Искусство и дизайн

7404

24.09.15 01:41

«Такая маленькая, ее явно переоценили!», – хмыкают некоторые туристы, специально пришедшие в Лувр, дабы увидеть здешнюю святыню, «Мону Лизу»… Лувр Лувром, но не стоит забывать, что и в самой Франции родилось немало знаменитых живописцев. Совершим краткую экскурсию в прошлое этой страны и вспомним лучших французских художников.

Самые лучшие французские художники

Великий классицист

Родившийся в конце XVI века Никола Пуссен с восторгом перенял приемы мастеров Высокого Возрождения, включая автора «Джоконды» да Винчи и Рафаэля. В его картинах часто присутствуют библейские персонажи, мифологические сюжеты (даже цикл пейзажей, посвященный временам года, и тот вдохновлен Библией). Нормандец Пуссен стоял у истоков классицизма, его вклад во французское искусство невозможно переоценить. В нашем Эрмитаже хранится его полотно «Отдых на пути в Египет».

Певец галантной эпохи

Антуан Ватто, появившийся на свет почти через два десятилетия после кончины Пуссена, прочно воцарился на «Олимпе» французских художников. В его время в Европе не было ни одного живописца, который мог бы с ним посостязаться в мастерстве. Он прожил всего 36 лет, но успел оставить немало шедевров. Бытовые сценки, пейзажи, портреты Ватто прелестны и изящны, его называют предтечей стиля рококо. Для поступления в Академию художеств юноша написал два варианта картины «Паломничество на остров Киферу» (одна хранится в Берлине, другая – в парижском Лувре). Эрмитаж приобрел несколько работ французского художника, среди которых полотно «Актеры Французской комедии».

Одаренный пейзажист

Первоклассный маринист и пейзажист Клод Жозеф Верне долгое время работал в Италии. Побережье Неаполя и могучий Тибр оставили след в его творчестве. В коллекцию Лувра входят «Вид моста и замка святого Ангела» и «Вид Неаполя с Везувием», а в Эрмитаже выставлены «Скалы у берега моря», «Утро в Кастелламаре» и некоторые другие шедевры мастера.

Коллеги-романтики

Представитель романтического течения в искусстве Эжен Делакруа родился на рубеже XVIII-XIX веков и получил хорошее образование. Он любил копировать шедевры старых мастеров – на них и оттачивал свое искусство. Эжен дружил с Александром Дюма и восхищался работами Жерико. Одни из самых известных картин Делакруа (он часто выбирал исторические сюжеты) – «Свобода на баррикадах» и «Смерть Сарданапала».

Еще один романтик, Теодор Жерико, был старше Делакруа всего на несколько лет, но являлся для коллеги большим авторитетом. Увы, судьба отмерила ему очень короткий срок – в 32 года живописец упал с лошади и разбился. Теодор предпочитал масштабные батальные сцены, копировал Рубенса, будучи страстным поклонником фламандца. Даже если вы не слышали имени этого французского художника, репродукции с шедевра Жерико «Плот «Медузы» (эта работа – гордость Лувра) наверняка встречали.

Вечный странник

Эжен Анри Поль Гоген у нас более известен. Постимпрессионист застал наступление ХХ века, но ушел довольно рано: умер в 54 года в 1903-м во Французской Полинезии. Говорят, гения сгубили недуги (самая страшная из них – неизлечимая проказа). В юности он много путешествовал: Поль служил простым матросом на военном судне, был кочегаром на кораблях торгового флота. Те впечатления, конечно, отразились в работах живописца. Он чуть было не посвятил жизнь брокерству, но вовремя остановился и отдался творчеству. Даже людям непосвященным знакомы яркие образы, созданные Гогеном, например, «Женщина, держащая плод».

Летящие силуэты

Любой из вас слышал выражение «Балерины Дега». Этот французский художник, действительно, черпал вдохновение в балетных школах и на репетициях. Его легкие пастельные мазки умудрялись запечатлеть изящные легкие наклоны головы, пируэты, поклоны, прыжки – мы видим это в полотнах импрессиониста «Урок танцев» или «Голубые танцовщицы». Широко известны и его бытовые сценки: «Абсент», «Гладильщицы».

Отец импрессионизма

Другой классик европейской живописи – Эдуард Мане (один из «отцов» импрессионизма) – как и Дега, любил изображать быт горожан: их прогулки в саду или пикники на природе. Его портреты отличаются простотой и безыскусностью, а в конце жизни он вдруг увлекся натюрмортами. Шедеврами мировой величины считаются «Олимпия», «Железная дорога», «Завтрак на траве».

Сентиментально и перламутрово

Излюбленным жанром Пьера Огюста Ренуара был портрет. Светские жеманницы, юные невинные девы, влюбленные парочки оживают под уверенными мазками кисти мастера. Начав как импрессионист, Пьер постепенно разочаровался в нем и примкнул к классицистам. Его искусство сентиментально и перламутрово. Посмотрите на «Девушек за фортепиано» или «Весенний букет», полотна будто светятся изнутри.

То ли крестьянин, то ли мыслитель…

Поль Сезанн с его словно высеченными из камня силуэтами на портретах и слегка «размазанными» пейзажами – яркий представитель постимпрессионизма. И в творчестве, и в жизни он был скуп на эмоции, немногословен и не очень эмоционален – что-то в нем было от крестьянина, что-то – от ученого-мыслителя. Интересно, что именно его шедевр «Игроки в карты» – одна из самых дорогих картин в мире (в 2012-м году его приобрели для коллекции эмира Катара за 250 млн. долларов).

