтобы об их военных подвигах узнали далекие потомки, поэтому поэты слагали стихи и песни, а художники создавали прекрасные картины и скульптуры. На этих картинах война обычно походила на праздник - яркие краски, бесстрашные воины, идущие в бой…
Художник Василий Верещагин знал о войне не понаслышке - он не раз принимал участие в боях - и написал множество картин, на которых изобразил то, что видел собственными глазами: не только бравых солдат и их военачальников, но и кровь, боль и страдание.
Однажды он задумался о том, как показать в одной картине все ужасы войны, как дать зрителям понять, что война - это всегда горе и смерть, как дать другим взглянуть на ее отвратительные подробности? Он понял, что недостаточно написать картину с полем боя, усеянным погибшими воинами, - такие полотна были и раньше. Верещагин придумал символ войны, образ, только взглянув на который, каждый сможет представить, насколько страшна любая война. Он написал выжженную пустыню, посреди которой возвышается пирамида из человеческих черепов. Вокруг - лишь сухие, безжизненные деревья, и только воронье слетается на свой пир. Вдалеке виднеется полуразрушенный город, и зритель с легкостью может догадаться, что и там жизни больше нет.
3. Алексей Саврасов. «Грачи прилетели», 1871 г.
Картину «Грачи прилетели» все знают с детства, и наверняка каждый писал по ней школьные сочинения. И сегодня учителя обязательно расскажут детям про лирические пейзажи Саврасова и про то, что уже в самом названии этой картины слышится радостное предвестие утра года и все в ней исполнено глубокого, близкого сердцу смысла. Между тем, мало кто знает о том, что знаменитых «Грачей…», равно как и всех остальных работ Саврасова, могло и вовсе не быть.
Алексей Саврасов был сыном мелкого московского галантерейщика. Желание мальчика заниматься живописью не вызывало у родителя восторга, но тем не менее в Московское училище живописи и ваяния Кондрат Саврасов сына отпустил. И учителя, и одноклассники признавали талант юного художника и прочили ему великое будущее. Но сложилось так, что, не проучившись и года, Алексей, по-видимому, из-за болезни матери, был вынужден прекратить учебу. Его преподаватель Карл Рабус обратился за помощью к обер-полицмейстеру Москвы генерал-майору Ивану Лужину, который помог талантливому юноше получить художественное образование.
Если бы Лужин не принял участия в судьбе молодого художника, одна из самых известных картин в истории отечественной живописи никогда не появилась бы на свет.
4. Василий Поленов. «Московский дворик», 1878 г.
Иногда, для того чтобы написать прекрасную картину, художник много путешествует, долго и придирчиво ищет самые красивые виды, в конце концов, находит заветное место и раз за разом приходит туда с этюдником. А бывает и так, что для того, чтобы создать замечательную работу, ему достаточно просто подойти к собственному окну, взглянуть на совершенно обычный московский дворик - и случается чудо, появляется удивительный пейзаж, наполненный светом и воздухом.
Именно такое чудо произошло с художником Василием Поленовым, который выглянул из окна своей квартиры в начале лета 1878 года и довольно быстро написал увиденное. Легко скользят по небу облака, все выше поднимается солнце, нагревая своим теплом землю, зажигая блеском купола церквей, укорачивая густые тени… Казалось бы - незамысловатая картина, к которой сам художник поначалу серьезно не относился: написал и почти забыл о ней. Но тут его пригласили принять участие в выставке. Ничего значительного у него не оказалось, и Поленов решил выставить «Московский дворик».
Как ни странно, именно эта «незначительная картинка» принесла Василию Поленову известность и славу - ее полюбили и публика, и критики: в ней есть и тепло, и яркие краски, а ее героев можно рассматривать бесконечно, придумывая историю про каждого из них.
5. Иван Шишкин. «Утро в сосновом лесу», 1889 г.
«Утро в сосновом лесу» Ивана Шишкина - наверное, самая знаменитая картина из коллекции Третьяковской галереи. В нашей стране ее знают все, благодаря репродукциям в школьных учебниках, а может, благодаря шоколадным конфетам «Мишка косолапый».
Но далеко не всем известно, что сам Шишкин написал только утренний лес в туманной дымке, а к медведям отношения не имеет. Эта картина - плод совместного творчества Шишкина и его друга, художника Константина Савицкого.
Иван Шишкин был непревзойденным мастером изображать всякие ботанические тонкости - критик Александр Бенуа его изрядно ругал за пристрастие к фотографической точности, называл его картины безжизненными и холодными. А вот с зоологией художник не дружил. Рассказывают, что именно поэтому Шишкин обратился к Савицкому с просьбой помочь ему с медведями. Савицкий приятелю не отказал, но всерьез к своей работе не отнесся - и подпись ставить не стал.
Позже Павел Третьяков приобрел это полотно у Шишкина, и художник предложил Савицкому оставить подпись на картине - все-таки они вместе над ней работали. Савицкий так и сделал, однако Третьякову это не понравилось. Заявив, что картину он покупал у Шишкина, а про Савицкого и знать ничего не желает, потребовал растворитель и собственными руками удалил «лишнюю» подпись. Так и получилось, что сегодня в Третьяковской галерее указывают авторство только одного художника.
6. Виктор Васнецов. «Богатыри», 1898 г.
Самым «сказочным» художником в истории русской живописи считается Виктор Васнецов - именно его кисти принадлежат такие известные работы, как «Аленушка», «Витязь на распутье», «Богатырский скок» и многие другие. Но самая его известная картина - «Богатыри», на которой изображены главные герои русских былин.
Сам художник описывал картину так: «Богатыри Добрыня, Илья и Алеша Попович на богатырском выезде - примечают в поле, нет ли где ворога, не обижают ли где кого?».
Посередине на вороном коне Илья Муромец, смотрит вдаль из-под ладони, в одной руке у богатыря копье, в другой булатная палица. Слева на белом коне Добрыня Никитич, вынимает меч из ножен. Справа на коне рыжей масти Алеша Попович, держит в руках лук со стрелами. С героями этой картины - точнее с их прообразами - связана любопытная история.
Виктор Васнецов долго думал, как должен выглядеть Илья Муромец, и долго не мог найти «правильное» лицо - смелое, честное, выражающее одновременно и силу, и доброту. Но однажды совершенно случайно он встретился с крестьянином Иваном Петровым, который приехал в Москву на заработки. Художник был поражен - на московской улице он увидел настоящего Илью Муромца. Крестьянин согласился позировать Васнецову и… остался в веках.
В былинах Добрыня Никитич довольно молод, но на картине Васнецова почему-то изображен человек средних лет. Почему же художник решил столь вольно поступить с народными сказаниями? Разгадка проста: в образе Добрыни Васнецов изобразил себя, достаточно сравнить картину с портретами и фотографиями художника.
7. Валентин Серов. «Девочка с персиками. Портрет В. С. Мамонтовой», 1887 г.
«Девочка с персиками» - один из самых известных портретов в истории русской живописи, написанный художником Валентином Серовым.
Девочка на портрете - Верочка, дочь мецената Саввы Мамонтова, в доме которого художник часто бывал. Интересно, что персики, лежащие на столе, не были привезены из теплых краев, а выросли неподалеку от Москвы, прямо в усадьбе Абрамцево, что в XIX веке было делом совсем необычным. У Мамонтова работал садовник-волшебник - в его умелых руках фруктовые деревья цвели даже в феврале, а урожай собирали уже в начале лета.
Благодаря серовскому портрету, Вера Мамонтова вошла в историю, но сам художник вспоминал, каких трудов стоило ему уговорить позировать 12-летнюю девочку, которая отличалась на редкость непоседливым характером. Серов работал над картиной почти месяц, и каждый день Вера по несколько часов смирно сидела в столовой.
Труды оказались не напрасными: когда художник представил портрет на выставке, картина очень понравилась публике. И сегодня, спустя более ста лет, «Девочка с персиками» восхищает посетителей Третьяковской галереи.
8. Илья Репин. «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года», 1883–1885 гг.