Злой рок аристократа

Последний в нашем списке самых лучших французских художников – бедолага Анри Мари Раймон де Тулуз Лотрек. Почему бедолага? Да, он принадлежал к древнему графскому роду, но в 13 и 14 лет юноша умудрился сломать сначала бедро одной ноги, потом другой, из-за этого они перестали расти. Анри так и остался полукарликом-инвалидом. Невозможность сделать военную карьеру потрясла всю семью, а самого Анри подтолкнула к занятиям живописью. Он учился у мастеров (очень любил творчество Дега и Сезанна), а приехав в Париж, стал завсегдатаем кабаре и кабачков, спился, заразился сифилисом и умер в 37 лет. Его графические работы и картины получили признание уже после смерти. Портреты артисток «Мулен Руж» и проституток, к услугам которых был вынужден прибегать Тулуз Лотрек, сейчас считаются шедеврами.

Подробности Категория: Изобразительное искусство и архитектура конца XVI-XVIII веков Опубликовано 27.04.2017 14:46 Просмотров: 3249

В начале XVIII в. во Франции появился новый стиль – рококо .

В переводе с французского рококо (rocaille) – «раковина». Название этого художественного стиля раскрывает его характерную черту – любовь к сложным формам, причудливым линиям, напоминающим изящный силуэт раковины.
Стиль рококо просуществовал недолго (примерно до 40-х гг.), но его влияние на европейскую культуру оказалось очень сильным.
Во второй половине XVIII в. начался новый всплеск интереса к античной культуре. Отчасти это было связано и с раскопками Помпеи, которые открыли уникальные памятники искусства. С другой стороны, этому интересу способствовали идеи французского Просвещения: идеал искусства и общественной жизни они видели в истории и культуре Древней Греции и Древнего Рима. Таким образом, сложился новый стиль – неоклассицизм . Так было не во всех странах. Например, в Италии стиль барокко существовал одновременно со стилем рококо, тогда как во Франции барокко не получил особенного развития. В России рококо и неоклассицизм дополняли друг друга.
В XVIII в. заказчики не играли уже главной роли в судьбе художника: главным судьёй произведений искусства стало общественное мнение. Появилась художественная критика: Дени Дидро, Жан Жак Руссо и др.
Важным событием художественной жизни Франции XVIII в. стали публичные выставки – Салоны. С 1667 г. их ежегодно организовывала парижская Королевская академия живописи и скульптуры при поддержке королевского двора. Успех в Салоне являлся для живописца или скульптора признанием. Участвовать в Салонах стремились не только французы, поэтому Париж постепенно превратился в общеевропейский художественный центр.

Жан Антуан Ватто (1684-1721)

Розальба Каррьера. Портрет Антуана Ватто (1721)
Антуан Ватто – французский живописец первой трети XVIII в., родоначальник стиля рококо.
Он открыл в живописи сферу тончайших эмоций, созвучных лирике пейзажа.
А. Ватто родился в провинциальном городе в семье кровельщика. Уже в ранние годы проявились его художественные способности, и отец отдал его в ученики местному живописцу незначительного дарования. Очень скоро наставник уже перестал быть полезен будущему художнику. Антуан Ватто против воли отца тайно покидает родной городок Валансьен и пешком добирается до Парижа, где нанимается в живописную мастерскую на мосту Нотр-Дам, владелец которой организовал серийное изготовление дешевых копий картин в «простонародном вкусе» для оптовых покупателей. Ватто механически копировал одни и те же популярные картины, а в свободное время рисовал с натуры. Он был исключительно трудолюбив.

Антуан Ватто «Капризница» (ок. 1718). Государственный Эрмитаж (Петербург)
Вскоре Ватто обрел первых покровителей – Пьера Мариэтта и его сына Жана, гравёров и коллекционеров, владельцев крупной фирмы, торговавшей гравюрами и картинами. У Мариэттов Ватто получил возможность познакомиться с работами Рембрандта , Тициана , Рубенса . При посредничестве Мариэттов Ватто становится учеником художника Клода Жилло, мастера театральных декораций и создателя небольших картин. «У этого мастера Ватто воспринял лишь вкус к гротеску и к комическому, а также вкус к современным сюжетам, которым он посвятил себя впоследствии. И все же надо признать, что у Жилло Ватто окончательно разобрался в самом себе и что с тех пор стали более явственными признаки таланта, который предстояло развить» (Биограф художника Эдм-Франсуа Жерсен).

Антуан Ватто «Актеры Французской комедии» (ок. 1712). Государственный Эрмитаж (Петербург)
В 33 года Ватто становится популярнейшим живописцем Парижа, что способствовало его европейской известности.

Антуан Ватто «Жиль» (1718-1719). Лувр (Париж)
Вот как отзывается об этой картине Ватто М.Ю. Герман, ведущий научный сотрудник Русского музея: «В история искусства «Жиль» практически не имеет аналогий. Мало кто вообще писал актеров. Тем более никто не решался показать актера в полном бездействии. Для самого Ватто это было шагом отважным: написать фигуру в самой середине холста, заполнив большую его часть широким, совершенно скрывающим тело комедианта балахоном, а в глубине изобразить лица других актеров, весельем и оживлением резко контрастирующие с почти неподвижным лицом героя... Лишенный жестов и мимики, симметрично и плоско вписанный в холст, он спокойно существует во времени, словно навсегда остановившемся для него. Ему чуждо все, что скоротечно и преходяще. Суета за его спиной – в движениях актеров. Смех и веселье зрителей – перед ним. А он остается неизменно недвижным, со смешным и трогательным укором в круглых, ласковых и умных глазах».
Уже совсем больным Ватто взялся за вывеску для антикварной лавки «Великий монарх» на мосту Нотр-Дам. Эта лавка принадлежала его другу Жерсену.

Антуан Ватто. Вывеска лавки Жерсена (1720-1721). Дворец Шарлоттенбург (Берлин)
Ватто написал картину-вывеску на двух отдельных и затем вставленных в единую раму холстах. Действие картины перенесено из пейзажа в интерьер. Полотно изображает просторную лавку, которая по замыслу художника выходит прямо на парижскую мостовую.
На переднем плане слева слуги укладывают в ящик портрет недавно умершего Людовика XIV. В верхнем углу висит портрет его тестя, испанского короля Филиппа IV, справа знатоки тщательно изучают картину в овальной раме; пейзажи и натюрморты соседствуют здесь с мифологическими сценами.
Главной особенностью этого произведения является его программный характер. По мнению Луи Арагона, Ватто под видом вывески представил историю живописи, какой он её знал. Эта картина стала как бы художественным завещанием автора. Антуан Ватто скончался в возрасте 36 лет от туберкулёза.

Памятник Антуану Ватто в его родном городе Валансьене (1884)
С развитием стиля рококо связано и творчество Франсуа Буше.

Франсуа́ Буше́ (1703-1770)

Ф. Буше – французский живописец, гравёр, декоратор. Для его произведений характерны изысканные формы, лирически нежный колорит, грациозность, кокетливость, иногда доходящая до жеманности.

Густаф Лундберг. Портрет Франсуа Буше
Буше был мастером гравюры, иллюстрировал книги Овидия, Боккаччо, Мольера. Создавал декорации для опер и спектаклей, картины для королевских шпалерных мануфактур; выполнял орнаментальные росписи изделий севрского фарфора, расписывал веера, исполнял миниатюры и т. п.
В живописи он обращался к аллегорическим и мифологическим сюжетам, писал жанровые сцены, пасторали (поэтизация мирной и простой сельской жизни), пейзажи , портреты .

Ф. Буше. Портрет мадам де Помпадур
Буше получил звание придворного художника. Украшал резиденции короля и мадам де Помпадур, частных особняков Парижа. В последние годы жизни был директором Королевской академии живописи и скульптуры и «первым живописцем короля».

Ф. Буше. Портрет Мари Бьюзо, жены художника (1733)
Ещё одна картина Ф. Буше иллюстрирует эпизод новеллы Лафонтена «Отшельник». Юноша, задумавший соблазнить красивую, но робкую деревенскую девушку, поселяется вблизи под видом отшельника. Ему удается убедить мать девушки в своей святости, и та сама отводит к нему дочь послушать его благих поучений. Буше показывает оригинальную трактовку произведения Лафонтена, но в его композиции главное место занимает пейзаж.

Ф. Буше «Пейзаж с отшельником. Брат Люс» (1742). Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина (Москва)

Демократические взгляды французского искусства

Они воплотились в творчестве «живописца третьего сословия» Жана Батиста Симеона Шардена, портретах Мориса Кантена де Латура.

Жан Батист Симеон Шарден (1699-1779)

Шарден. Автопортрет
Шарден сознательно избегал сюжетов, свойственных искусству его времени. В основном он писал натюрморты и бытовые сцены , но в них выражал свои собственные наблюдения. Его интересовала жизнь людей «третьего сословия» (все группы населения за исключением привилегированных: духовенства и дворянства).
Деятельность Шардена-художника продолжила традиции голландских и фламандских мастеров и представляла собой расцвет реализма в XVIII в. Даже натюрморт у него был аспектом для изображения реальности. Самые обычные предметы становились для него источниками композицией для изображения гармонического бытия: кувшины, старые кастрюли, овощи и т.д.

Шарден «Скат» (1728). Лувр (Париж)
Художник умел в совершенстве передавать цветовое разнообразие, чувствовал внутреннюю взаимосвязь предметов. Маленькими мазками он передавал оттенки цвета, владел умением включать в изображение влияние солнечных лучей.
Обратившись к жанровой живописи, к обычным домашним сценам, Шарден воссоздал на полотне спокойный, размеренный уклад повседневной жизни, близкий каждому человеку. Именно такие картины укрепили за ним одно из видных мест в истории французской живописи. В 1728 г. он стал членом парижской Академии художеств, в 1743 г. – её советником; позже стал членом руанской Академии наук, словесности и изящных искусств.
Он одухотворял самые обыденные предметы и занятия: «Прачка» (1737), «Банка с оливками» (1760), «Атрибуты искусств» (1766).

Шарден «Натюрморт с атрибутами искусств» (1766 г. Государственный Эрмитаж (Петербург). Картина выполнена по заказу Екатерины II для строившегося в Петербурге здания Академии художеств
Д. Дидро сравнивал его мастерство с колдовством: «О, Шарден, это не белая, красная и черная краски, которые ты растираешь на своей палитре, но сама сущность предметов; ты берешь воздух и свет на кончик своей кисти и накладываешь их на холст!»

Шарден «Мыльные пузыри» (1733-1734). Национальная галерея искусства, Вашингтон (США)
Своеобразный сплав «галантной» живописи и бытового жанра отличает творчество Жана Оноре Фрагонара.

Жан Оноре́ Фрагона́р (1732-1806)

Французский живописец и гравёр. Работал в стиле рококо. Автор более 550 картин (не считая рисунков и гравюр).

Ж.О. Фрагонар. Автопортрет (ок. 1760-1770)
Был учеником Ф. Буше и Ж.Б.С. Шардена. Первоначально увлекался исторической живописью, а затем стал писать в духе Ватто и Буше. Нередки у него сцены интимной жизни, эротического содержания, декоративные панно, портреты, миниатюры, акварели, пастели. Занимался и офортным гравированием.
Но в эпоху классицизма потерял популярность.

Ж.О. Фрагонар «Задвижка» (1777). Лувр (Париж)
На картине изображена любовная сцена: кавалер, не отрывая взгляда от дамы, правой рукой тянется к двери, на которой он закрывает верхнюю задвижку. Левая рука дамы как бы повторяет это движение. На столике лежит яблоко, библейский символ искушения и грехопадения.
В исторических картинах Фрагонар мало оригинален. Его пейзажи довольно приукрашены. Зато жанровые картины художника отличаются искусной композицией, изяществом рисунка, нежным колоритом и тонким вкусом: «Урок музыки», «Пастораль», «Купальщицы», «Спящая нимфа», «Амур, снимающий сорочку с красавицы», «Молодой гитарист», «Поцелуй украдкой».

Ж.О. Фрагонар «Поцелуй украдкой». Эрмитаж (Петербург)
В середине XVIII в. французское Просвещение выдвинуло классические идеалы средства воспитания. В живописи появилось сентиментально-нравоучительное направление, в котором выделился художник Жан-Батист Грёз.