Разглядывая ту или иную картину, нередко задаешься вопросом, что послужило источником вдохновения для художника, что подтолкнуло его написать именно такую работу? В случае с картиной Ильи Репина «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года» догадаться об истинных причинах совсем непросто.
На картине изображен легендарный эпизод из жизни Ивана Грозного, когда он в припадке гнева нанес смертельный удар своему сыну царевичу Ивану. Впрочем, многие историки считают, что на самом деле убийства не было и царевич умер от болезни, а вовсе не от руки своего отца. Казалось бы, что может заставить художника обратиться к подобному историческому эпизоду?
Как вспоминал сам художник, мысль написать картину «Иван Грозный и сын его Иван» появилась у него после… концерта, на котором он услышал музыку композитора Римского-Корсакова. Это была симфоническая сюита «Антар». Звуки музыки завладели художником, и он захотел воплотить в живописи настроение, которое создалось у него под влиянием этого произведения.
Но не только музыка стала источником вдохновения. Путешествуя по Европе в 1883 году, Репин посетил бой быков. Вид этого кровавого зрелища впечатлил художника, который писал о том, что, «заразившись… этой кровавостью, по приезде домой, сейчас же принялся за кровавую сцену “Иван Грозный с сыном”. И картина крови имела большой успех».
9. Михаил Врубель. «Демон сидящий», 1890 г.
Как иногда много значит название картины. Что видит зритель при первом взгляде на полотно Михаила Врубеля «Демон сидящий»? Мускулистый молодой человек сидит на скале и с печалью смотрит на закат. Но как только мы произносим слово «демон», сразу же возникает образ волшебного недоброго существа. Между тем демон Михаила Врубеля - это вовсе не злобный дух. Сам художник не раз говорил, что демон - дух «не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, но при всем том дух властный, …величавый».
Эта картина интересна своей живописной техникой. Художник наносит краску на холст не привычной кистью, а тонкой стальной пластиной - мастихином. Подобная техника позволяет соединять приемы живописца и скульптора, буквально «вылепливать» картину с помощью красок. Так достигается «мозаичный» эффект - создается впечатление, что небо, скалы, да и само тело героя не написаны краской, а выложены из тщательно отполированных, быть может, даже драгоценных камней.
10. Александр Иванов. «Явление Христа народу (Явление Мессии)», 1837–1857 гг.
Картина Александра Иванова «Явление Христа народу» - событие уникальное в истории отечественной живописи. О ней непросто говорить с детьми, особенно 6–7-летними, но увидеть это монументальное полотно, над которым художник работал более 20 лет и которое стало делом всей его жизни, они должны обязательно.
Сюжет картины основывается на третьей главе Евангелия от Матфея: Иоанн Предтеча, крестящий иудейский народ на берегу Иордана во имя ожидаемого Спасителя, вдруг видит идущим Того, во имя Которого он крестит людей. О композиционных особенностях картины, о ее символах и о художественном языке дети узнают позже. Во время первого знакомства стоит рассказать о том, как одна картина стала делом всей жизни художника.
После окончания учебы в петербургской Академии художеств Александр Иванов был отправлен «на стажировку» в Италию. «Явление Христа народу» должно было стать отчетным произведением. Но художник очень серьезно относится к своей работе: тщательно изучает Священное Писание, историю, месяцами находится в поисках нужного пейзажа, бесконечное количество времени ищет образ для каждого героя картины. Заканчиваются деньги, которые ему выделялись на работу, Иванов ведет нищенское существование. Кропотливая работа над картиной привела к тому, что художник испортил зрение и вынужден был долго лечиться.
Когда Иванов завершил свой труд, итальянская публика с восторгом приняла картину, это был один из первых случаев европейского признания русского художника. В России же ее оценили далеко не сразу - лишь после смерти художника к нему пришла настоящая слава.
Работая над картиной, Иванов создал более 600 эскизов. В зале, где она выставлена, можно увидеть некоторые из них. Интересно на этих примерах проследить, как художник работал над композицией, пейзажем, над образами героев картины.