Жан-Батист Грёз (1725-1805)

Ж.-Б. Грёз. Автопортрет
Особенно Грёз преуспел в жанре семейного быта с его проблемами и драмами – здесь у него мало соперников во французской живописи.

Ж.-Б. Грёз «Отцовское проклятие» (1777). Лувр (Париж)
На картине изображена сцена семейной драмы, когда сын объявляет отцу о своём уходе в армию, а отец проклинает его.
Как портретист он тоже был на высоте, т.к. понимал портретную живопись иначе, чем его современники, которые изображали мужчин Аполлонами, а женщин – Флорами и Венерами. Его портреты полны внешнего сходства, наполнены жизнью и чувствами.

Ж.-Б. Грёз «Портрет девушки». Национальный музей искусств Азербайджана
В петербургском Эрмитаже находятся 11 произведений Грёза.
Во Франции XVIII в. возрос интерес к природе и пейзажной живописи. Характерную для неоклассицизма разновидность пейзажа («архитектурную фантазию») создал Юбер Робер.

Юбе́р Робе́р (1733-1808)

Виже-Лебрён, Мари Элизабет Луиза. Портрет Юбера Робера (1788) Лувр (Париж)
Французский пейзажист; получил европейскую известность габаритными холстами с романтизированными изображениями античных руин в окружении идеализированной природы. Его прозвищем было «Робер из Развалин».

Юбер Робер «Античные руины» (1754-1765). Будапешт

Жак-Луи Давид (1748-1825)

Ж.-Л. Давид. Автопортрет (1794)
Французский живописец и педагог, крупный представитель французского неоклассицизма в живописи. Чуткий летописец своего бурного времени.
Родился в семье оптового торговца железом. Воспитывался в основном в семье родственников. Когда у ребенка заметили способности к рисованию, предположили, что он станет архитектором, как и оба его дяди.
Давид брал уроки рисунка в Академии св. Луки. В 1764 г. родственники представили его Франсуа Буше, но из-за болезни тот не смог заниматься с юношей. В 1766 г. Давид поступает в Королевскую Академию живописи и скульптуры и начинает заниматься в мастерской Вьена. В 1775-1780 гг. Давид обучался во Французской академии в Риме, изучал античное искусство и творчество мастеров эпохи Возрождения.
В 1783 г. он был избран членом Академии живописи.
Активно участвовал в революционном движении, был избран депутатом Национального Конвента, примкнул к монтаньярам во главе с Маратом и Робеспьером, голосовал за смерть короля Людовика XVI. Пишет ряд картин, посвящённых революционерам: «Клятва в зале для игры в мяч» (1791, не закончена), «Смерть Марата» (1793). Также в это время организовывал массовые народные празднества и создал Национальный музей в Лувре.

Ж.-Л. Давид «Смерть Марата» (1793). Королевские музеи изящных искусств (Брюссель)
Это полотно является одной из самых известных картин, посвященных Великой Французской Революции.
Жан Поль Марат – журналист радикальной газеты «Друг народа», лидера якобинцев. Заболев кожной болезнью, Марат не выходил из дома и, чтобы облегчить свои страдания, принимал ванны. 13 июля 1793 г. он был заколот ножом в своей квартире дворянкой Шарлоттой Корде.
Надпись на деревянной тумбе – авторское посвящение: «МАРАТУ, Давид». В руке Марата зажат листок с текстом: «13 июля 1793, Мари Анна Шарлотта Корде – гражданину Марату. Я несчастна, а потому имею право на вашу защиту». На самом деле Марат не успел получить эту записку, т.к. Корде убила его раньше.
В 1794 г. заключён в тюрьму за революционные взгляды.
В 1797 г. стал свидетелем торжественного въезда в Париж Наполеона Бонапарта и с тех пор становится его пылким сторонником, а после прихода того к власти – придворным «первым художником». Давид создаёт картины, посвящённые переходу Наполеона через Альпы, его коронации, а также ряд композиций и портретов приближённых к Наполеону лиц. После поражения Наполеона в битве при Ватерлоо в 1815 г. бежал в Швейцарию, затем переехал в Брюссель, где прожил до конца жизни.

Ж.-Л. Давид «Бонапарт на Сен-Бернарском перевале» (1801)
Эта картина Давида открывает эпоху романтизма в европейской живописи. Представляет собой сильно романтизированный конный портрет генерала Наполеона Бонапарта, в мае 1800 г. возглавлявшего переход Итальянской армии через перевал Сен-Бернар высоко в Альпах.
Романтический смысл картине придаёт и природный фон: крутые горные обрывы, снег, сильный ветер и непогода. Внизу, если приглядеться, можно увидеть высеченные имена трех великих полководцев, которые проходили этой дорогой: Ганнибал, Карл Великий и Бонапарт.

Ж.-Л. Давид «Коронация Наполеона» (1805-1808)
Полотно создано под впечатлением от картины Рубенса «Коронация Марии Медичи».
Похоронен Жак-Луи Давид в Брюсселе, а его сердце было перевезено в Париж и захоронено на кладбище Пер-Лашез.
В XVIII в. во Франции работали исторические живописцы Жан Жувене, Никола Коломбель, Пьер Сюблейра, портретисты Клод Лефевр, Никола Ларжильер и Гиацинт Риго.
В середине XVIII в. славилось семейство Ванло, в особенности братья Жан-Батист и Шарль и др. художники.

Французскую художественную школу на рубеже 17-го и 18-го века можно назвать ведущей европейской школой, именно во Франции в то время зародились такие стили искусства, как рококо, романтизм, классицизм, реализм, импрессионизм и постимпрессионизм.

Рококо (франц. rococo, от rocaille - декоративный мотив в форме раковины) - стиль в европейском искусстве 1-й половины 18-го века. Для рококо характерен гедонизм, уход в мир идиллической театральной игры, пристрастие к пасторальным и чувственно-эротическим сюжетам. Характер декора рококо приобрёл подчёркнуто изящные, утончённо-усложнённые формы.

В стиле рококо работали Франсуа Буше, Антуан Ватто, Жан Оноре Фрагонар.

Классицизм - стиль в европейском искусстве 17 - начала 19-го века, характерной чертой которого было обращение к формам античного искусства, как к идеальному эстетическому и этическому эталону.

В стиле классицизма работали Жан Батист Грёз, Никола Пуссен, Жан Батист Шарден, Жан Доминик Энгр, Жак-Луи Давид.

Романтизм - стиль европейского искусства в 18-19-м веках, характерными чертами которого было утверждение самоценности духовно-творческой жизни личности, изображение сильных и зачастую бунтарских страстей и характеров.

В стиле романтизма работали Франсиско де Гойя, Эжен Делакруа, Теодор Жерико, Уильям Блейк.

Эдуар Мане. Завтрак в мастерской. 1868 г.

Реализм – стиль искусства, задачей которого является как можно более точная и объективная фиксация действительности. Стилистически реализм многолик и многовариантен. Различные стороны реализма в живописи представляют собой барочный иллюзионизм Караваджо и Веласкеса, импрессионизм Мане и Дега, нюненские работы Ван Гога.

Рождение реализма в живописи чаще всего связывают с творчеством французского художника Гюстава Курбе, открывшего в 1855 г. в Париже свою персональную выставку «Павильон реализма», хотя ещё до него в реалистической манере работали художники барбизонской школы Теодор Руссо, Жан-Франсуа Милле, Жюль Бретон. В 1870-е гг. реализм разделился на два основных направления - натурализм и импрессионизм.

Реалистическая живопись получила большое распространение по всему миру. В стиле реализма остросоциальной направленности в России 19-го века работали передвижники.

Импрессионизм (от фр. impression - впечатление) - стиль в искусстве последней трети 19-го - начала 20-го веков, характерной чертой которого являлось стремление наиболее естественно запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Импрессионизм не поднимал философские проблемы, а сосредоточивался на текучести мгновения, настроения и освещения. Сюжетами импрессионистов становится сама жизнь, как очередь маленьких праздников, вечеринок, приятных пикников на природе в дружеском окружении. Импрессионисты одни из первых стали рисовать на пленэре, не дорабатывая свои работы в студии.

В стиле импрессионизма работали Эдгар Дега, Эдуард Мане, Клод Моне, Камиль Писсарро, Огюст Ренуар, Жорж Сёра, Альфред Сислей и другие.

Постимпрессионизм – стиль искусства, возникший в конце 19-го века. Постимпрессионисты стремились свободно и обобщённо передавать материальность мира, прибегая к декоративной стилизации.

Постимпрессионизм дал начало таким направлениям искусства, как экспрессионизм, символизм и модерн.

В стиле постимпрессионизма работали Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Поль Сезанн, Тулуз-Лотрек.

Рассмотрим подробнее импрессионизм и постимпрессионизм на примере творчества отдельных мастеров Франции 19-го века.

Эдгар Дега. Автопортрет. 1854-1855 гг.

Эдгар Дега (годы жизни 1834-1917) - французский живописец, график и скульптор.

Начав со строгих по композиции исторических картин и портретов, Дега в 1870-е годы сблизился с представителями импрессионизма и обратился к изображению современной городской жизни – улиц, кафе, театральных представлений.

В картинах Дега динамичная, часто асимметричная композиция, точный гибкий рисунок, неожиданные ракурсы, активность взаимодействия фигуры и пространства тщательно продуманны и выверены.

Э. Дега. Ванная. 1885 г.

Во многих произведениях Эдгар Дега показывает характерность поведения и облика людей, порожденную особенностями их быта, выявляет механизм профессионального жеста, позы, движения человека, его пластическую красоту. Искусству Дега присуще соединение прекрасного и прозаического; художник, как трезвый и тонкий наблюдатель, одновременно фиксирует скрывающийся за нарядной зрелищностью утомительный будничный труд.

Излюбленная техника пастели позволяла Эдгару Дега наиболее полно проявить свой талант рисовальщика. Насыщенные тона и «мерцающие» штрихи пастели помогали художнику создать ту особенную красочную атмосферу, ту переливчатую воздушность, которая так отличает все его работы.

В зрелые годы Дега часто обращается к теме балета. Хрупкие и невесомые фигурки балерин предстают перед зрителем то в полумраке танцевальных классов, то в свете софитов на сцене, то в короткие минуты отдыха. Кажущаяся случайность композиции и беспристрастная позиция автора создают впечатление подсмотренной чужой жизни, художник показывает нам мир грации и красоты, не впадая при этом в излишнюю сентиментальность.

Эдгара Дега можно назвать тонким колористом, его пастели удивительно гармоничны, то нежные и светлые, то построенные на резких цветовых контрастах. Манера Дега отличалась удивительной свободой, он накладывал пастель смелыми, ломаными штрихами, иногда оставляя проступающий сквозь пастель тон бумаги или добавляя мазки маслом или акварелью. Цвет в картинах Дега возникает из переливчатого сияния, из струящегося потока радужных линий, рождающих форму.

Поздние работы Дега выделяются интенсивностью и богатством колорита, которые дополняются эффектами искусственного освещения, укрупненными, почти плоскостными формами, стеснённостью пространства, придающей им напряженно-драматический характер. В этот

период Дега написал одну из своих лучших работ – «Голубые танцовщицы». Художник работает здесь большими цветовыми пятнами, придавая первостепенное значение декоративной организации поверхности картины. По красоте цветовой гармонии и композиционному решению картина «Голубые танцовщицы» может считаться лучшим воплощением темы балета у Дега, который добился в этой картине предельного богатства фактуры и цветовых сочетаний.

П. О. Ренуар. Автопортрет. 1875 г.

Пьер Огюст Ренуар (годы жизни 1841-1919) - французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма. Ренуар известен, прежде всего, как мастер светского портрета, не лишённого сентиментальности. В середине 1880-х гг. фактически порвал с импрессионизмом, вернувшись к линейности классицизма в энгровский период творчества. Замечательный колорист, Ренуар часто добивается впечатления монохромности живописи с помощью тончайших сочетаний валёров, близких по цвету тонов.

П.О.Ренуар. Лягушатник. 1869 г.

Как большинство импрессионистов, Ренуар сюжетами своих картин выбирает мимолётные эпизоды жизни, отдавая предпочтение праздничным городским сценкам - балам, танцам, прогулкам («Новый мост», «Лягушатник», «Мулен да ла Галетт» и другие). На этих полотнах мы не увидим ни черного, ни темно-бурого цвета. Только гамма ясных и ярких цветов, сливающихся воедино, если смотреть на картины с определенного расстояния. Фигуры людей в этих картинах написаны в той же импрессионистской технике, что и окружающий их пейзаж, с которым они часто сливаются.

П. О. Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари. 1877 г.

Особое место в творчестве Ренуара занимают поэтичные и обаятельные женские образы: внутренне различные, но внешне слегка схожие между собой, они словно отмечены общей печатью эпохи. Кисти Ренуара принадлежат три различных портрета актрисы Жанны Самари. На одном из них актриса изображена в изысканном зелёно-голубом платье на розовом фоне. В этом портрете Ренуар сумел подчеркнуть лучшие черты своей модели: красоту, живой ум, открытый взгляд, лучезарную улыбку. Стиль работы художника очень свободный, местами до небрежности, однако это создаёт атмосферу необычайной свежести, душевной ясности и безмятежности.В изображении обнаженной натуры Ренуар достигает редкой изысканности карнаций (живопись цвета человеческой кожи), построенных на сочетании теплых телесных тонов со скользящими легкими зеленоватыми и серо-голубыми рефлексами, придающими гладкость и матовость поверхности полотна. В картине «Обнажённая в солнечном свете» Ренуар использует преимущественно основные и дополнительные цвета, полностью исключая чёрный цвет. Цветовые пятна, полученные при помощи мелких цветных мазков, дают характерный эффект слияния при отдалении зрителя от картины.

Надо отметить, что использование зеленого, желтого, охры, розового и красного тонов для изображения кожи шокировало публику того времени, неподготовленную к восприятию того факта, что тени должны быть цветными, наполненными светом.

В 1880-х годах в творчестве Ренуара начинается так называемый «энгровский период». Наиболее известное произведение этого периода - «Большие купальщицы». Для построения композиции Ренуар впервые стал использовать наброски и эскизы, линии рисунка стали чёткими и определёнными, краски утратили прежнюю яркость и насыщенность, живопись в целом стала выглядеть сдержанней и холоднее.

В начале 1890-х годов в ренуаровском искусстве происходят новые перемены. В живописной манере появляется переливчатость цвета, отчего этот период иногда именуют «перламутровым», затем этот период уступает место «красному», названному так из-за предпочтения оттенкам красноватых и розовых цветов.

Эжен Анри Поль Гоген (годы жизни 1848-1903) - французский живописец, скульптор и график. Наряду с Сезанном и Ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма. Живописью начал заниматься в зрелом возрасте, ранний период творчества связан с импрессионизмом. Лучшие работы Гогена написаны на островах Таити и Хива-Оа в Океании, куда Гоген уехал от «порочной цивилизации». К характерным чертам стиля Гогена можно отнести создание на больших плоскостных полотнах статичных и контрастных по цвету композиций, глубоко эмоциональных и одновременно декоративных.

На картине «Жёлтый Христос» Гоген изобразил распятие на фоне типичного французского сельского пейзажа, страдающий Иисус окружён тремя бретонскими крестьянками. Умиротворение разлитое в воздухе, спокойные покорные позы женщин, насыщенный солнечным жёлтым цветом ландшафт с деревьями в красной осенней листве, крестьянин занятый вдали своими делами, не могут не входить в конфликт с тем, что происходит на кресте. Окружение резко контрастирует с Иисусом, на лице которого отображается та стадия страдания, которая граничит с апатией, безразличием ко всему его окружающему. Противоречие безграничных мук принимаемых Христом и «незамечаемость» этой жертвы людьми – вот главная тема этого произведения Гогена.

П. Гоген. А, ты ревнуешь? 1892 г.

Картина «А, ты ревнуешь?» относится к полинезийскому периоду творчества художника. В основе картины лежит сцена из жизни, подсмотренная художником:

на берегу две сестры - они только что искупались, и теперь их тела раскинулись на песке в непринуждённых сладострастных позах - беседуют о любви, одно воспоминание вызывает раздоры: «Как? Ты ревнуешь!».

В живописи сочной полнокровной красоты тропической природы, естественных, неиспорченных цивилизацией людей, Гоген изображал утопическую мечту о земном рае, о жизни человека в гармонии с природой. Полинезийские полотна Гогена напоминают панно по декоративности цвета, плоскостности и монументальности композиции, обобщённости стилизованного рисунка.

П. Гоген. Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём? 1897-1898 гг.

Картину «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?» Гоген считал возвышенной кульминацией своих размышлений. По замыслу художника картину нужно читать справа налево: три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Группа женщин с ребёнком в правой части картины представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в крайней левой группе Гоген изобразил человеческую старость, приближение к смерти; голубой идол на дальнем плане символизирует потусторонний мир. Эта картина является вершиной в новаторском постимпрессионистском стиле Гогена; в его стиле сочеталось чёткое использование красок, декоративность цветового и композиционного решения, плоскостность и монументальность изображения с эмоциональной выразительностью.

Творчество Гогена предвосхитило многие черты складывавшегося в этот период стиля модерн и оказало влияние на становление мастеров группы “Наби” и других живописцев начала XX века.

В. Ван Гог. Автопортрет. 1889 г.

Винсент Ван Гог (годы жизни 1853-1890) – французский и нидерландский художник-постимпрессионист, начал заниматься живописью, как и Поль Гоген, уже в зрелом возрасте, в 1880-х годах. До этого времени Ван Гог успешно работал дилером, затем учителем в интернате, позднее прошёл обучение в Протестантской миссионерской школе и проработал полгода миссионером в бедном шахтёрском квартале в Бельгии. В начале 1880-х годов Ван Гог обратился к искусству, посещал Академию художеств в Брюсселе (1880-1881) и Антверпене (1885-1886). В раннем периоде своего творчества Ван Гог писал этюды и картины в тёмной живописной гамме, выбирая сюжетами сцены из жизни шахтёров, крестьян, ремесленников. Работы этого периода Ван Гога («Едоки картофеля», «Старая церковная башня в Нюнене», «Башмаки») отмечают болезненно-острое восприятие людских страданий и чувства подавленности, гнетущая атмосфера психологической напряжённости. В своих письмах брату Тео художник писал об одной из картин этого периода «Едоки картофеля» следующее: «В ней я старался подчеркнуть, что эти люди, поедающие свой картофель при свете лампы, теми же руками, которые они протягивают к блюду, копали землю; таким образом, полотно говорит о тяжелом труде и о том, что персонажи честно заработали свою еду».В 1886-1888 гг. Ван Гог жил в Париже, посещал престижную частную художественную студию знаменитого на всю Европу педагога П. Кормона, изучал живопись импрессионизма, японскую гравюру, синтетические произведения Поля Гогена. В этот период палитра Ван Гога стала светлой, исчезли землистого оттенка краски, появились чистые голубые, золотисто-жёлтые, красные тона, характерный для него динамичный, как бы струящийся мазок («Агостина Сегатори в кафе «Тамбурин», «Мост через Сену», «Папаша Танги», «Вид на Париж из квартиры Тео на улице Лепик»).

В 1888 году Ван Гог переехал в Арль, где окончательно определилось своеобразие его творческой манеры. Пламенный художественный темперамент, мучительный порыв к гармонии, красоте и счастью и, одновременно, страх перед враждебными человеку силами, находят воплощение то в сияющих солнечными красками юга пейзажах («Жёлтый дом», «Жатва. Долина Ла-Кро»), то в зловещих, напоминающих ночной кошмар образах («Ночная терраса кафе»); динамика цвета и мазка

В. Ван Гог. Ночная терраса кафе. 1888 г.

наполняет одухотворённой жизнью и движением не только природу и населяющих её людей («Красные виноградники в Арле»), но и неодушевлённые предметы («Спальня Ван Гога в Арле»).

Напряжённая работа Ван Гога в последние годы сопровождалась приступами душевной болезни, которая привела его в больницу для душевнобольных в Арле, затем в Сен-Реми (1889–1890) и в Овер-сюр-Уаз (1890), где он покончил жизнь самоубийством. Творчество двух последних лет жизни художника отмечено экстатической одержимостью, предельно обострённой экспрессией цветовых сочетаний, резкими сменами настроения – от исступлённого отчаяния и мрачного визионерства (“Дорога с кипарисами и звездами”) до трепетного чувства просветления и умиротворения (“Пейзаж в Овере после дождя”).

В. Ван Гог. Ирисы. 1889 г.

В период лечения в клинике Сен-Реми Ван Гог пишет цикл картин «Ирисы». В его живописи цветов отсутствует высокая напряжённость и прослеживается влияние японских гравюр укиё-э. Это сходство проявляется в выделении контуров объектов, необычных ракурсах, наличии детально прорисованных областей и областей, залитых сплошным цветом, не соответствующим реальности.

В. Ван Гог. Пшеничное поле с воронами. 1890 г.

«Пшеничное поле с воронами» - картина Ван Гога, написанная художником в июле 1890 года и являющейся одной из самых знаменитых его работ. Картина была закончена предположительно 10 июля 1890 года, за 19 дней до его смерти в Овер-сюр-Уазе. Существует версия, что Ван Гог покончил жизнь самоубийством в процессе написания данной картины (выйдя на пленэр с материалами для рисования, выстрелил в себя из пистолета, приобретённого для отпугивания птичьих стай, в область сердца, затем самостоятельно добрался до лечебницы, где и скончался от потери крови).

Художники Франции – это величайшие имена мировой культуры. Более того, именно французские мастера побили все рекорды цены на произведения искусства на лучших аукционах. Жаль, только, что их авторы получили только посмертную славу, но таковы превратности судьбы многих творцов прекрасного.

Художники Франции: феномен французского импрессионизма

Итак, самыми дорого продаваемыми, а значит наиболее известными и признанными в мире стали французские художники 20 века. Даже совершенно неискушенные в изобразительном искусстве люди знают их имена. Прежде всего, это художники импрессионисты. Франция была неприветлива к ним при жизни, но после смерти они стали настоящей национальной гордостью.

Самые великие художники Франции, получившие всемирное признание, славу и известность в широких кругах, – это Пьер Ренуар , Эдуар Мане , ‎Эдгар Дега , Поль Сезанн , Клод Моне и Поль Гоген . Все они являются представителями самого знаменитого и самого хорошо продаваемого к тому же направления в живописи ХХ столетия – импрессионизма. Стоит ли говорить, что это направление зародилось именно во Франции, и оно наиболее полно раскрывает ее место и значение в истории мирового искусства. Удивительное сочетание оригинальной техники и большой эмоциональной выразительности очаровало и продолжает очаровывать в импрессионизме ценителей прекрасного во всем мире.

Художники Франции: становление французской живописи

Но французские художники – это не только импрессионизм. Как и везде в Европе, расцвет живописи здесь пришелся на эпоху Возрождения. Конечно, Франция не может похвастаться гигантами типа Леонардо да Винчи или Рафаэля, но свой вклад в общее дело все же сделала. Но итальянские влияния были слишком сильны для формирования оригинальной национальной школы.

Первым великим французским художником, который полностью освободился от внешних влияний, стал Жак Луи Давид, которого по праву считают основателем национальной живописной традиции. Самой известной картиной художника стал знаменитый конный портрет императора Наполеона под названием «Наполеон на перевале Сен-Бернар» (1801 год).

Художники Франции 19 века, работающие в реалистичном направлении, конечно, менее известны, чем импрессионисты, но все же они привнесли свой ощутимый вклад в развитие мировой живописи. А вот 20 столетие стало триумфом французского искусства, а Париж превратился в средоточие муз. Знаменитый район французской столицы Монмартр, давший приют десяткам бедных художников, впоследствии вошедших в золотой фонд наследия человечества, среди которых имена Ренуара , Ван Гога , Тулуз-Лотрека , а также Пикассо и Модильяни , стал центром изящных искусств, и до сих пор привлекает толпы туристов. Знаменитые художники Франции современности также традиционно живут на Монмартре.

В каждой стране есть свои герои актуального искусства, чьи имена на слуху, чьи выставки собирают толпы поклонников и любопытствующих, а работы – расходятся по частным коллекциям.

В этой статье мы познакомим вас с самыми популярными современными художниками Франции.

Малика Фавр (Malika Favre)

Малику Фавр к миру изобразительного искусства приобщила художница-мать – в их доме не было телевизора и видеоигр, эти развлечения заменяло рисование. После окончания университета Фавр переехала в Лондон, где живет и работает до сих пор. Именно в Лондоне, после четырех лет работы на студии Airside, она нашла свое призвание и стала профессиональным иллюстратором.

Томас Мэйнардис (Thomas Mainardis)

Томас – французский художник-самоучка. Его картины, стиль которых художник обозначает как поп-экспрессионизм, – это субъективные впечатления и моменты, выхваченные из современной поп-культуры и насыщенные эмоциями и фантазиями. В настоящее время художник живет и работает в маленьком городке между Парижем и Лиллем.

Nushka

Художница Nushka живет и работает в Париже и занимается живописью уже более 10 лет. Изучала живопись Nushka в Детройте у американского художника Заваки, который обучил ее основам рисования, и у Мэгги Синер, которая познакомила ее с механикой цветов. Также училась у художника Hashpa. Благодаря столь богатой базе, живопись художницы сочетает техническое мастерство и стиль с современными темами.

Лоран Ботелла (Laurent Botella)

Лоран обучался живописи в мастерской Maithe Rovino в городе Оссон и в художественной школе Beaux Arts в Тулузе. Его картины выполнены в импрессионистической технике – и техника для Лорана имеет первостепенное значение: композиция и цветовая гамма направлены на то, чтобы подчеркнуть сюжетную составляющую картины. Начиная с 1991 года Лоран Ботелла регулярно участвует в выставках и конкурсах, на которых уже неоднократно удостаивался призов и награды.

Лоран Доптен (Laurent Dauptain)

Лоран Доптен имеет степень магистра в области живописи. Сюжетика его работ необычна: в основном художник рисует свои собственные портреты, экспериментируя с различными техниками. Время от времени Лоран пробует себя в других жанрах, но всегда возвращается к автопортерету. Начиная с 1981 года Доптен постоянно выставляется, много раз участвовал в различных конкурсах и неоднократно получал награды за свою работу, самые значимые из которых включают в себя Гран-при Салона Peintres de l"Armee, 2003 год, премия Тейлора, 2001 год и золотая медаль Салона художник Франции, 1997 год.

Мишель Делакруа (Michel Delacroix)

Мишель Делакруа родился в 1933 году. Его любовь к рисованию зародилась еще во времена немецкой оккупации Парижа. Именно Париж, который даже тогда оставался Парижем, является героем его картин – тихий, спокойный город детства художника. Делакруа долго экспериментировал со стилями, пока в конце концов не остановился на направлении, сделавшемся его фирменным – «наивном» стиле живописи. Делакруа неоднократно удостаивался различных наград, включая Grand Prix des Amateurs d’Art, Париж 1973 год, Grand Prix de la Cote d’Azur, Канны, 1976 год, Premier Prix de Sept Collines, Рим, 1976 год и т.д. Его работы можно найти в нескольких государственных и частных коллекциях, включая Национальный музей современного искусства в Париже и международный музей наивного искусства.

Сильвестр Эврард (Sylvestre Evrard)

Французский художник Сильвестр Эврард живет и работает в городе Лилль. В основном, герои его картин – люди. Стиль и настроение картин художника, по его собственным словам, можно кратко охарактеризовать выражением Андре Мальро: «Искусство – присутствие в жизни того, что должно принадлежать смерти».

Патрисия Перрир-Ради (Patricia Perrier-Radix)

Работы Патрисии отличаются легкостью, непринужденностью и совершенством. Художница не останавливается в поисках своего стиля, постоянно обогащает знания изучением различных материалов, но склоняется к работе акриловой и масляной краской на холсте. Ее картины удивительно эмоциональны – рисуя героев без лиц, Патрисия мастерски передает малейшие оттенки чувств и настроений точностью мимолетных жестов и поз.

Анри Лами (Henri Lamy)

Современный французский фигуративный художник Анри Лами учился масляной живописи, но оказался увлечен непосредственностью и спонтанностью акрила, усиливающего его работы резкими, выразительными цветами. Картины Анри создает капающей с ножа краской, потеки которой переплетаются, соединяются и почти мгновенно высыхают. Вблизи эти акриловые картины могут выглядеть абстракцией и показывают свое истинное лицо лишь зрителю, отошедшему на пару шагов.

Джоанна Перду (Johanna Perdu)

Джоанна, также известная среди коллег и любителей живописи как La D"Jo, получила диплом по специальности в изобразительном искусстве и посвятила себя ему во всем его разнообразии, от живописи до фотографии. Свои идеи она черпает из мира развлечений: музыка, танец, театр, цирк.., а в центре ее картин всегда живые существа из этого волшебного мира. Сегодня ее картины можно встретить в галереях в различных уголках мира. Нарочито наивные работы Перду завоевали внимание критиков и заслужили от них множество отзывов, как правило, восторженных.